Was ist die Soundwand auf vielen Pop-Platten der frühen 60er Jahre?

Phil Spector wurde zitiert, dass der Höhepunkt dieser Technik in seiner Produktion von „River Deep Mountain High“ von Tina Turner zu hören ist:

Wenn Sie sich das anhören, bemerken Sie, wie viele Instrumente spielen. Es gibt einen Basspart, der wahrscheinlich von drei Bassisten gespielt wird, einen Gitarrenpart, der wiederum aus drei Gitarristen bestehen könnte, eine Streichersektion, eine Bläsersektion, es klingt wie zwei Schichten von Hintergrundgesang (eine Schicht so etwas wie "ooohs" und eine andere, die mit Tina harmoniert) und drei Arten von Percussion – mindestens ein Schlagzeug, Congas und zusätzliche Percussion (z. B. Shaker usw.). Oh, und es gibt eine Art Glocken oder Vibraphon/Marimba, und wahrscheinlich gehen ein bis drei Klaviere in der Mischung verloren.

Außerdem gibt es eine anständige Menge an Hall auf alles.

Wie in den Kommentaren erwähnt, werden nicht nur viele Teile gleichzeitig gespielt, sondern jeder Teil wird auch von mehr als einem Instrument in perfekter Unisono und Synchronisation identisch gespielt. In manchen Fällen (mehrere Bassgitarren) verdichtet das den Klang, und in anderen Fällen (z. B. wenn ein Klavier und eine Marimba gleichzeitig spielen) erzeugt es die Illusion einer neuen Art von Instrument, das die Qualitäten der spielenden Instrumente kombiniert Teil.

Revolutionär an dem Konzept war, dass es egal war, ob einige Instrumente im Mix verloren gingen – das war teilweise der Punkt. Er versuchte, eine Art Pop-Orchesterklang zu schaffen, bei dem die einzelnen Spieler nicht so wichtig waren wie das gesamte Klangbild.

In Bezug darauf, wie er es erreicht hat, war ein Großteil davon Orchestrierung, aber wahrscheinlich würde die meiste harte Arbeit in die Kategorie dessen fallen, was ein Produzent tut, was sonst niemand tut. Es gab damals nicht die Technologie, um mehr als 20 Instrumente separat aufzunehmen und zu mischen, aber das erschien Spector nicht wie eine Labilität. Den Sound in den Raum zu bringen war Teil der Art und Weise, wie Platten produziert wurden, also arbeitete er zuerst daran, einen Sound in den Raum zu bringen, der sich von anderen Produzenten unterschied.

Wie oben erwähnt, stopfte er tonnenweise Musiker in einen Raum und orchestrierte die Parts für Layering und Doubling. Dann arbeitete er stundenlang mit den Musikern, bevor er überhaupt aufnahm, um die Performance und den Mix in dem Raum zu bekommen, den er wollte. Gleichzeitig würde es Aspekte der Musikerplatzierung, der Mikrofonplatzierung und der Auftrittsnotizen geben, die beeinflussen würden, was jedes Mikrofon hört. Die Geräusche würden alle von den Wänden abprallen und sich im Raum mischen und dann in verschiedene Mikrofone eintreten. Offensichtlich nahm das Mikrofon, das einem Musiker am nächsten steht, hauptsächlich diesen Musiker auf, aber es würde auch ein bisschen von allem anderen abbekommen, und dieser Musiker tauchte ein bisschen in jedem anderen Mikrofon auf.

Sobald der Sound im Raum seinen Vorstellungen entsprach, ging er zurück zur Mischkabine und ließ die verschiedenen Sounds in den verschiedenen Mikrofonen so mischen, dass die Effekte und Sounds entstanden, die er einzufangen versuchte. Diese beiden Komponenten, nämlich die Erstellung des Raumklangs und die anschließende Erstellung des gemischten und aufgenommenen Klangs, sind wirklich das Herzstück der Musikproduktion (unterstützt von einem Ingenieur, der manchmal selbst zur Hälfte Produzent ist).

Im Laufe der Zeit konnte er dieselben Session-Künstler mit denselben Mikrofonen am selben Ort sitzen lassen und den gewünschten Sound genauer und schneller vorhersagen und herstellen. Daher The Wrecking Crew, auch bekannt als "Phil Spector's Wall Of Sound Orchestra".

Phil Spector ist definitiv der erste Arrangeur, der einem in den Sinn kommt, wenn es um „Wall of Sound“ geht. Es kann jedoch sein, dass John Coltranes Jazz der späten 50er Jahre der Ursprung des Begriffs war, wie diese Suche in Google Books suggeriert: https://books.google.com/books?id=kfFgNABSuuUC&pg=PA176&lpg=PA176&dq=coltrane+wall+of+sound&source =bl&ots=4LHD0u-q4d&sig=odxCu4N8iQ_JWPfh-XW6QmpVWKc&hl=en&sa=X&ved=0ahUKEwjWjaLV25zbAhXH7YMKHU6gC78Q6AEIcDAM#v=onepage&q=coltrane%20wall%20of%20sound&f=false

Zitat aus S. 176 von Thomas Larsons Buch History and Tradition of Jazz :

Während Coltranes Aufenthalt bei (Miles) Davis von Dezember 1957 bis Mai 1960 wurde er zum Star. Inspiriert von einem spirituellen Erwachen, nachdem er seine Drogensucht aufgegeben hatte, wurde er in seinen Soli noch abenteuerlicher. Er begann, sich von den rhythmischen Grenzen der Musik zu befreien, indem er eine durchgehende Klangwand schuf, die der Kritiker Ira Gitler in einem Essay in Down Beat von Ende 1958 "Klangblätter" nannte .

Die erste Ausgabe von Larsons Buch wurde 2002 veröffentlicht. Unabhängig davon deutet es darauf hin, dass die ursprüngliche Bedeutung und Verwendung der Klangwand möglicherweise mit Coltranes Jazz begonnen hat und die Assoziation mit Spectors Orchestrierung als Klangwand nachgeahmt wurde.