Ich hatte kürzlich eine Debatte über den Film The Great Escape von 1963 .
Während ich den Film bis zu einem gewissen Grad sehr lustig fand und möglicherweise als Satire gesehen werden könnte, bestritt mein Gesprächspartner, dass er überhaupt lustig sein sollte oder war.
Mir ist bewusst, dass die Geschichte hinter dem Film eine sehr ernste ist, aber das beiläufige Verhalten der Gefangenen und beispielsweise die mehrfach gescheiterten Fluchtversuche erweckten bei mir den Eindruck, dass der Film satirisch sei.
Obwohl ich vielleicht gerade von der Comedy-Serie Hogan's Heroes beeinflusst wurde , die ein sehr ähnliches Setting hatte. Eine andere Erklärung könnte sein, dass der Film aus heutiger Sicht nur Humor hat, vor 50 Jahren aber eher ernst war.
IMDB listet den Film als "Adventure | Drama | History" auf, also gibt es dort keinen Hinweis darauf, ob Humor beabsichtigt war.
Meine Frage ist: War The Great Escape zu der Zeit, als es gedreht wurde, als lustig oder satirisch gedacht, oder ist das nur meine Wahrnehmung davon?
The Great Escape basiert auf einem historischen Ereignis, das als heroisch und inspirierend galt. Daher wird es korrekterweise als Drama eingestuft.
Das Leben ist manchmal voller lustiger Momente und The Great Escape zeigt mit Sicherheit, dass der Sinn für Humor der Menschheit selbst unter den schlimmsten Umständen eine ihrer besten Verteidigungen gegen Verzweiflung ist. Der Humor, den Sie im Film sehen, ist jedoch größtenteils entweder zweitrangig oder ironisch.
Nicholas J. Cull, Professor für Amerikanistik an der University of Leicester, Spezialist für Film-, Medien- und Propagandageschichte, schrieb einen Artikel „Great Escapes: ‚Englishness‘ and the Prisoner of War Genre“ (akademisch, peer-reviewed, veröffentlicht in Film History: An International Journal , Band 14, S. 282-295 (2002), erhältlich über meine Universitätsbibliothek). Darin untersucht er die Entwicklung des Genres von POW-Filmen und ihre Beziehung zum Konzept des „Englishness“, das er sowohl als Merkmal der englischen Nationalidentität als auch als ideologisches Konstrukt definiert, sozusagen „englischer Ausnahmezustand“.
Der Autor erklärt, wie „Englishness“ im Kontext des Zweiten Weltkriegs trotz der realen historischen Komplexität zu einer vereinfachten Geschichte des Widerstands gegen die Tyrannei wurde, in der „im Kern die Betonung auf einer Insel liegt, die allein steht, und dem Gemeinschaftsgefühl, das durch ein gemeinsames Ziel erzeugt wird“. .
Die Überschneidung zwischen den traditionellen Erwartungen des Englischseins und der englischen Version des Zweiten Weltkriegs trägt dazu bei, die nationale Bindung an die Geschichte zu erklären. Vom Krieg bis zur Gegenwart gab es eine Reihe von Geschichten, die über die Engländer im Krieg erzählt und wiedererzählt wurden. […] Von diesen ist das Genre der Kriegsgefangenen vielleicht das expliziteste Englisch. Wenn die erhaltene Version des Zweiten Weltkriegs der Mikrokosmos des englischen Mythos ist, ist das Genre Prisoner of War der Mikrokosmos des Zweiten Weltkriegs.
So weist Cull darauf hin, dass, obwohl „das Genre für seinen Anspruch auf Authentizität umso mächtiger war“ (aufgrund der ziemlich engen Verfolgung tatsächlicher Erfahrungen auf der Grundlage von Memoiren und der Beteiligung ehemaliger Kriegsgefangener an der Filmproduktion), es immer noch formelhaft und von Geschichte zu Geschichte vertraut war mit allgegenwärtigem englischen Einfallsreichtum in der Improvisation („durchwursteln“) und sogar „perky defiance“. Es war sogar so vertraut, dass sich bereits Mitte der 50er Jahre zeitgenössische Kritiker darüber beschwerten. Der Autor fährt fort: „In den 1960er Jahren war es möglich, über die POW-Erfahrung zu scherzen“. In Very Important Person (1961) „wurden die Klischees des Genres bis zur komischen Wirkung gründlich einstudiert“.
In dem wichtigen Abschnitt „Der Reiz des Genres“ erklärt Cull, warum Kriegsgefangenengeschichten aus dem Zweiten Weltkrieg so erfolgreich waren. Durch die Verortung des Lagerkriegs wurde die Handlung auf die direkte Konfrontation von archetypischen „Guten“- und „Bösen“-Charakteren verdichtet. Fragen des Geschlechts und der Klasse könnten vermieden werden. Während Frauen gleichermaßen an den Kriegsanstrengungen teilnahmen, gab es für sie im POW-Film mit seltenen Ausnahmen kaum einen Platz. Das Schicksal von angeworbenen Männern der Arbeiterklasse, die nicht „die Verantwortung zur Flucht“ hatten, wie es die Offiziere taten, und die gleichzeitig Zwangsarbeit unterzogen werden konnten, wurde erst in The Password is Courage untersuchtim Jahr 1962. Dieser Film berührte das Thema Holocaust und Kriegsgräuel im Allgemeinen ungeschickt – auch der erste in diesem Genre. Indem die Lager mit britischen Offizieren bevölkert wurden, verlieh es dem größeren Sieg auch das Gefühl des einzigartigen britischen Werts, während die Tatsache vermieden wurde, dass die Sowjets den größten Teil der Kämpfe führten und die Amerikaner die Bemühungen der Alliierten finanzierten. Der Autor bringt es treffend auf den Punkt:
Stellen Sie den Film früh im Krieg oder in einem reinen RAF-Lager ein, und es besteht überhaupt keine Notwendigkeit, die amerikanische Präsenz zu diskutieren. Der POW-Film wurde zu einem perfekten Tunnel, durch den die Briten den Amerikanern entkommen konnten.
Bemerkenswerte Kriegsgefangenenfilme außerhalb der britischen Formel waren Hollywoods Bridge on the River Kwai und 1962 Le Caporal Epingle (The Vanishing Corporal) von Jean Renoir (Autor von 1937 La Grande Illusion , der nebenbei das Kriegsgefangenenleben im Ersten Weltkrieg darstellt): Filme „gekennzeichnet mit a Konzentration auf Charakter und Motivation, die den Fluchtgeschichten aus deutschen Lagern völlig fremd sind“ des britischen Genres. Doch es war Hollywoods große Produktion von The Great Escape , die die britische Geschichte mit ihrer amerikanischen Behandlung auf den Höhepunkt des Genres brachte.
Auf Drängen des altgedienten Hollywood-Drehbuchautors WR Burnett, der „über den Mangel an amerikanischen Charakteren entsetzt war“, wurden „die weisen Charaktere geschaffen, die später von Steve McQueen und James Garner gespielt wurden“. „Die endgültige Version war ein Kompromiss zwischen der britischen und der amerikanischen Perspektive aus der Feder des australischen Schriftstellers James Clavell.“ Während die historische Realität ganz anders aussah:
Der letzte Film ließ viele wichtige Details und Charaktere aus den tatsächlichen Ereignissen aus, die in Brickhills Buch dokumentiert sind. Obwohl Amerikaner in die frühen Stadien der von Brickhill dargestellten historischen Ereignisse verwickelt waren, wurden amerikanische Kriegsgefangene tatsächlich in ein angrenzendes Lager verlegt, bevor die Flucht begann.
Die Einführung amerikanischer Schriftzeichen erfolgte nicht nur aus diesem Grund, sondern auch, um die für die Zeit typische britische vs. amerikanische Dynamik zu vermitteln:
Die Verwendung britischer Schriftzeichen als Symbol für „Kriegsliebhaber“ und Amerikaner als widerstrebende, aber einfallsreiche Zyniker war typisch für die Hollywood-Darstellungen von Großbritannien im Krieg in dieser Zeit.
Autor führt aus:
Die Nebenhandlung des Films entwickelt sich auf eine Weise, die nicht nur englische Charaktere in ihrer eigenen Geschichte an den Rand drängt, sondern ihr Verhalten explizit „anders“ macht. Die amerikanischen Charaktere sind die Norm, und ihre Verbundenheit mit Dingen wie Baseball und improvisierten Feierlichkeiten zum 4. Juli sind die offensichtlichsten Ausdrucksformen der nationalen Kultur im Film, um sie vom Englischen des Camps zu unterscheiden. […] Es gibt viele Momente im Film, in denen deutlich wird, dass wir eine amerikanische Darstellung des Englischseins sehen.
Der von den Briten ausgearbeitete Plan wird zu einer vergeblichen Übung, für die „die Teilnehmer einen hohen Preis zahlen“.
… die Weisheit des Plans wird in den letzten Momenten des Films in Frage gestellt. Das schleppende Ende spiegelte die wachsende Bereitschaft wider, sich mit dem Ausmaß der nationalsozialistischen Gräueltaten auseinanderzusetzen, und erinnerte an die düstere Realität, die der Fluchtgeschichte zugrunde liegt.
Die obige lange Zusammenfassung dient dazu, einen Punkt voranzutreiben: Während The Great Escape kulturelle Konfrontation injizierte und sein heruntergekommenes Finale das gesamte Konzept in Frage stellte, ist es letztendlich eine Ableitung der „klassischen fröhlichen Kriegsgefangenengeschichte“. Die Geschichte ist ausgesprochen optimistisch, in der der erwähnte „freche Trotz“ ein wichtiges Merkmal ist, kein nachträglicher Einfall oder Zufall.
Ich denke, The Great Escape als „historisches Drama“ zu kategorisieren, kann nur am Stück erfolgen, da es nicht ganz historisch ist (obwohl es tatsächlich auf der wahren Geschichte basiert), und nicht ganz ernst und dramatisch. Ich würde es definitiv nicht in die gleiche Reihe stellen wie, sagen wir, den jüngsten Hart's War, wenn es um Dramatik oder Ernsthaftigkeit der Handlung geht.
Laut Cull ist der animierte Chicken Run (2000) nicht nur eine Hommage an Great Escape und den britischen POW-Film im Allgemeinen, sondern in gewisser Weise eine tiefgründige Satire des Genres.
Indem Park und Lord die Geschichte mit Hühnern nacherzählten, zollten Park und Lords Film liebevoll dem POW-Genre Tribut, zogen aber in gewisser Weise einen Schlussstrich unter die Geschichten als Produkte der Vergangenheit.
Chicken Run bringt die Hühner in die wirkliche Gefahr, spielt gleichzeitig auf Gräueltaten des Krieges an und setzt die Charaktere der Gefahr aus, Hackklotz zu riskieren:
Der Film deutet auch auf den dunkelsten Aspekt des Krieges hin. Die Hühner entdecken, dass ihnen nicht nur die Gefangenschaft, sondern auch die industrielle Massenvernichtung bevorsteht.
Dies erhebt den Konflikt von einem „sportlichen Nervenkitzel“ für die Offiziere, da er innerhalb des Genres erst in Escape to Victory von 1981 von Michael Caines Charakter aus der Arbeiterklasse anerkannt wurde, der ausrief: „Ihre Flucht ist nur ein verdammtes Spiel der Oberschicht! ”
Ich glaube nicht, dass es wirklich sinnvoll ist, Hogans Helden mit The Great Escape zu vergleichen. Hogan's Heroes war definitiv eine Komödie und ließ absichtlich die grausameren Aspekte einer Kriegsgefangenschaft aus. Obwohl Hogans Männer zum Beispiel Brücken und Züge und dergleichen in die Luft sprengten, zeigten sie nie, dass eine Person getötet oder ernsthaft verletzt wurde. Außerdem werden in Hogans Helden die meisten Deutschen als völlig idiotisch und leicht manipulierbar dargestellt und wurden von den Gefangenen überhaupt nicht gefürchtet.
Vergleichen Sie das mit The Great Escape, wo wir grafische Szenen von getöteten Gefangenen sehen, wie als der Maulwurf versuchte, den Zaun zu erklimmen, oder das Ende, als 50 Flüchtlinge hingerichtet wurden.
Es gibt sicherlich humorvolle Momente in The Great Escape, aber insgesamt ist es richtig, es als Drama einzustufen. Wie Mistu4u betonte, basierte der Film auf einem Buch, und die Ereignisse im Film fanden tatsächlich statt (obwohl natürlich einige Details erfunden oder übertrieben waren). Tatsächlich drehten sich einige der Nürnberger Prozesse nach dem Krieg darum, wer die Hinrichtung der fünfzig Männer angeordnet hatte, da dies als Kriegsverbrechen galt. Während des Prozesses gegen Herman Göring behauptete er, Hitler selbst habe die Hinrichtung der Fünfzig angeordnet (siehe diesen Link für weitere Informationen) .
Der Film basiert auf dem gleichnamigen Buch . Das Buch ist:
.... ein Insiderbericht von Paul Brickhill über die Massenflucht 1944 aus dem deutschen Kriegsgefangenenlager Stalag Luft III für britische und Commonwealth-Flieger. Als Häftling im Lager beteiligte er sich an dem Fluchtplan, wurde aber „zusammen mit drei oder vier anderen wegen Klaustrophobie“ von der eigentlichen Flucht ausgeschlossen.
Es sieht überhaupt nicht nach Satire aus. Es stimmt zwar, dass einige Szenen hier lustig dargestellt werden, aber am Ende ist es das nicht. Wir sollten auch bedenken, wann ein Film Parodie ist und wann nicht. Hier habe ich einen guten Hinweis gefunden :
Parodie ist eine komische Technik, die einen früheren Text zum Zwecke der Lächerlichkeit imitiert. In dem Film „The Great Escape“ (1963) beispielsweise wird die von Steve McQueen gespielte Figur wiederholt in Einzelhaft („the cooler“) gesteckt, wo er mit einem Baseball gegen die Wand prallt, um sich die Zeit bis zu seiner Freilassung zu vertreiben. In dem Parodiefilm Chicken Run (2000) wird das Huhn Ginger zu Einzelhaft in einem Kohlenbehälter verurteilt und prallt mit einem Stein gegen eine Wand, um sich die Zeit zu vertreiben. Der Kamerawinkel, die Haltung der Figur und das Geräusch des Balls, der von der Wand abprallt, bilden alle die bekannten Szenen in The Great Escape nach. Damit dieser Moment für das Publikum als Parodie fungieren kann, muss sich der Zuschauer des filmischen Präzedenzfalls bewusst sein und ihn mit der Imitation verbinden können (für die vielen kleinen Kinder, die Chicken Run genossen haben, ein Kohlebehälter ist nur ein Kohlebehälter). Es muss auch eine Wendung oder ein komisches Element der Imitation geben – in diesem Fall die Tatsache, dass der Gefangene ein Huhn und kein Soldat ist.
Unter Berücksichtigung all dieser Probleme können wir also sagen, dass es nicht als Satire gedacht war. Wir wissen jedoch, dass es viele Filme gibt, die in einem bestimmten Genre entstanden sind, aber als Filme eines anderen Genres möglicherweise erfolgreicher sind. Das Ganze ist eine Frage der persönlichen Wahl. Das Genre wird von der Mehrheit der Zuschauer bestimmt. In diesem Fall hat sich die Mehrheit jedoch für Geschichte entschieden und das war's!
Napoléon Wilson