Was ist der Sinn anderer Tonarten als C und Am?

Die Tonarten sind nur bei gleichschwebenden Instrumenten identisch, aber das sind die meisten modernen westlichen Instrumente wie Klaviere. Andere Blasinstrumente als die Posaune sind (meistens) gleich temperiert [EDIT: Ich vereinfache hier vielleicht zu sehr, siehe Davids Kommentar unten], aber die Spieler können die Tonhöhe etwas biegen. Die Posaune, alle Saiteninstrumente ohne Bund und Sänger haben mehr Kontrolle über kleine Variationen und müssen nur dann gleich temperiert sein, wenn sie mit anderen Instrumenten spielen, die nicht die Flexibilität haben.

Aber das ist ziemlich akademisch und theoretisch. In deinem zweiten Absatz hast du den Nagel auf den Kopf getroffen. Der Hauptzweck mehrerer Tonarten ist die Modulation innerhalb eines einzelnen Stücks, aber ja, einige Instrumente klingen besser oder sind in einigen Tonarten leichter zu spielen als in anderen. Jeder Sänger wird Tonarten haben, in denen er sich wohler fühlt und besser klingt. In der Regel klingen Orchesterstreichinstrumente viel größer und reicher an Tonarten wie D-Dur, A-Dur und in etwas geringerem Maße C -Dur und G-Dur. Dies liegt daran, dass die offenen Saiten dieser Instrumente Es, As, D, Gs und Cs sind, und alle diese offenen Saiten sympathisch mit den Noten schwingen, die in diesen Tonarten am häufigsten verwendet werden. Am anderen Ende des Spektrums neigen As- und Eb-Dur dazu, auf diesen Instrumenten etwas dumpf und durcheinander zu klingen.

Einige Tasten fallen leichter unter die Hände als andere auf dem Klavier. Nicht-Pianisten sind zum Beispiel oft überrascht zu sehen, dass F# und C#-Dur/Moll relativ übliche Tonarten für Sololiteratur sind, aber es macht Sinn, weil sich diese Tonarten unter den Fingern angenehm anfühlen – besonders wenn der Daumen nur spielen kann gelegentlich eine weiße Taste, während die anderen Finger größtenteils auf den schwarzen Tasten haften bleiben.

Ich bin sicher, dass andere Antworten über andere wichtige Überlegungen sprechen werden, aber das ist eine Stichprobe.

BEARBEITEN: Oh, und ich sollte hinzufügen, dass alle Instrumente eine niedrigstmögliche Note haben und die meisten entweder eine höchstmögliche oder zumindest eine höchstmögliche Tonbreite haben. Für Cello in B-Dur zu schreiben ist oft frustrierend, weil die tiefstmögliche Note ein C ist, ohne das Instrument zu verstimmen im Unterschied zu den Tonarten, in denen Sie sie spielen lassen können) in Db ist vielleicht nicht die beste Idee, da die niedrigste (klingende) Tonhöhe D natürlich ist. Usw.

Als jemand, der Musik schreibt, muss ich hinzufügen: Normalerweise kommen mir Ideen für Songs, indem ich auf einem Klavier improvisiere, bis ich auf eine Phrase komme, die mir wirklich gefällt. Vor langer Zeit, als ich mit dem Improvisieren anfing, hatte ich einige Ideen in bestimmten Tonarten (meistens basierend auf dem, was ich damals leicht spielen konnte), und im Laufe der Zeit wurden die Emotionen in diesen Songs für mich mit diesen Tonarten verbunden. Je mehr Songs ich schrieb, desto stärker wurden diese Assoziationen. Wenn ich heute ein wirklich trauriges Lied schreibe, ist meine erste Neigung, es in e- oder a-Moll zu schreiben; ein aggressives oder bedrohliches Lied, c- oder d-Moll; und ein jazziges oder optimistisches Lied in C- oder F-Dur.

Ich vermute, dass andere Komponisten durch die Musik, die sie selbst schreiben und analysieren, am Ende ähnliche Assoziationen entwickeln. Dies bedeutet sicherlich nicht, dass a-Moll von Natur aus trauriger oder c-Moll aggressiv ist. Es ist einfach einfacher für Komponisten, auf das zurückzugreifen, was sie gewohnt sind, und schadet nicht.

Ich musste einmal ein Album für eine (eher ungeschulte) Künstlerin arrangieren und aufnehmen, die ihre eigenen Songs schrieb, und sie waren alle in C. Nach zwei oder drei Songs in derselben Tonart verlieren die restlichen Songs viel von ihrer Kraft, weil das Ohr wird langweilig. Beim fünften Song will man einfach nichts mehr hören. (Zumindest ich nicht!)

Es hat einige Mühe gekostet, aber ich habe sie davon überzeugt, ein paar zu transponieren. Ich habe sorgfältig darauf geachtet, Songs auszuwählen, die tatsächlich von einer Transposition profitieren würden, indem ich ihre Stimme in ein effektiveres Register platziere.

Hier ist eine wirklich einfache Möglichkeit, über diese Frage nachzudenken.

Schreiben Sie ein Lied in der Tonart C. Transponieren Sie dieses Lied nun um 10 Oktaven nach oben. Es ist immer noch in der Tonart C, aber klingt es "emotional" gleich? Die Antwort ist nein (eigentlich werden Sie wahrscheinlich nichts außer einem lästigen hohen Heulen hören)

Offensichtlich sind die Unterschiede subtiler, aber das Bewegen einer Taste um 1 Halbton nach oben bewirkt physikalisch dasselbe wie das Bewegen um 10 Oktaven nach oben. Ihr erhöht die Schwingungsfrequenz von Schallwellen, nur in kleinerem Maßstab. Daher, ja, verschiedene Schlüssel können absolut unterschiedliche emotionale Auswirkungen haben

In Musik mit Gesang wird die Tonart oft so gewählt, dass sie sich an den Stimmumfang des Interpreten anpasst. Ich habe früher in einer Band mit einer Leadsängerin gespielt. Wenn wir Coverversionen von Songs spielten, die ursprünglich von einem männlichen Interpreten gesungen wurden, war es ihr oft zu leise. Die Stimmmelodie um eine Oktave höher zu stellen, wäre dann oft zu hoch, also transponierten wir das Lied um ein paar Halbtöne nach oben, bis sie das Gefühl hatte, es bequem in ihrem eigenen Stimmumfang singen zu können.

In der Musiktheorie haben Sie wahrscheinlich Recht - für westliche Musik ist es dieselbe Tonleiter, die nur um ein bestimmtes Intervall nach oben und unten transponiert wird. Die ganze Mathematik funktioniert noch so. . . warum ?

Wenn Sie es jedoch spielen, wird es deutlicher. So was :

• Auf einer Tastatur macht die Taste einen Unterschied zum Fingersatz der Akkorde/Melodie.

• Auf einer Gitarre lassen sich einige Tasten hervorragend spielen, da sie Ihnen den Vorteil offener Saiten bieten. Gitarristen neigen dazu, darauf basierende Melodien zu schreiben – zB „Voodoo Chile“ von Hendrix stützt sich stark auf eine offene E-Saite. Sie könnten es in anderen Tonarten spielen, aber es würde nicht gleich klingen. Andere Tonarten wie E♭ sind schwieriger – Sie können nicht viele leere Saiten verwenden und Sie befinden sich einen Halbton unter der tiefsten (traditionellen) Gitarrennote, sodass Sie nicht so leicht eine tiefe, weiche Note/einen tiefen Klang erzielen können.

• Sänger haben eine angenehme Reichweite, zum Beispiel gibt es in dieser Hinsicht einen großen Unterschied zwischen Männern und Frauen, oder einfach nur dem Stimmtyp. Nachdem sie mit vielen Leuten gejammt haben, müssen Männer, die Lieder singen, die ursprünglich von Frauen gesungen wurden, im Allgemeinen um ein paar Halbtöne oder mehr nach unten transponiert werden, und das Gegenteil gilt, aber auch einige Jungs/Mädchen können Noten erreichen, die andere nicht können.

• Einige Tasten schwingen mehr mit uns, weil wir als Menschen eine natürliche Resonanzfrequenz haben (für jeden unterschiedlich), aber es gibt die Vorstellung, dass niedrigere Frequenzen bestimmte Bereiche des Körpers beeinflussen, höhere Frequenzen andere ("fühlen Sie es in Ihrer Brust" vs. „Durchbohren“). Glastonbury ist voll von Büchern darüber, wie Musik die verschiedenen Körperbereiche beeinflusst. Ich wünschte, ich könnte es jetzt finden, aber ich kann es nicht – ich habe eine Website gefunden, auf der ein Stück Klaviermusik gespielt wurde, zuerst in C und dann als Vergleich in D. Obwohl ansonsten identisch, klang die D-Taste erhebender (wie auch das Argument der Seite). Dies ist wahrscheinlich sehr subjektiv, aber in diesem Fall haben die Kommentare unter dem Beitrag es bestätigt.

Obligatorisches Spinal Tap-Zitat: „D-Moll ist die traurigste aller Tonarten“. Ich hatte mal ein Zitat von Frank Zappa aus den frühen 70er Jahren, in dem er so etwas sagte wie "man muss d-Moll sehr mögen, um in unserer Band zu spielen".

Aber im Ernst ... Ich schreibe oft Songs in einfachen Tonarten, die ich auf der Gitarre oder dem Keyboard spielen kann, wie e-Moll oder a-Moll, aber wenn ich sie aufnehme, transponiere ich sie entsprechend der tiefsten und höchsten Tonlage, die ich singen kann. Außerdem haben die Akkordpositionen auf einer Gitarre einen großen Einfluss auf die Tonart: Es gibt bestimmte sehr schön klingende Akkorde auf einer Gitarre, die leicht zu spielen sind (wie E7/9), die in bestimmten Tonarten (D-Dur) gut und in bestimmten Tonarten schlecht klingen andere Tonarten (C-Dur).

Gehen wir die Frage etwas anders an. Welchen Zweck erfüllt eine Tonart ?

Allgemein gesagt – ganz allgemein und einfach gesagt – erwarten wir als Menschen, dass Lieder Bewegung haben, ausgedrückt durch Spannung und Auflösung. Auch Menschen, die musikalisch nicht geneigt sind oder sich selbst als "tontaub" bezeichnen, bleiben typischerweise hängen, wenn man eine Tonleiter vom Grundton bis zum Leitton spielt und sich dann weigert, die Oktave zu spielen (do re mi fa so la ti ... ...........???)

Wenn ich eine bestimmte Tonalität oder Tonart um den Grundton festlege, den ich für den Tag wähle, und einen V7-Akkord spiele, werden die meisten Zuhörer erwarten, dass der Song schließlich (und relativ schnell) zum I-Akkord zurückkehrt. Die volle Kadenz V7 -> I ist die treibende Kraft hinter vielen westlichen Musikstücken - so sehr, dass sie die Spieler dazu zwingt, sie zu verwenden, um für diese Bewegung aus der Tonart herauszutreten, um sich für andere Akkordwechsel zu zeigen.

Stellen Sie sich einen 12-taktigen Blues vor, der eine Reihe von b7-Akkorden verwendet. Wenn wir uns an Mrs. Oldfaces Musiktheorieunterricht von der High School halten, sollte dies beim Sehen eines Dominant-Septakkords eine riesige Flagge sein, dass man sich in einer Tonart befindet, die eine reine Quarte höher ist als der Grundton des Akkords (oder ah, ein Perfekt). Quinte nach unten , denke ich, je nachdem, wie Sie sich fühlen). Aber wenn wir zum Beispiel in C sind und das C7 verwenden, um das IV – F – vorherzusagen, nur um zum I zurückzukehren und dann zum echten V zu wechseln, das G ist – plötzlich wir Wir befinden uns im Land des Unsinns, was Granny Oldface betrifft. Dieses Dominant-Sept-Intervall hat in einer halben Kadenz nichts zu suchen – aber natürlich ist eine C7 -> F-Progression völlig normal, wenn wir in F-Dur sind. Mit anderen Worten, wenn Sie an der Idee festhalten, dass eine Tonart sie alle beherrschen sollte, werden die Musiktheorie-Freaks der Welt Sie nur dann davonkommen lassen, wenn Sie sich vom V zum I bewegen.

Hat sich das Lied also für 4 Takte auf F moduliert? Ist das ein nützlicher Ansatz, um das 12-Takt-Blues-Beispiel zu spielen, zu arrangieren oder zu improvisieren? Oder hat der Komponist/die Band/wer auch immer einfach aus der Vorstellung Kapital geschlagen, dass jeder Akkord mit einem Tritonus darin verwendet werden kann, um das Ohr des Zuhörers von dort, wo das Lied jetzt ist, dorthin zu „ziehen“, wo das Lied hingeht?

Jetzt laden Tritones viele tangentiale Diskussionen über andere Ideen wie Akkordsubstitution und das ein (die Spannung des BF-Intervalls löst sich genauso leicht in C auf wie in F #), und ich möchte nicht einfach überall herumlaufen. Aber wenn wir uns fragen, warum eine Tonart nicht besser oder schlechter ist als alle Tonarten, bedenken Sie für eine Sekunde, dass Tonartsignaturen genauso leicht verworfen wie eingehalten werden können, ohne dabei Kakophonie zu verursachen.

Das erklärt nicht, warum nicht jeder Song in C ist, da dies alles einfach in C passieren könnte und wir den Leuten einfach sagen könnten, dass sie abhauen sollen, wenn wir ein Bb in einem Song relativ zu C-Dur spielen. Aber es zeigt auf Umwegen, dass das Implizieren einer strengen Tonalität von "X-Dur" und seinem relativen Moll praktisch eine Regel ist, die gebrochen werden muss, gerade weil diese V7 -> I-Spannung und -Auflösung eine wirksame Methode ist, den Zuhörer darüber zu informieren Ihr nächster Schritt und als solcher, es für alle Ewigkeit nur auf G7 -> C anzuwenden, wäre unglücklich.

Es ist also nicht sehr schwer vorstellbar, auch wenn es an dieser Stelle nur etwas übertrieben ist, dass in einer imaginären Welt mit 12 Tönen, aber nur 1 Tonart, ein Spieler irgendwo die Kraft dieser Tritonusauflösung erkennen und sich sagen könnte , "Hunh. Ich kann ein I7 verwenden, um eine Bewegung zum IV-Akkord zu signalisieren, ich frage mich ... ich frage mich, wo ich sonst hingehen kann ..."

Tastennamen sind eigentlich nur eine Möglichkeit, Standardtöne für typische gleichschwebende Instrumente zu definieren. Manchmal, wenn ich auf der Gitarre komponiere, wähle ich einfach eine Tonart aus, basierend darauf, wie einfach ich eine Bewegung in dieser Tonart spielen kann. Ich habe von einem Künstler gehört, der versucht hat, das Klangspektrum mit dem Lichtspektrum in Beziehung zu setzen, indem er Klang mit Farben in Beziehung setzt. Wie "Mozart" feststellte, verändert die Tonhöhe die Emotionen. Wenn Sie zu atonal übergehen, klingen typischerweise höhere Tonlagen "angespannter" und die tieferen Tonlagen entspannter, Sie können leicht damit experimentieren, indem Sie die Ganztonskala verwenden, die im Grunde die Art und Weise ist, wie die meiste Musik für Zeichentrickfilme und einige populäre Shows komponiert wurde (star Trek), nämlich Scifi.

So wie ich die Dinge gerne sehe, sind C3 und C4 nicht derselbe Klang, sie sind jedoch derselbe KEY. Wenn Sie sich das Spektrum ansehen, werden Sie feststellen, dass C3 (~ 130 Hz) halb so groß ist wie C4 (~ 260 Hz) und C5 doppelt so hoch ist wie C4. Wenn viele Komponisten Musik betrachten, sehen sie nur 2 Dimensionen im Kreis der Quinten, aber wenn ich den Kreis der Quinten betrachte, sehe ich eher eine Spirale von Quinten, wo sich dieselbe Note einer höheren oder niedrigeren Oktave mit ihrem Gegenstück schneidet ( Oktave) entlang der 3. Dimension, anstatt einen Kreis zu schließen.

Die Tonhöhe ist wichtig, und es ist oft ein verlorenes Konzept in der diatonischen Theorie, weil die diatonische Theorie wirklich alles über die Tonhöhe erklärt. Es erklärt vielmehr die Anordnung von Noten und wie sie sich in einer Reihe (Melodie) oder in einer Instanz (Harmonie) beziehen, basierend auf dem Schnittpunkt der Kelps und Täler gegebener Wellen und der Modulationsfrequenz der kombinierten Welle. Wenn Sie sich jedoch mit atonalen Theorien befassen, werden Sie etwas Licht auf das Thema stoßen, und wenn Sie mutig genug sind, sich mit „The Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization“ zu befassen, um besser zu erklären, wie sich Tonarten unterscheiden und warum Noten sind. t notwendigerweise symmetrisch innerhalb der diatonischen Theorie.

Was für eine interessante Frage!

Der Hauptgrund ist, wie schon oft erwähnt wurde, dass Komponisten in andere Tonarten modulieren wollen. Ein Stück kann schrecklich langweilig werden, wenn es nur in C-Dur steht. Beispielsweise ist es sehr üblich, dass ein Stück in C-Dur in G-Dur (die Dominante), F-Dur (die Subdominante) oder a-Moll (die relative Moll-Tonart) moduliert wird, da diese Tonarten alle eng mit dem Original verwandt sind.

Es gibt jedoch noch andere Gründe. Vor ein paar hundert Jahren dachte man, dass bestimmte Schlüssel verschiedene Bedeutungen haben (manchmal widersprüchlich). Zum Beispiel war C-Dur „rein“ oder die „Tonart des Lebens“. Und ich muss gestehen, dass ich als Komponist dazu neige, unterschiedliche Emotionen mit unterschiedlichen Tonarten zu verbinden, obwohl ich sicher bin, dass dies größtenteils nur meiner Einbildung entspricht. Ich denke an E-Dur als sehr lebhaft und fröhlich, manchmal sogar albern; e-Moll als schelmisch; C-Dur als unschuldig und feierlich; b-Moll als sehr dunkel, bedrohlich oder grüblerisch; und so weiter.

Drittens gibt es bestimmte Tonarten, die häufiger für bestimmte Musikarten verwendet werden. Dies liegt wahrscheinlich an den Instrumenten, die diese Art von Musik normalerweise spielen. Viele populäre Musik ist in E, A, D, B oder gelegentlich in G geschrieben, da dies die einfachsten Tonarten für Gitarristen sind, in denen Gitarristen mit Standard-E-Stimmung ohne Kapodaster spielen können. Viel Cellomusik ist in C, G oder D geschrieben, weil es einfacher ist, Akkorde mit offenen Saiten darin zu spielen, und die Saiten auf einem Cello auf C, G, D und A gestimmt sind. Viele Märsche und andere Arten von Militärmusik ist in Es- und B-Dur, weil sie viele Blechblasinstrumente verwendet. Trompeten und Tuben haben normalerweise eine offene Tonhöhe von B ohne gedrückte Ventile, daher ist es etwas einfacher, in dieser Tonart zu spielen. (Eigentlich sind Trompeten in C heutzutage auch sehr verbreitet.) Ich werde feststellen, dass Märsche und Trompetenmusik vor 200-300 Jahren oft in D-Dur geschrieben wurden. Das liegt daran, dass die Trompete in D sehr verbreitet war und zu diesem Zeitpunkt noch keine Ventile hatte, sodass sie nur das D spielen konnteharmonische Folge .

Klingt eine in C-Dur geschriebene Komposition emotional anders als eine in D-Dur geschriebene Komposition (abgesehen von einer leichten Verschiebung der Tonhöhe)? Auf jedem echten Instrument, das aus echtem physischem Material wie Holz und Metall und Saiten besteht, ja, das tut es absolut.

Jedes echte physische Instrument hat eine ganze Reihe von subtilen und nicht so subtilen Resonanzen bei mehr oder weniger festen Tonhöhen, die sehr wenig von seiner Stimmung abhängen, und diese interagieren mit den Obertönen der gespielten Noten auf eine Weise, die macht die Klangfarbe jeder Note merklich tonhöhenabhängig. Aus diesem Grund klingt ein gutes elektronisches Klavier, das auf sorgfältig simulierter Schwingungsphysik basiert, wie ein Klavier, während ein beschissenes, das auf verzerrten Samples eines echten Klaviers basiert, irgendwie seltsam und verzerrt und schrecklich klingt.

Ähnliche Effekte treten aus ähnlichen Gründen auf, wenn Sie auch die Resonanzen im eigenen Körper und in den Ohren und im auditiven Gehirn des Zuhörers berücksichtigen. Wir sind nicht alle mit perfekten Referenzmikrofonen von Bruel & Kjaer ausgestattet, und diese Unterschiede machen Unterschiede.

Amateursänger scheinen gerne in Tonarten um G herum zu singen. Wenn man sich Gesangbücher ansieht, sind sie oft in Tonarten wie F, Gb, G, Ab und A. Sie sind selten in C. Ich denke, dass professionelle oder ausgebildete Sänger sich genug entwickelt haben Bereich, der ihnen meistens egal ist, aber die Art von Menschen, die Sie an einem Sonntagmorgen in der Kirche finden, sind möglicherweise nicht in der Lage, hohe oder tiefe Töne zu singen.

Ich spiele für einige Morris-Tanzveranstaltungen. Einige der Melodien sind in D und haben Worte, die die Tänzer singen, bevor sie tanzen. (Ich denke an The Fox aus Ducklington oder Bonny Green Garters aus Bampton, wenn Sie wissen, was das bedeutet.) Wenn ich die Melodien in D spiele, um sie anzufangen, können sie nicht singen, weil sie zu hoch sind. Also spiele ich sie in G oder A, und wenn der Tanz beginnt und der Gesang endet, wechsle ich zu D. Niemand außer mir weiß es, weil ich Johnny Cash bin. Außerdem sind die Tänzer im Allgemeinen zu betrunken, um zu bemerken, dass sich die Tonart geändert hat, und das Publikum ist zu erstaunt, dass betrunkene Menschen stehen können, ohne umzufallen. Das ist alles was ich weiß.

1. Mit nur einem Schlüssel würden wir durchdrehen.
2. Ein Stück bleibt selten in einer Tonart.
3. Zum Spannen werden unterschiedliche Schlüssel benötigt.
4. Unterschiedliche Tonarten sind für unterschiedliche Instrumente einfacher.
5. Am wichtigsten ist, dass Schlüssel affektive Eigenschaften aufweisen. Lesen Sie dieses (Buch: A History of Key Characteristics in the 18th and Early 19th Centuries und diese Website hier: Characteristics of Musical Keys .

Es gibt auch gewisse Verbindungen zu verschiedenen Tonarten - und verschiedene Komponisten schreiben gerne in verschiedenen Tonarten. Brahms zum Beispiel liebte Tonarten mit vielen Kreuzen oder Bs (Cis oder Ges). Einige Komponisten haben dies mit großer Wirkung genutzt, Sibelius' 7. Sinfonie – in C-Dur – ist eine ironische Wahl, scheinbare Einfachheit verbirgt einen großen Reichtum an Komplexität.

Der Punkt über die Tonarten der Instrumente ist gut gemacht - und besonders wichtig beim Schreiben von Songs, da die Bandbreite der verschiedenen Stimmen das Singen verschiedener Tonarten besonders leicht oder schwer machen kann. Das Schreiben in den extremen Bereichen von Instrumenten und Stimmen kann aufregend und angespannt sein, und die Auswahl der richtigen Tonart kann dabei helfen.

Klaviere und (andere Instrumente) sind nicht "perfekt" gestimmt. Beginnend mit einer Note (z. B. mittleres C) können Sie die Frequenz für eine Oktave höher finden, indem Sie die Frequenz verdoppeln. Die Frequenzen der anderen Töne in der Skala finden Sie durch weitere Berechnungen.

Der Punkt ist jedoch, dass, wenn Sie dann mit einer anderen Note beginnen und versuchen, die Tonleiter zu konstruieren (beginnend mit dieser Grundnote), die Positionen/Frequenzen der anderen Noten in der Tonleiter geringfügig von den Frequenzwerten abweichen, die Sie für die berechnet haben C-Dur Tonleiter.

Wenn Sie ein Klavier nach diesen Prinzipien bauen würden, das perfekt auf C-Dur gestimmt wäre (mit Just Tuning ), würde es beim Spielen von Tonleitern in anderen Tonarten ein bisschen "schief" klingen.

Die moderne Stimmung von Klavieren (und anderen Instrumenten) basiert auf einem Kompromiss, der alle Tasten vernünftig klingen lässt – aber es gibt mikroskopisch kleine Unterschiede in den Intervallen für die verschiedenen Tasten – was zu einem leicht unterschiedlichen „Gefühl“ für jede Taste führt.

Wenn der Song gitarrenorientiert ist, bestimmt die Tonart, vorausgesetzt, Sie möchten keinen Kapodaster verwenden, den Geschmack der Akkorde, da auf einer Gitarre verschiedene Akkorde unterschiedliche offene Saiten und unterschiedliche Kombinationen von Noten von tief bis hoch verwenden. Aber die wirkliche Antwort auf Ihre Frage ist entweder 1) die Wahl einer bequemen Tonart zum Singen, 2) das Schaffen des (für Sie) angenehmsten Ambientes für die Gitarre. Aber um eine lange Antwort kurz zu machen, Sie wählen eine Tonart, weil sie für Sie einfach gut klingt, und das ist das einzige Kriterium, das Sie brauchen. Ich würde nur hinzufügen, dass bei der Gitarre auch alternative Stimmungen möglich sind und Spaß machen können, sie zu erkunden. Wenn Sie beispielsweise in Eb spielen und dennoch den vollen tiefen Grundton erhalten möchten, können Sie die gesamte Gitarre standardmäßig einen Halbton tiefer stimmen, wie es Stevie Ray Vaughn bekanntermaßen tat. Drop-D, die tiefe E-Saite einen ganzen Schritt nach unten stimmen, wird sehr häufig verwendet, um einen tiefen Grundton in der Tonart D bereitzustellen. Beispiele hierfür sind „Dear Prudence“ von den Beatles, „The Chain“ von Fleetwood Mac und „Ohio“ von Neil Young. Es gibt auch offene Stimmungen, G und E sind wohl die gebräuchlichsten. Und dann ist da noch DADGAD, eine ganz andere Welt, aber es macht Spaß, sie zu erkunden. Dies ist in erster Linie eine akustische Folk-Stimmung, wurde aber bei dem Led Zeppelin-Song „Kashmir“ mit E-Gitarre verwendet. Es gibt auch EBDGAD. Diese Stimmung wurde für die Songs „Deja Vu“ von CSNY und „Sex Kills“ von Joni Mitchell verwendet. G und E sind wahrscheinlich die häufigsten. Und dann ist da noch DADGAD, eine ganz andere Welt, aber es macht Spaß, sie zu erkunden. Dies ist in erster Linie eine akustische Folk-Stimmung, wurde aber bei dem Led Zeppelin-Song „Kashmir“ mit E-Gitarre verwendet. Es gibt auch EBDGAD. Diese Stimmung wurde für die Songs „Deja Vu“ von CSNY und „Sex Kills“ von Joni Mitchell verwendet. G und E sind wahrscheinlich die häufigsten. Und dann ist da noch DADGAD, eine ganz andere Welt, aber es macht Spaß, sie zu erkunden. Dies ist in erster Linie eine akustische Folk-Stimmung, wurde aber bei dem Led Zeppelin-Song „Kashmir“ mit E-Gitarre verwendet. Es gibt auch EBDGAD. Diese Stimmung wurde für die Songs „Deja Vu“ von CSNY und „Sex Kills“ von Joni Mitchell verwendet.

Vielleicht etwas nebensächlich, aber eine Idee, um zu versuchen, die Frage zu beantworten. Versuchen Sie, eine bekannte erste Zeile aus einem Lied zu singen. Nehmen Sie es auf und vergleichen Sie seine Tonart mit bekannter Tonhöhe. Notieren Sie es (sic). Wiederholen Sie es täglich, ohne Bezug zu anderen musikalischen Klängen. Notieren Sie sich jede Taste. Wetten, dass es nicht jedes Mal gleich ist! Versuchen Sie es erneut, nachdem Sie eine andere Melodie gehört haben. Wetten, dass Sie in der gleichen Tonart wie das letzte Lied singen!

Die meisten Menschen, sogar Sänger, werden ein Lied, das sie singen können, nicht jedes Mal in der gleichen Tonart aufschlagen, es sei denn- a. sie haben einen Bezugspunkt, oder b. sie haben absolutes Gehör. Abgesehen von all dem könnten nicht viele Leute eine bestimmte Melodie nur in Cmaj spielen/singen. oder Amin. aus allen oben genannten Gründen.

Was ist der Sinn anderer Tonarten als C und Am?

Die Antwort sollte offensichtlich sein: andere Töne zu hören als C D E F G A B.

Etwas subtiler ist der Punkt, andere tonale Zentren als Cund zu hören A.

Noch subtiler ist das Gefühl kontrastierender Tonalitäten. CDur und AMoll würden nur einen Kontrast zum relativen Moll ermöglichen, das ein bestimmtes Gefühl hat. Im Gegensatz Czu Goder Cmit DMoll und so weiter fühlt sich jeder anders an. Sie könnten diese unterschiedlichen Haptiken nicht mit nur zwei Tasten erreichen.

Viele Analogien könnten zu anderen Sinnen als Geräuschen gemacht werden. Was bringt es einem Künstler, Farbe zu verwenden, er könnte einfach Schwarzweiß oder Monochrom verwenden? Ein Künstler könnte das tun - manchmal tun sie das - aber sie beschränken sich nicht auf die gesamte bildende Kunst!

Die verschiedenen Dur/Moll-Tonarten sind in der Musik nicht überflüssiger, als es ein roter oder blauer Kreis in der bildenden Kunst überflüssig wäre. Formale Ähnlichkeiten machen Dinge nicht überflüssig. Formale Ähnlichkeiten machen Dinge verwandt und diese Beziehungen sind einige der wichtigsten Faktoren in der Wahrnehmung von Kunst.

Die meisten Leute finden Dur-Tonarten fröhlicher als Moll-Tonarten, aber darüber hinaus hängt es wirklich davon ab, wen man fragt. Beethoven glaubte, dass es sehr spezifische Korrelationen zwischen Stimmungen und Tonarten gab (insbesondere wurde viel aus seinen c-Moll-Kompositionen gemacht; siehe dies für eine Zusammenfassung), und während der gesamten Romantik wurde viel über die Idee geschrieben (mit wenig Konsistenz vom Autor zum Autor).

Hier ist eine Sammlung von schriftlichem Material aus dem 19. Jahrhundert zu diesem Thema. Und hier ist ein zeitgenössischer Blogger, der sich darüber Gedanken gemacht hat und den Sie vielleicht interessant finden könnten.

Ja, es macht einen erheblichen Unterschied. Das Verschieben der Tonart verändert die Klangfarbe und die intrinsische Harmonie eines Musikstücks, selbst bei gleichschwebender Stimmung. Es gibt drei Effekte:

• Über Formanten hinweg verschobene Obertöne: Formanten sind Resonanzen in jedem Ton, die bestimmte Obertöne verstärken. Das Transponieren eines Stückes um nur wenige Halbtöne verändert die dominanten Obertöne und damit die Harmonie der Obertöne untereinander komplett. Stellen Sie sich vor, der Text eines Songs wurde so geschrieben, dass die 6. Harmonische durch den 2. Formanten verstärkt wird, wodurch ein schöner, klarer Akkord mit den übrigen Instrumenten entsteht. Wenn Sie das Stück nur um zwei Halbtöne nach unten transponieren, würde sich die Resonanz auf den 7. Oberton verschieben, was einen völlig anderen Akkord erzeugt und möglicherweise überhaupt nicht in den Kontext der Musik passt.
• Formanten selbst verschieben und verändern sich: Sie können leicht feststellen, dass die gleiche Note auf einer Gitarre unterschiedlich klingt, je nachdem, wo Sie sie spielen. Ebenso verändert das Transponieren eines Musikstücks den Klangcharakter, da die Klangfarbe eines Instruments bis zu einem gewissen Grad von der Tonhöhe abhängt. Beachten Sie nur, wie sich die Qualität der Stimme eines Sängers innerhalb einer Oktave ändert.
• Tonhöhenänderung: Es ist nicht wahr, dass die absolute Tonhöhe erforderlich ist, um die Wirkung der Tonhöhe zu hören. Wenn dies der Fall wäre, wären normale Menschen nicht in der Lage, verschiedene Vokale oder hohe und tiefe Töne zu unterscheiden. Wir sind einfach nicht in der Lage, kleine Unterschiede wie ein oder zwei Halbtöne zu unterscheiden und uns zu merken. Verschieben Sie das gesamte Frequenzspektrum eines Stücks um eine halbe Oktave und Sie werden einen großen Unterschied hören.

Es gibt viele interessante Antworten, die verschiedene Aspekte der Tonartänderung erwähnen. Ich möchte mich nur auf den Klang konzentrieren, oder speziell auf die spektrale Abdeckung.

Wie andere bereits erwähnt haben, klingen viele Instrumente in verschiedenen Registern unterschiedlich. Lassen Sie mich den Anwalt des Teufels spielen und diese Behauptung angreifen.

Man könnte sich ein elektronisches Instrument (z. B. Synthesizer) besorgen, das in jeder Lage gleich klingt (siehe z. B. Shephard-Töne), oder wir können den Klang einiger Instrumente verändern, z. B. durch Änderung der Artikulation oder durch Verwendung eines elektronischen Effekts. Das Transponieren nach oben oder unten verändert den Klang, weil wir höhere oder niedrigere Tonfrequenzen verwenden. Bis zu einem gewissen Grad kann man versuchen, dies zu kompensieren. Wenn man zB nach unten transponiert, kann man einen helleren Klang wählen, um einen ähnlichen Bereich des Frequenzspektrums abzudecken.

Bitte beachten Sie, dass dies bei einigen Instrumenten völlig unmöglich ist, z. B. bei einem akustischen Klavier, das nicht durch elektronische Effekte moduliert wird. Noch mehr funktioniert es nicht so gut für die niedrigen Frequenzen, die vom ganzen Körper wahrgenommen werden, anstatt nur von den Ohren gehört zu werden.

Zum Beispiel verlassen sich viele elektronische Musikstile stark auf die Basslinie, und das Verschieben dieser Noten um nur einige Halbtöne nach oben oder unten kann ihre Wahrnehmung dramatisch verändern. Ein anderes Beispiel sind viele Rockgitarristen, die ihre Gitarren tiefer stimmen, weil es keine andere Möglichkeit gibt, einen ähnlichen Sound mit Standardstimmung zu erreichen. Verschiedene Rock- und Metal-Bands wählen verschiedene Möglichkeiten, die Bassgitarrenlinien so zu arrangieren, dass sie mit tief gestimmten Gitarren gut klingen.

Der Klang der tiefen Lagen ist daher (noch ein weiterer) Aspekt, der bei der Wahl der Tonart zu berücksichtigen ist. Das Ändern der Tonart erfordert möglicherweise eine vollständige Neuanordnung der Basslinie, wenn sie aus dem Register herausgeht, in dem sie angemessen klingt.

Ein anderes, humorvolleres Beispiel: Nach all dem Obigen mag es nicht überraschen, dass manche westliche Popmelodie tatsächlich in derselben Tonart geschrieben wurde und anscheinend nur vier verschiedene Akkorde verwendet, vgl. https://www.youtube.com/watch?v=oOlDewpCfZQ . Einige mögen so langweilig oder entsetzlich sein, dass dies der Fall ist.

Aber es gibt neben der westlichen eine Vielzahl von Musikkulturen auf der Erde, und diese haben unterschiedliche Vorstellungen von Tonalität und werden daher für Zuhörer und Künstler sehr unterschiedliche Erfahrungen und dergleichen bieten. Zusätzlich zu dem, was in den anderen Antworten gesagt wurde, könnten diese Ihnen viele "Punkte anderer Tasten als C und Am" liefern.

Mit den weißen Noten können Sie eine C-Dur-Tonleiter, eine natürliche A-Moll-Tonleiter und alle anderen Weißton-Modi spielen. Zugegeben, es gibt viele Melodien, die nur mit den weißen Noten gespielt und harmonisiert werden können.

Aber es gibt auch eine ganze Menge Melodien, die nicht nur auf weißen Noten gespielt werden können, egal wie Sie sie transponieren.

Also ja, Sie brauchen mehr als C-Dur und a-Moll.

Ich denke, Bücher über Musiktheorie können den Eindruck erwecken, dass es nur Dur-Tonleitern und Moll-Tonleitern gibt, und vergessen, dass es noch viel mehr gibt - verminderte Tonleitern, Chromatik, Ganzton, modale Tonleitern usw. usw.

Der Schlüssel ist eine Sache, dann haben Sie verschiedene Skalen. Bestimmte Musikgenres werden in bestimmten Tonleitern gespielt. Sie können Blues in a-Moll, d-Moll oder einer beliebigen Tonart spielen, aber es klingt nicht wie Blues, wenn Sie einer bestimmten Tonleiter nicht folgen. Zum Beispiel haben Sie diatonische Blues-Harfen in verschiedenen Tonarten und chromatische Harfen, mit denen Sie in allen gewünschten Tonarten und Tonleitern spielen können. Der erste wird normalerweise in der Bluesmusik verwendet, der zweite eher für klassische Musik.

Das ist meine Sichtweise und meine eigene Erfahrung ... aber Musik in C-Dur klingt für mich wie Schlaflieder für Kinder oder Kinderlieder, a-Moll klingt ein bisschen sanft, d-Moll klingt irgendwie traurig, c-Moll klingt für mich ein bisschen fröhlicher Beispiel. Wenn Sie nur auf den schwarzen Tasten spielen, klingt es wie asiatische Musik.

Außerdem, wenn Musik nur auf 2 Tasten beschränkt wäre... würde sie all ihre Kreativität verlieren. Nach einer Weile würde alles gleich klingen.

Ich möchte vorschlagen, dass es drei Quellen dieser sogenannten „Schlüsselsymbolik“ gibt:

1. Die eigentlichen Tonhöhenunterschiede, zB nehmen wir den reichen Des-Dur-Dreiklang, der ein romantisches Klavierstück wie Chopins „Fantaisie-Impromptu“ beendet, und transponieren ihn um eine große Terz nach oben oder unten, wobei zu beachten ist, wie „matschig“ er in A ist und wie "flach" ist es in F.

2. Konventionen und Assoziationen im Kopf des Komponisten, die oft von den wichtigsten Vorlieben bestimmter Instrumente herrühren, z.

3. Das Verhältnis des Tons zur gedruckten Note. Ich habe es noch nie gehört, aber es scheint plausibel, dass einige Leute beim Anhören einer musikalischen Darbietung beim Betrachten der Partitur feststellen, dass in E-Dur viele der Noten aus unseren Erwartungen für diese Linie "springen". oder Raum auf der Notenzeile, und umgekehrt werden in Es-Dur viele Noten von der erwarteten Tonhöhe nach unten "gedrückt".

Ich kann nur für mein eigenes Instrument sprechen, aber ich glaube nicht, dass dies nur auf die Gitarre zutrifft. Es gibt definitiv auch einige praktische Überlegungen, die spezifisch für Instrumente sind, wenn es um Tonarten geht.

Zum Beispiel ist Klaviermusik in Bezug auf die Tonart relativ offen, aber für Gitarre möchten Sie immer zu den natürlichen Gitarrentasten (E, A und D) gehen.

Das Spielen von Gitarrenmusik in C wird schwierig sein, da c-Moll ein Eb hat und die Standardstimmung der Gitarre E-Naturtöne hat. Sie können natürlich Ihre gesamte Gitarre einen halben Schritt tiefer stimmen, um das Eb in den offenen Saiten zu erhalten, aber wenn Sie an diesen Punkt gelangen, würde ich denken, dass es viel einfacher wäre, einfach Ihr Spiel auf E zu transponieren und den Stimmstandard beizubehalten.

Ich denke auch, dass für Gesangsmusik eine Tonart mit vielen Kreuzen oder Bs die Dinge für die Sänger sehr schwierig machen wird. Sie haben keine einfachen Möglichkeiten, die Intonation richtig hinzubekommen, also wäre es gut, es ihnen weniger schwer zu machen, nur eine einfache Tonart zu wählen.

Ein Grund, der mit den vorhandenen Antworten hier nicht (stark genug) hervorgehoben zu werden scheint:

Einige Tonarten sind tatsächlich viel einfacher für neue Lernende eines Instruments zu lernen und zu spielen als andere, einfach wegen ihres Satzes von Noten, insbesondere von Notennamen, die verwendet werden. Klavierschüler lernen stereotyperweise zuerst die weißen Noten, daher ist ihre leichte Musik überwiegend in C-Dur (a-Moll ist weniger überzeugend, wenn Sie noch nicht gelernt haben, G♯ zu lesen oder zu spielen). Schüler von Blasorchestern haben einen ausreichend hohen Prozentsatz an B♭-transponierenden Instrumenten (z. B. Trompete, Klarinette, Tenorsaxophon, Bassklarinette), die alle noch zuerst weiße Noten lernen, sodass einfache Blasorchestermusik typischerweise in B-Dur oder g-Moll konzertiert iststattdessen. (Ich habe das herausgefunden, indem ich wiederholt Konzertbandmusik der Klassen 0,5 bis 1,5 gehört habe. Ihre Häufigkeit, mit der sie diese beiden Tasten verwenden, ist schmerzhaft, aber gerechtfertigt hoch.)

Zwei verschiedene Traditionen, die leichte Musik für Unterrichts- und Übungszwecke verwenden müssen, und schon müssen wir uns in andere Tonarten als C-Dur und a-Moll verzweigen.

Ich räume dies auf, um eine Zusammenfassung dessen zu sein, was ich wirklich denke, nachdem ich darüber nachgedacht, auf meiner Tastatur herumgespielt usw. habe; Die Grundbotschaft ist die gleiche.

• Tonarten, die aus einzelnen Buchstaben bestehende Namen wie „A“ und „D“ und Kreuze in ihren Tonartsignaturen haben, klingen hell, optimistisch usw.

• Tonarten mit Bs in ihrer Tonartvorzeichnung klingen dumpf, nostalgisch, düster usw.; Zu diesen Tonarten gehören F und alle Tonarten mit Bs im Namen (Bb, Eb usw.).

• Die Tasten mit Namen wie Bb, Eb usw. haben auch scharfe Namen (A#, D# usw.), aber das ändert nichts an der Tatsache, dass die Taste, wie auch immer sie heißt, grundsätzlich einen flachen Klang hat. Aus diesem Grund werden traditionell die flachen Tastennamen verwendet, zB lernen Musikstudenten früh Bb, wobei A# allenfalls später auftritt.

Ich glaube, dies ist wahrscheinlich erklärbar in Bezug auf die durchschnittliche Frequenz aller Noten, die in einem typischen Song in der Tonart gespielt werden, wenn Sie Oktavunterschiede entfernen (z. B. werden alle As zu 440 Hz).

Es gibt gerade einen Microsoft-Werbespot im Fernsehen, der dies veranschaulicht. Es nimmt das Lied "Perfect Day" von Lou Reed und transponiert es von a-Moll/C-Dur nach F. Das Ergebnis ist einfach lächerlich flach ... Ich wusste in dem Moment, als ich es hörte, dass das Lied in eine flache Tonart transponiert worden war. Es überrascht mich, dass jemand so argumentieren würde.

Bearbeiten: Ich habe mir Musik angehört und eine andere gehört, die in einer wirklich flachen Tonart ist: "Weak" von SWV. Dies ist in Es-Dur (c-Moll). Sobald ich es hörte, konnte ich die Flachheit hören, also googelte ich es.