Ist es notwendig, nur Noten und Akkorde zu verwenden, die zu einer bestimmten Tonleiter gehören?

TL;DR: Nein.

Sie können alles verwenden, was Sie möchten, solange es für Sie gut klingt. Sie können viele Skalen verwenden oder keine verwenden; Sie können Akkorde aus einer bestimmten Tonleiter oder Akkorde außerhalb dieser Tonleiter verwenden.

Experimentieren Sie einfach mit Ihrem theoretischen Wissen und Sie werden sehen, dass die Regeln dazu da sind, gebrochen zu werden. Sie können sie verwenden, wenn Sie wollen (oder müssen), aber wenn Sie einen Song wie Lithium schreiben, können Sie alles verwenden, und ich meine alles, was Sie wollen, egal wie theoretisch „falsch“ es scheint.

Wie die anderen Antworten richtig gezeigt haben, können Sie tun, was sich für Sie gut anhört. Aber das könnte Ihnen das Gefühl geben, nicht zu wissen, wo Sie anfangen sollen. Deshalb möchte ich Ihnen den kleinen Trick verraten, der in Lithium und zig anderen Songs verwendet wird: Sie können die Akkorde aus der Dur-Tonleiter und ihrer parallelen Moll-Tonleiter mischen. Im Fall von Lithium haben Sie Akkorde aus E-Dur (E, G#m, C#m, A, B) plus einige Akkorde aus E-Moll (C und D). Die Akkorde aus der parallelen Moll-Tonart verleihen einem Song in Dur eine coole moll/bluesige/... Atmosphäre. Sobald Sie dieses Prinzip verstanden haben, werden Sie feststellen, dass es in fast allen Stilrichtungen häufig verwendet wird.

Theorie ist keine Reihe von Regeln, die befolgt oder gebrochen werden müssen. Theorie ist eine Reihe von Erklärungen dafür, warum Dinge so klingen, wie sie klingen. Als Komponist nutzen Sie die Theorie, um Ihre Entscheidungen zu treffen, aber sie diktiert niemals etwas.

Zuerst spielst du ein Spielzeugxylophon, und es hat 1 Oktave der Noten in einer Dur-Tonleiter. Und Sie können viele Kinderreime spielen.

Dann nimmst du eine Blockflöte, und zwischen den Noten, die du früher gespielt hast, sind noch ein paar Noten mehr, und jetzt kannst du mehr tun – manchmal klingt es dissonant, wenn du eine zufällige Note wählst oder die verfehlst, die du spielen wolltest, aber du sind jetzt in der Lage, Moll-Tonarten zu erkunden. Und Sie können mehr als eine Oktave überspannen; Sie könnten das falsche D treffen, aber Sie haben auch die Freiheit, höher oder niedriger zu gehen.

Du lernst etwas Gitarre oder Klavier, und anfangs scheinen so viele falsche Noten zu sein, dass es schwierig ist, eine Kombination zu finden, die gut klingt, und es scheint, als würden die Leute geheime Akkorde und Kombinationen kennen. Langsam finden Sie heraus, wie Akkorde funktionieren und wie Sie eine 1-4-5-Sequenz in eine andere Tonart transponieren oder eine Dur-Melodie in eine Moll-Melodie ändern können, und Sie haben die Breite, um Akkorde und Melodie zusammenzufügen. Es kann immer noch schief gehen, aber Sie können jetzt so viel mehr tun, Ihre Fähigkeiten und Ihre Möglichkeiten sind zusammen gestiegen.

Und man lernt 1-4-5 und 2-5-1 und kleine Terzen und Harmonien und es ist großartig, aber Popsongs und Soundtracks wirken irgendwie komplexer, cooler.

Und dann siehst du eines Abends Jools Holland in seinem Musikprogramm und er spielt ein bisschen Boogie Woogie und es ist lustig und jazzig und all das, und dann drückt er irgendwie die Tasten, drückt vier oder fünf Tasten hintereinander, so wie du es tun würdest waren 5, aber erstaunlicherweise klingt es gut, es klingt großartig! Was ist das? Es sind keine sorgfältig gefundenen Kombinationen von Noten in bestimmten Kombinationen, es sind keine Vorschlagsnoten oder Suspensionen oder etwas, für das Sie einen Namen haben, nicht einmal diese erweiterten Akkorde, die nicht ganz richtig klingen, er schlägt einfach all diese Tasten zusammen und es funktioniert und er tut es nicht einmal aus einer Partitur ablesen und wie kann man sich so etwas ausdenken?

Und dann sitzt du allein vor einem Klavier und siehst dir das Jazzbuch an, das du gekauft hast, und es ist eine Masse von punktierten Noten und Kreuzen und Bs, und dir wird klar, dass es fast unmöglich wäre, dieses Zeug auf traditionelle Weise zu komponieren durch die Harmonisierung über Akkordsequenzen und ABABC-Patterns und es ist, als wäre man am Anfang zurückgekehrt und es gibt eine geheime Kraft, die man nicht hat.

Aber Sie lesen irgendwo über das Erlernen der Jazz-Tonleiter und lernen sie in allen Tonarten, und Sie lernen ein kleines 12-Takt-Ding, und wenn niemand hinschaut, probieren Sie ein paar zusätzliche Noten oder eine neue kleine Melodie aus, während Sie die Basslinie beibehalten und es wird langsam weniger wie ein Geheimnis, das du nicht kennst, es ist mehr wie eine Landschaft, die du sehen kannst. Sie spielen hauptsächlich die Noten, die Sie früher gespielt haben, und viele Akkorde, aber Sie sehen sie als die Wurzel von etwas anderem, eine Plattform, auf der Sie aufbauen können, ein Boot, von dem Sie jederzeit abspringen können, um chromatisch durch die Tastatur zu gleiten oder die Saite, höre kleine momentane Harmonien, die aus deinen Fingern oder deiner Stimme sprudeln und singen, obwohl du nie versucht hast, sie zu machen.

Und dann ist es 1 Uhr morgens und deine Kopfhörer haben dir den Kopf überhitzt und dein Mitbewohner bittet dich, vielleicht ins Bett zu gehen, weil das wütende Klappern der Tasten deiner Tastatur ihn wach hält und du merkst, dass du es nicht einmal versucht hast Beim Spielen beobachtete man irgendwie seine Finger, überrascht, was sie taten und wie schnell sie tanzten.

...

Es gibt keine wirkliche Grenze, keine Reihe von Dingen, die alle Musik machen. Es gibt immer mehr Komplexität von Harmonie, Rhythmus, Stimmung, Klangfarbe. Du baust alles auf, und dann klopfst du alles wieder zurück; Sie können komplexe Jazzharmonien schreiben und sich dann daran erfreuen, ein Kinderxylophon zu spielen. Sie können eine Symphonie schreiben und dann eine Solostimme mit akustischer Gitarre.

TLDR: Notwendig wofür? Musik ist eine Erkundung, dies ist eine der Schwellen eines neuen Tals.

Das Schöne an der Musik ist, dass Sie im Grunde alles tun können, was Sie wollen, vorausgesetzt, Sie finden, dass es gut klingt!

Das gesagt..

Meiner Meinung nach ist es ratsam, die Regeln zu kennen, bevor man sie bricht. Einige mögen argumentieren, dass dies Sie eindämmen und Sie in eine unkreative Kiste zwingen wird, aber ich behaupte, dass Sie die Regeln der Musiktheorie wirklich brechen können, sobald Sie sie gelernt haben. Wenn Sie also noch nicht viel wissen, suchen Sie im Internet nach Informationen zur Musiktheorie, Tutorials, Lektionen usw., und sobald Sie anfangen, es zu verstehen, können Sie das Buch wegwerfen und schreiben, was und wie Sie wollen.

Bevor es Musiktheorie gab (in einer Form, die mit anderen geteilt wurde) , gab es Musik . Als die Menschen anfingen, Musik mit ihrer Stimme oder mit Instrumenten zu machen, klang manches angenehm – manches nicht so sehr.

Irgendwann beschlossen die Gelehrten unter den frühen Bewohnern des Planeten, herauszufinden, warum bestimmte Noten gut klangen, wenn sie als Teil einer Melodie nacheinander gespielt wurden, und warum bestimmte Noten sich später zu einem angenehm klingenden Akkord vermischten (sogar obwohl das Wort Akkord noch nicht geprägt war). Aus dieser Art der Analyse entwickelte sich die Musiktheorie.

Also wurde Musik zunächst ohne Theorie komponiert und intuitiv in Arrangements geformt, die angenehm klangen oder die gewünschten Emotionen hervorriefen. Später kam die Theorie hinzu, um zu erklären, warum ein bestimmtes Arrangement eine bestimmte Emotion hervorrief, und um so auch einen Rahmen zu schaffen, der zukünftigen Komponisten hilft, ähnliche Kompositionen zu replizieren.

Aber am Anfang gab es keine Regeln. Heute gibt es noch keine Regeln, wenn man sich dafür entscheidet, die eigene Kreativität auf innovative und neue Weise auszuüben. Natürlich, wenn jemand das tut und es funktioniert, fügt jemand anderes dem Theoriebuch ein neues Kapitel hinzu, um es zu erklären.

Wenn Sie danach streben, Ihre eigene Musik zu komponieren, erfinderisch sein und etwas wirklich Einzigartiges, Originelles und völlig außerhalb der Grenzen der aktuellen Musiktheorie schaffen möchten, fühlen Sie sich frei, der Autor des nächsten Kapitels der Musiktheorie zu werden. Fühlen Sie sich nicht eingeschränkt durch das, was andere vor Ihnen getan haben.

Absolut nicht. Musik ist eine Kunstform. Sie können tun, was Sie wollen (und was Sie sich vorstellen können). Die Theorie dient nur dazu, zu verstehen, was Sie tun; als Leitfaden, falls Sie einen benötigen. Es darf niemals Ihre Kreativität einschränken. Fragen Sie im Zweifelsfall jemanden, der Jazz spielt :)

Nein, natürlich, wie Sie in dem von Ihnen genannten Beispiel hören können, aber im Allgemeinen können die meisten Menschen den Übergang "hören", wenn Sie zwischen zwei Noten wechseln, die nicht zur selben Tonleiter gehören (wie Sie auch in dem Beispiel hören können Sie haben angegeben). Es sind die Momente, in denen es sich anfühlt, als würde der ganze Song nach oben oder unten verschoben (selbst wenn es nur um die Dauer von ein oder zwei Noten geht).

Außerdem ist es nicht notwendig, irgendwelche "offiziellen" Noten zu verwenden, zum Beispiel: irgendein Dubstep - viele der wackelnden Bässe und komplizierteren Lead-Sounds haben von Hand angepasste Schallwellenfrequenzen, was bedeutet, dass sie oft keine "Standardnoten" sind. und Sie können immer noch Harmonien erzeugen, selbst wenn Sie mit reinen Frequenzen außerhalb aller "Noten" -Grenzen arbeiten. Es ist nur normalerweise schwierig, und viele dieser Harmonien klingen seltsam und exotisch oder sogar disharmonisch (denn sobald Sie das verlassen, was das menschliche Gehirn als normal gewohnt ist, sind alle Wetten ungültig und gut/schlecht wird rein subjektiv).

Um den Kommentar von 200_success zu erweitern, nein, es ist nicht notwendig, sich beim Komponieren auf die Noten einer Tonleiter zu beschränken. Wenn Sie die scharfen, flachen oder natürlichen „Zufallszeichen“ (♯, ♭ oder ♮) in Musik sehen, die auf einer Notenzeile mit einer Tonartvorzeichnung geschrieben ist, wird oft eine Note verwendet, die nicht Teil der Tonleiter ist. Dies ist eine sehr verbreitete Technik.