Singen, was du spielst vs. spielen, was du singst

Ich weiß genau, was du meinst, und erinnere mich, dass ich selbst das gleiche Problem hatte. Ich habe es in einer Unterrichtsstunde mit David Berkman besprochen und hier ist der Rat, den er mir gegeben hat. Dies funktioniert nur für Pianisten, aber ich werde auch ein paar andere Techniken beschreiben.

Wenn Sie auf dem Klavier improvisieren, spielen Sie die Linien mit beiden Händen. Spielen Sie die Form durch und improvisieren Sie so, dass Ihre rechte Hand die linke Hand „führt“. Wenn Sie Linien erstellen, lassen Sie sie von Ihrer rechten Hand fließen. Wechseln Sie dann das zweite Mal durch das Formular. Lassen Sie Ihre linke Hand die rechte Hand „führen“. Denken Sie beim Erstellen von Linien an Ihre linke Hand und wo sie sich bewegt, und lassen Sie die linke Hand die rechte Hand führen. Das mag seltsam oder willkürlich erscheinen, aber es gibt einen objektiven Maßstab dafür, ob wir es richtig machen. Für die meisten Pianisten ist die rechte Hand beim Improvisieren stärker als die linke Hand. Infolgedessen gab es Fälle, in denen meine linke Hand nicht mithalten konnte und die Linie verfehlte, wenn meine rechte Hand „führend“ war. Aber als ich wechselte und Linien mit meiner linken Hand erstellte, Ich hatte selten das gegenteilige Problem, wo meine rechte Hand nicht mithalten konnte. Dies ist ein guter Maßstab: Wenn ich wirklich die linke Hand den Schöpfer sein lasse, dann gibt es weit weniger Fälle, in denen die linke Hand Mühe hat, Schritt zu halten.

Auf der Gitarre oder einem anderen Instrument können Sie etwas ausprobieren, was Jamey Aebersold mir einmal gesagt hat. Übe ein Solo zu singen , ohne auf deinem Instrument mitzuspielen. Nachdem Sie ein Lick gesungen oder 8 Takte gesungen haben, gehen Sie zurück und replizieren Sie es auf Ihrem Instrument. Dadurch wird die Verbindung zwischen Stimme und Finger unterbrochen. Als ich diese Technik anwandte, sang ich nicht einfach das, was meine Finger bereits kannten, denn meine Finger bewegten sich nicht.

Aber zusätzlich zu diesen Techniken, die hilfreich sein können, wurde mir klar, dass es ein tieferes Problem gab, das das von Ihnen beschriebene Problem verursachte. Meine Finger hatten sich so an bestimmte Bewegungen (Licks, Muster usw.) gewöhnt, dass mein Gehirn den Autopiloten einschaltete und einfach mitmachte. Ich spielte immer wieder dieselben Licks und sang einfach diese Licks, die so eintönig geworden waren. Es stellte sich heraus, dass dies ein Problem des Ungleichgewichts war. Das Problem verschwand, als ich begann, systematisch neue Bebop-Köpfe in allen 12 Tonarten in verschiedenen Tempi zu lernen. Indem ich ständig neues Material übte und mich immer auf alle 12 Tasten konzentrierte (auch auf die, wo ich viel schwächer war), gewannen meine Finger an Flexibilität und Freiheit. Früher waren diese Licks so fest in meinem Muskelgedächtnis verankert, weil sie so viel einfacher zu spielen waren. Aber mit dieser Praxis verloren diese Licks diesen besonderen Status.geübte Licks, wie es war, neue Licks zu spielen, die mir auf der Stelle einfallen könnten. Es fühlte sich an, als wäre ich aus dem Trott meines begrenzten Muskelgedächtnisses herausgekommen, indem ich die Bereiche gestärkt habe, in denen ich schwächer war.

Ich kann diese Routine auf jeden Fall empfehlen. Ich würde ein neues Bebop-Fell wählen, sehr langsam anfangen ( zB Viertelnote = 70 BPM), das Fell in allen 12 Tonarten spielen, die Steigerung um 2-3 BPM, alle 12 Tasten noch einmal durchlaufen und weitermachen, bis ich ~ erreicht habe 220 BPM.

Ich verstehe, was Sie sagen, aber ich bin mir nicht sicher, ob ich der Prämisse vollständig zustimme.

Anscheinend gehen Sie davon aus, dass jeder von Natur aus Melodien im Kopf hat, die aus dem Nichts kommen. Aber diese Melodien entstehen meistens, wenn man Musik hört, musikalische Muster wie Tonleitern, Arpeggios, Intervalle lernt und dann die Verbindungen zwischen den beiden herstellt, ob bewusst oder unbewusst. Und die Musik, von der Sie sich inspirieren lassen, wurde auf die gleiche Weise gemacht: basierend auf Mustern und der Musik, die davor kam. Beim Spielen von Tonleitern und anderen Mustern geht es also darum, diese Musikalität in Ihren Kopf zu bohren, bis Sie sie nutzen können.

Ich unterstütze es zwar voll und ganz, aber ich denke, der Vorteil des Singens, Sagens oder sogar Denkens bei dem, was Sie spielen, besteht darin, Verbindungen herzustellen. Ihre Finger lernen das Muskelgedächtnis, Ihr Gehirn lernt die Theorie – die Noten-/Gradnamen, falls Sie das tatsächlich singen – und Ihre Ohren lernen, wie das klingt. Und am wichtigsten ist, dass Sie die Verbindungen zwischen diesen herstellen, damit Sie, wenn Sie eine Idee im Kopf haben , sie leichter in den richtigen musikalischen Kontext oder Fingersatz (oder umgekehrt) übersetzen können.

Es hört sich so an, als hätten Sie vielleicht ein anderes Problem, das ziemlich häufig vorkommt. Dein Spiel klingt zu schuppenhaft? Die Dinge klingen eher wie eine Übung als wie Musik? Wenn ja, hier sind einige Vorschläge:

• Spielen Sie das Muster/die Tonleiter nicht einfach auf und ab. Versuchen Sie zunächst, standardmäßig absteigend statt aufsteigend zu spielen.
• Spielen Sie sie in unterschiedlichen Intervallen, zum Beispiel Terz, Quart, Quint, Sechstel usw. (oder verschiedene Umkehrungen bei Arpeggios)
• Fügen Sie Verzierungen wie Appogiaturen, Gehäuse, Chromatik usw. hinzu
• Spielen Sie die Muster nicht nur von Anfang bis Ende, sondern mischen Sie sie auch. Spielen Sie ein paar Noten in Skalarweise, verwenden Sie dann einen Intervallsprung, dann eine Verzierung usw.
• Mit anderen Worten, verwenden Sie die Muster als Ausgangspunkt und als zugrunde liegenden mentalen Rahmen dafür, welche Noten passen könnten . Aber gehen Sie schnell zum Experimentieren über und verwenden Sie, was sich gut anhört .
• Lernen Sie einige andere Dinge als nur Muster. Lernen Sie einige aktuelle Melodien. Diese haben immer noch Muster in sich, aber Sie springen direkt zu etwas, das bereits melodisch klingt, und bohren das stattdessen in Ihr Gehirn.
• Stehlen Sie von anderer Musik, die Sie mögen, und sezieren Sie sie. Was machen sie, dass es dir gefällt?
• Versuchen Sie, sich wiederholende Sequenzen zu verwenden, um ein Thema festzulegen. Das heißt, wenn Sie ein kurzes melodisches Muster finden, das Ihnen gefällt, versuchen Sie, es beim nächsten Akkordwechsel zu wiederholen, und transponieren Sie es nach Bedarf. Wenn Sie es über einem neuen harmonischen Kontext spielen, wird ein neuer Geschmack hinzugefügt, aber die Wiederholung (die gleichen / ähnlichen relativen Intervalle) verbindet alles miteinander.
• Versuchen Sie, Rhythmen zu wiederholen , aber die Noten zu variieren oder umgekehrt. Verwenden Sie wieder die Wiederholung, um ein Thema festzulegen.
• Lerne mehr über Harmonie und konzentriere dich mehr auf diesen Aspekt. Denken Sie daran, dass Sie nicht nur Melodien in einem Vakuum spielen. Ein Teil dessen, was eine Melodie an einem bestimmten Punkt interessant klingen lässt, ist, wie sich diese Note in den harmonischen Kontext einfügt. Sich einfach auf die Akkordtöne, Erweiterungen und die Noten zu konzentrieren, die die Akkordwechsel verbinden können, wird Wunder für Ihre Melodien bewirken.

Jeder hat ein gewisses Grundgefühl für Musikalität, nur weil er sein ganzes Leben lang Musik gehört hat. Wir hören Konsonanz und Dissonanz. Wir hören Anspannung und erwarten Entspannung usw. Sogar Nicht-Musiker sind vielleicht in der Lage, eine Melodie zu singen, aber sie schöpfen aus den zugrunde liegenden musikalischen Konzepten, die sie im Laufe der Jahre passiv aufgegriffen haben. Als Musiker ist es Ihr Ziel , diese Dinge aktiv zu üben, damit Sie sie wirklich nutzen können.

Mit anderen Worten, es ist nicht so, dass Sie den Trick nicht gefunden haben, um die melodische Kreativität bereits in Ihrem Gehirn freizusetzen. Es ist so, dass Sie Ihr Gehirn noch trainieren müssen, um melodisch kreativ zu sein .

Mein Vorschlag ist, einige Lieder zu singen, die Sie kennen, irgendein Lied. Zum Beispiel,

• Alles Gute zum Geburtstag
• Mary hatte ein kleines Lamm
• Wenn die Heiligen einmarschieren
• Pop geht das Wiesel
• Hallo Dolly

Wirklich jedes Lied wird tun. Ich vermute, dass Sie die Fingersätze für all diese Songs nicht kennen.

Nehmen Sie nun dasselbe Lied und beginnen Sie auf einer anderen Tonhöhe/Note und singen Sie das Lied von der neuen Anfangstonhöhe. Dies erfordert unterschiedliche Fingersätze.

Ich bin Jazztrompetenspieler und was ich gerade beschrieben habe, ist eine der Techniken, die ich praktiziere.

Mein Ziel dabei ist es, ein improvisiertes Lick singen und spielen zu können.

Eine andere Technik besteht darin, aufzuzeichnen, was Sie singen, und wenn Sie es wiedergeben, spielen Sie auch Ihr Instrument.

Zum Beispiel, wenn es ein 16-taktiges Improvisations-/Solo gibt, an dem ich arbeiten muss. Vielleicht singe ich die ganze Improvisation und nehme sie auf meinem Handy auf. Spielen Sie dann das Audio (von meinem Telefon) ab und versuchen Sie, die Tonhöhen auf meiner Trompete abzugleichen. Dies ist eine Form der Transkription. Dies erfordert wiederum das Hören einer Tonhöhe und das anschließende Spielen.

Eine andere Technik besteht darin, nicht aufzunehmen, sondern eine Phrase zu singen und sie dann zu spielen.

Zum Beispiel könnte ich im 16-Takt-Solo einen zweitaktigen Lick singen und ihn dann in den nächsten zwei Takten wiedergeben. Singen Sie dann den nächsten zweitaktigen Lick weiter und spielen Sie dann, was ich gerade gesungen habe. Dies wird wiederholt, bis ich die 16 Takte beendet habe. Ich verwende iRealPro und Musescore, um beim Wiederholen der beiden Taktphrasen zu helfen.

Hoffe das hilft.