Wie denken Profis über Noten/Grade/Intervalle beim Spielen einer Melodie?

Da Musik eine abstrakte Sprache ist, bin ich mir nicht sicher, ob Ihre Frage einfach oder auf eine der von Ihnen beschriebenen Arten beantwortet werden kann. Für mich ist es eine Kombination aus meinem mentalen Bild der Noten auf der Notenzeile, einem vagen mentalen Bild dieser Noten auf der Tastatur und meiner Muskelerinnerung, wie beide Bilder klingen und sich anfühlen sollen. Ich weiß nicht, dass ich bewusst an die Buchstabennamen oder Intervalle (oder Akkorde oder was auch immer für technische Dinge) denke. Für mich sind die eigentlichen Namen nicht so wichtig oder notwendig wie die Noten selbst, wenn das Sinn macht. Es ist wie ein enges Familienmitglied, für das man kein Etikett oder Namen mehr braucht, sie sind, wer sie sind. Ich denke sicherlich nicht an die physikalischen Intervalle. Wenn überhaupt, denke ich an die Muster in der Musik und wie sich diese Muster unter meinen Fingern anfühlen und wie sie klingen. Vielleicht war das

Es wird variieren, und Sie müssen bedenken, dass es auch viele Profis gibt, die gelernt haben, indem sie gehört und kopiert haben, was sie auf Schallplatten gehört haben, ohne Musik lesen zu lernen. Noten können "persönlich" bekannt sein, und dazu gehört, alle verschiedenen Akkorde und Tonleitern in Bezug auf sie zu kennen. Möglicherweise sind keine Namen oder Funktionen beteiligt - ich denke, es ist eine Art direktes Hören der Funktion. Jede funktionale Beziehung hat ihren eigenen identifizierbaren Klang.

Ich erinnere mich, ein Interview mit Herbie Hancock gelesen zu haben, in dem er davon sprach, nicht an Jazz-Akkorde mit all den Änderungsnotationen als solchen zu denken, sondern direkt in seinem geistigen Ohr die verwendete Tonleiter und die Vorzeichen oder Änderungen zu hören Determinanten des Weges durch die Skala.

Ein anderer Doppler und Jazzimprovisationskünstler (ein pensionierter Profi), den ich kürzlich getroffen habe, sprach darüber, wie wichtig es sei, beim Spielen oder Improvisieren nicht an Fingersätze oder Noten zu denken, sondern daran zu arbeiten, zu hören, was man spielen möchte, wobei die Finger ihr Bestes tun, um aufzuholen.

Viele klassische Musiker, insbesondere Amateure, werden an Notennamen denken. Wenn Sie zu den professionellen klassischen Musikern aufsteigen, wird es mehr geben, die an die Funktion denken oder sich der Funktion zumindest bewusst sind. Dies liegt zum Teil daran, dass funktionales Zuhören in vielen (den meisten?) Musikprogrammen und Konservatorien ausdrücklich gelehrt wird, und zum Teil daran, dass die Funktion beeinflusst, wie Sie eine Note spielen oder beugen. Wenn Sie zum Beispiel wissen, dass Sie eine Terz oder Septime spielen, insbesondere den führenden Ton, gibt es oft leichte Tonhöhenvariationen, die aus gleichschwebenden Temperamenten bestehen, damit der Akkord optimal "klingt". Dies ist viel schwieriger, wenn der Musiker nicht weiß, wo die Note in das harmonische Schema der Dinge passt.

Vor dem Erlernen von Tonleitern war es für mich sehr viel Erfolg oder Misserfolg. Bestimmte aufeinander folgende Noten wurden vertraut, ähnlich wie die Verwendung derselben wenigen Wörter in mehreren Sätzen. Als ich Tonleitern kannte, änderte es sich eher. Beim Anhören eines Stücks wird eine Tonart festgelegt, die Art der verwendeten Tonleiter erkannt und die Finger neigen (normalerweise) dazu, der Melodie automatisch zu folgen. Wie in - dies ist ein Blues in D, daher werden alle oder zumindest die meisten Noten von der D-Blues-Tonleiter stammen und hier zu finden sein. Oder anders ausgedrückt - diese bestimmten Noten werden wahrscheinlich NICHT verwendet, also versuchen Sie nicht einmal, sie zu spielen.

Spieler, die bisher nur von Punkten gelernt haben, werden die musikalischen Namen höchstwahrscheinlich irgendwo im Bewusstsein haben, aber nach langem Spielen ändert sich dies zu Intervallerkennung und Skalarläufen und Arpeggios, oder zumindest einem Teil davon.

Spieler, die nach Gehör lernen, brauchen oft länger, um sich Melodien anzueignen, obwohl es wiederum auf das „Muskelgedächtnis“ ankommt, aber von einer anderen Art als im zweiten Absatz.

Instrumentenkenntnisse sind ein weiterer Faktor, wobei einige Gitarristen an „Tabulator“ denken, was bei den meisten anderen Instrumenten offensichtlich nicht funktionieren würde. Viele Spieler – Saxophon, Flöte, Bluesharp, um nur einige zu nennen – können sich nicht auf die Koordination von Auge und Gehirn verlassen, also wird es dort einen anderen Ansatz geben. Und das ist, bevor man die Stimme betrachtet.

Jazzspieler denken vielleicht an eine Tonleiter pro Akkord, also ist ihre Denkweise sehr unterschiedlich, aber sie werden sicherlich nicht denken: „Ich habe gerade ein D gespielt und die nächsten drei Noten sind E, F und dann C#“. Ich denke, nach einer gewissen Zeit, die für jeden von uns unterschiedlich ist, hört der denkende Teil des Gehirns auf, das zu beeinflussen, was wir spielen. Ich habe Studenten oft zum Nachdenken verurteilt!! Meine Analogie ist, zu untersuchen, was Sie tatsächlich tun, während Sie laufen – Ferse oder Zehe zuerst, welcher Arm bewegt sich mit welchem ​​Bein usw. Sie werden bald nicht mehr laufen – Sie werden in einem Haufen auf dem Boden liegen … So überschreiten wir oft die akademische Stufe, um tatsächlich Musik zu produzieren, die weit mehr ist als die Summe der Teile.

Die einfache Antwort ist, dass es keine Antwort gibt, aber wir alle verwenden unterschiedliche Techniken und oft eine Kombination aus mehreren, abhängig von Instrument, Erfahrung und uns selbst.

Jemand hat mich gebeten, einen Kommentar in eine Antwort umzuwandeln und auszuarbeiten, also hier:

Ich glaube, dass, sobald ein gewisses Maß an Meisterschaft erreicht ist (ein „Profi“ zu sein, wie in der Frage genannt wurde), es nicht mehr viel Nachdenken gibt, sondern nur Ausdruck.

Zur Erklärung: Jemanden zu fragen, woran er denkt, wenn er in einer Muttersprache spricht, würde wahrscheinlich zu einem Ergebnis führen, das er überhaupt nicht denkt, sondern nur tut. An diesem Punkt ihrer Entwicklung ist die Sprache eine natürliche Erweiterung von ihnen. Alle am Prozess beteiligten Mechaniken sind „automatisiert“ und können sich natürlich auf die Bedeutung/den Ausdruck konzentrieren.

Als Gitarrist lernte ich Noten durch Formen und Positionen. Dieselbe Note kann an verschiedenen Stellen auf einer Gitarre erklingen, sodass Gitarristen lernen, Sweet Spots auf der Gitarre zu finden, an denen eine bestimmte Melodie gespielt werden kann, ohne die Position zu stark zu verändern.

Welche Formen? Die Standardformen sind im CAGED -System zu finden, aber ich fand das etwas zu komplex, starr und manchmal schwierig zu spielen.

Stattdessen verwende ich eine Kombination aus pentatonischen Dur/Moll-Formen und Akkordformen. Für jede bestimmte Akkordform auf der Gitarre kenne ich die Noten bereits, also denke ich nur in Intervallen (Bünden) über und unter den Pentatonik- oder Akkordnoten. Akkordformen sind besonders nützlich, wenn Sie Melodien mit vielen Arpeggios spielen.

Eigentlich ist "in Intervallen denken" ungenau. An diesem Punkt "weiß ich nur", dass eine Note ein oder zwei Bünde über oder unter einem Pentatonik- oder Akkordton liegt.