Ich stimme Bryan nicht zu. Ich habe einen B. Des und in 4 Jahren Schule waren die meisten Kurse nicht technisch, aber überhaupt nicht.

Es ist schwer, eine Liste zu erstellen, ich denke, das Beste, was Sie tun können, ist, sich den Lehrplan einer guten Designschule anzusehen, um zu wissen, worüber Sie lesen und in welcher Reihenfolge.

Ich kann ein paar Fächer und eine Reihenfolge empfehlen, aber am Ende ist der beste Weg zu lernen, zu üben und sich mit einem Fachmann zu beraten (ich werde versuchen, von vage bis spezifisch zu gehen):

Kunstgeschichte, Designgeschichte, Typografie, Rastersysteme, Farbtheorien, Komposition, Typografie, Design- und Visualisierungstheorien (wie Ryan die Gestalttheorie und mehr erwähnte), UX, Illustrationstechniken, Formen und Formate, Logodesign, Verpackung, Buchredaktion, Bindung, Webdesign, Design für alternative Plattformen (wie TV-Apps usw.), Visuelle Kommunikation und vieles mehr.

Das Grafikdesign-Programm, das ich besuchte, begann mit einer soliden kunsthistorischen Grundlage. Ich weiß, dass einige vielleicht langweilig sind, aber zu wissen, wie und warum sich Design entwickelt hat, wird Ihnen helfen, ästhetische Entscheidungen zu treffen und in der Lage zu sein, Ihre Arbeit zu erklären und für sie einzustehen.

Wir hatten auch Farbtheorie, wir mussten normalerweise unsere eigenen Farben aus Primärfarben mischen und sie als bemalte Blöcke einreichen, meistens, wenn wir etwas über Komplimente oder triadische andere Arten von Farbkombinationen auf dem Rad lernten. Wir haben auch gelernt, wie man den Ton oder die Wahrnehmung mit Farbe und dem Fehlen von Farbe ändert. Zusammen mit der kulturellen Bedeutung von Farben und in welchen Anwendungen.

Bei Design 1 ging es hauptsächlich um die Auge-Hand-Koordination, um das, was Sie sehen, auf die Leinwand oder das Papier zu übertragen. Wir zeichneten viel (das ist der einzige Weg, um wirklich gut zu werden) 1-Minuten-Skizzen, 2-Minuten-Skizzen, schnelle Gestenzeichnungen, Stillleben-Requisiten überall. Von dort aus könnten Sie Wahlfächer belegen, Aktzeichnen (natürlich Akt), Illustration 1, 3D-Design, Möbeldesign ... Sie nennen es.

Beim Grafikdesign ging es mir hauptsächlich um die Prinzipien von Balance, Rythm, Harmany und wie man diese anwendet. Sie lernen auch, nicht schlampig zu sein. Ihr Schneiden, Kleben, alles, was Sie abgeben, muss wie von einer Maschine gemacht aussehen. Dies ist der Beginn des Aufbaus Ihres Portfolios. Sie haben Projekte, wie sie ein freiberuflicher Designer bekommen würde, und der Lehrer ist der Kunde.

Dann fängst du an, Designprogramme zu lernen, du wirst ein Viertel auf Photoshop haben, ein Viertel auf Vector Drawing/Illustrator, früher war es Quark, ich bin mir sicher, dass es jetzt InDesign ist, mit dem du ein Buch machen und das Binden lernen wirst usw. Etwas HTML , aber Web hieß früher Interactive Design, das ist ein anderes Fach. Jedes Projekt hat normalerweise als Teil der Ausführung etwas Neues zu lernen, und Sie erklären es normalerweise der Klasse. Während Sie immer mehr Kunstgeschichte belegen, umfasst dies auch Werbegeschichte usw. Auch alle Wahlfächer, die Sie noch haben, die Wahlfächer beziehen sich normalerweise auf Ihr Hauptfach. Oder Sie können etwas wie Philosophy of The Blues nehmen (es war großartig).

Grafikdesign II,III Sie lernen Buchbinden, Drucktechniken kennen; Mehr Layout-Design, Publikationsdesign, Werbedesign.

Typografie I, II, III Große Klasse, das ist sehr wichtig. Ich erinnere mich an ein Buch, The Elements of Style von Robert Binghurst.

Produktion I, (ich glaube, so hieß es), Sie lernen Druck- und Verpackungsprozesse, wie z. B. Tintenarten, Stanzen und Falzen, Offset/Digital

Im letzten Jahr erhalten Sie Projekte, die länger dauern, aber verschiedene Disziplinen kombinieren, um Sie und Ihre Arbeit fit für ein Vorstellungsgespräch zu machen. Jedes Projekt, das Sie präsentieren, als würden Sie es einem Kunden/Chef usw.

Ich hoffe das hilft,

Andy Stone SCAD, BFA-Grafikdesign

Es ist sehr schwierig , jemandem beizubringen, ein Künstler zu sein. Entweder du bist oder nicht. Entweder man hat ein Gespür, ein Talent, ein Auge für Ästhetik oder eben nicht. Was Sie lehren können, sind die Einschränkungen, die ein Künstler für bestimmte Reproduktionsmethoden einhalten muss. Aus diesem Grund konzentrieren sich viele "Design"-Bücher tatsächlich auf technische Aspekte, da dies der lehrbare Teil ist.

Machen Sie sich bewusst, dass der ästhetische Teil des Designs rein subjektiv ist . Es ist möglich, "Tipps" in Bezug auf Komposition, Perspektive, Beleuchtung, Linienvokabular, Positionierung usw. zu geben. Aber jeder dieser "Tipps" ist wirklich nur eine Meinung. Alles, was das Thema Ästhetik betrifft, ist also nur die Meinung des Autors und keine kalten, harten Fakten.

Wenn Sie Ihre ästhetischen Fähigkeiten verbessern möchten, müssen Sie möglicherweise das Wort „Design“ vergessen und sich auf kunstorientiertere Themen konzentrieren – Beleuchtung und Schattierung, Tiefe, Balance, Komposition, Farbtheorie, Verkürzung usw. All dies mag zusammenhangslos erscheinen , aber es ist nicht. Die meisten "Design"-Bücher werden sich darauf konzentrieren, wie man das, was man geschaffen hat, reproduzieren kann. Es gibt einige, die sich auf Farbtheorie, Balance oder Typografie konzentrieren – und diese sind wertvoll. Aber sie werden weitaus technischer als ästhetischer Natur sein.

Wo Designschulprogramme helfen, ist die Tatsache, dass Sie von einer Atmosphäre der Schöpfung und nicht der Einschränkung umgeben sind. Ich würde vermuten, dass die meisten Leute, die ein Designstudium beginnen, ein gewisses Talent für Kunst haben und daraus eine Karriere machen wollen. Sie beginnen also mit einer kreativen Basis und müssen lediglich die Einschränkungen lernen, die für die Kommerzialisierung dieser Talente erforderlich sind. (Und ich nehme an, in der heutigen Welt müssen sie auch Software lernen.) Aber ich habe noch nie einen einzigen Designkurs gesehen, der jemandem beigebracht hat, wie man ein Künstler oder wie man kreativ ist. Es ist einfach nicht leicht zu lehren.

Die meisten „Kunst“-Kurse, die ich am College belegte, waren nur „Übungs“-Kurse. Das heißt, der Ausbilder würde sagen ... zeichne das ... oder erschaffe etwas damit ... usw. Darüber hinaus vermittelten sie technisches Wissen, kein ästhetisches Wissen. Wie zum Beispiel Farbtheorie, damit Sie lernen, Farben richtig auszuwählen oder auszugleichen, damit Sie lernen, wie Sie eine schlechte Komposition korrigieren können. Oder Beleuchtung, damit Sie lernen, Objekte richtig zu schattieren. Sie können "Kunst"-Bücher finden, die diese Dinge behandeln (ich liebe Bücher von Burne Hogarth), aber es werden keine "Design"-Bücher sein.

Viele Kunstgeschichtekurse untersuchen einfach, wie die Meister geschaffen haben und wie sie Komposition, Farbe, Perspektive usw. in ihrer Arbeit verwendet haben. Darüber hinaus können sie die Arbeit berühmter Designer - Bass, Glazer, Rand usw. - abdecken, um die gleichen Aspekte aus "Design"-Sicht zu zeigen. Täglich davon umgeben zu sein, verinnerlicht einige Aspekte und hilft einem Designer, einfach mehr auf seinen Instinkt zu vertrauen.

Die Designschule ist letztendlich wie jedes körperliche Training – man trainiert und trainiert und trainiert, also wenn es an der Zeit ist, tatsächlich zu „tun“, reagiert man einfach mehr, als dass man darüber nachdenkt. Es ist die sich wiederholende Schaffung von Dingen, die Qualitätsarbeit ausmacht. Einfach immer und immer wieder zu erstellen und dann noch ein Dutzend Mal zu wiederholen, wird helfen. Hier helfen auch Schulen – sie zwingen dich dazu, immer wieder unter verschiedenen Umständen zu kreieren und helfen dir zu lernen, es bei Bedarf „einzuschalten“ und nicht „wenn du Lust dazu hast“. Das ist oft der Unterschied zwischen Erfolg und Misserfolg.

Wenn Sie die immaterielle, ästhetische Seite des Designs ohne formale Ausbildung erlernen möchten , benötigen Sie zumindest einen guten Ausgangspunkt und die Fähigkeit, etwas von Grund auf zu zeichnen oder zu erstellen. Von da an müssen Sie sich bei Büchern mehr mit Zeichnungen/Kunst, Kunstgeschichte oder sogar Fotografiebüchern befassen, die nichts mit Design zu tun haben, um die Perspektiven zu erhalten, die sich eher auf die Schöpfung als auf die Reproduktion beziehen .

Dies setzt natürlich voraus, dass ich Ihre Frage richtig gelesen habe. Es gibt eine Menge da und ich habe vielleicht einen Teil davon überflogen. :)

Da fragen Sie nach einem Auftrag, nicht-technische Dinge zu lernen. Da ist gar nichts. Sie könnten mit grundlegenden Designprinzipien wie der Gestalttheorie beginnen, um zu sehen, was Ausgewogenheit, Gruppierung usw. sind. Aber es ist nicht notwendig. Ich habe nie von diesen Dingen gehört, bis ich bereits seit Jahren designte.

Wenn Sie die Werkzeuge kennen, wie Sie sagen, dann ist Entwerfen nicht wie Programmieren. Du musst weder Farbe lernen, bevor du Balance lernen kannst, noch musst du Balance lernen, bevor du Farbe lernen kannst. Du erschaffst. Alles geschieht gleichzeitig, um eine Lösung für ein bestimmtes Designproblem oder eine Idee zu finden. Sie verbessern sich durch Iteration, Wiederholung, Kritik und Selbsterkenntnis.

Aber um Ihre Frage zu beantworten: Sie können keine Liste mit Designthemen finden, die Sie lernen können, da es keine Reihenfolge gibt. Sie müssen sie notwendigerweise alle gleichzeitig lernen.