Warum spielen manche Pianisten ihre Hände gelegentlich zu unterschiedlichen Zeiten?

Aha, ich habe die Antwort gefunden:

Asynchronität!

Asynchronität ist ein allgemeiner Begriff, der verwendet wird, um das Spielen von Noten getrennt oder nicht ganz zusammen zu beschreiben, wenn sie so geschrieben sind, als ob sie normalerweise gleichzeitig in der Partitur gespielt werden sollten, zum Beispiel ein Akkord, zu dem eine Arpeggio gehört angewendet, oder eine Bassnote für die linke Hand und eine Melodienote für die rechte Hand, die beide auf demselben Schlag geschrieben sind, aber tatsächlich mit einer Hand gespielt werden, die leicht vor der anderen platziert ist.

Es ist auf vielen frühen Aufnahmen von Pianisten, die im neunzehnten Jahrhundert geboren wurden, offensichtlich und war in den letzten Jahren Gegenstand detaillierter Analysen (siehe „Off the Record“ von Peres Da Costa, zitiert in der Bibliographie). Es ist ein Bereich der Aufführungspraxis, den ich persönlich wegen seiner Rolle in einigen der exquisitesten und in anderen Fällen exzentrisch anmutenden Aufführungen, die von solchen Künstlern aufgenommen wurden, sehr interessant finde. Indem ich es in mein eigenes Spiel einbaute, fand ich es sehr effektiv, insbesondere die Musik von Chopin zu realisieren.

Chopin as Heard: Asynchronie – Eine einführende Fallstudie

Hier ist also die Ressource, dass mein Eindruck von Arpeggio Rubato mehr als nur Spekulation ist:

Mark Arnest sagt in seiner Zeitung

Warum konnten sie nicht mit ihren Händen zusammen spielen? Nichtkoordination zwischen und innerhalb der Hände in der Klavierinterpretation des 19. Jahrhunderts

Der romantische Pianismus vor einem Jahrhundert unterschied sich in fast jeder Hinsicht von der heutigen nüchterneren Herangehensweise - einschließlich der Einstellung zum Text, der Tempoflexibilität, der agogischen Modifikationen und sogar der Stimmführung. Aber kein Aspekt springt einem Zuhörer mehr ins Auge als die Nicht-Koordination der Hände: Die älteren Pianisten halten ihre Hände nicht konsequent zusammen.

Diese Nicht-Koordination war ein fast universelles Merkmal des früheren Pianismus. Eine Untersuchung von Aufnahmen und Klavierrollen von 118 Pianisten, die zwischen 1824 und 1880 geboren wurden, zeigt, dass alle bis auf einen sich in gewissem Maße mit der Praxis beschäftigten.

Und er erklärt, warum sie es getan haben:

Der Zweck der Nichtkoordination bestand darin, die Musik zu charakterisieren, im Allgemeinen durch Steigerung des Ausdrucks und Klärung der rhythmischen Struktur.

und Bezug nehmend auf Malwine Brée, „The Groundwork of the Leschetizky Method“, Haskell House, zitiert Arnest:

Auch sollten Basston und Melodienote nicht immer genau zusammen genommen werden, aber die Melodienote kann einen Augenblick nach dem Bass angeschlagen werden, was ihr mehr Erleichterung und eine weichere Wirkung verleiht.

„More relief“ suggeriert einen musikalischen Akzent; „ein weicherer Effekt“ könnte sich auf eines oder beides von zwei Dingen beziehen: das akustische Phänomen, bei dem höhere Töne in der Obertonfolge tieferer Töne erscheinen, oder die Idee eines rhythmischen Pulses.

und er nennt 5 Gründe für diese Praxis in der Romantik wie

• Akustik (Obertöne)

• Schlag gegen Puls

• Nicht-Koordination als Akzent, Trennzeichen in kontrapunktischer Musik und als „orchestraler“ Klang.

und was sie taten:

Nicht-Koordination als Form des Tempo Rubato

zum weiterlesen:

https://www.lib.umd.edu/binaries/content/assets/public/ipam/resources-reviews-and-links/arnest-hands-together-article-pdf-5-15-12.pdf

Eine Form von Rubato. Genauer gesagt „hinter dem Beat spielen“. Der Jazzpianist Errol Gardner tat etwas ziemlich Ähnliches, als er „... einen charakteristischen Stil entwickelte, bei dem seine rechte Hand hinter dem Beat spielte, während seine linke einen gleichmäßigen Rhythmus und Interpunktion klimperte“. Obwohl es beim Chopin eine Flexibilität der Rhythmen in beiden Händen gibt, ist das „Takthalten“ der LH auch nicht so streng! Nicht ungewöhnlich beim Spielen romantischer Klaviermusik.

https://en.wikipedia.org/wiki/Erroll_Garner#Playing_style

In vielen Musikgenres ist es üblich, dass ein Solist eher locker Rhythmen spielt, während die Hintergrundmusiker den notierten Rhythmen ziemlich genau folgen. Da das Klavier ein polyphones Instrument ist, ist es üblich, dass ein Interpret die Rollen eines Solisten und eines Begleitmusikers kombiniert und daher einige Noten mit freieren Rhythmen spielt als andere.

Eine wichtige Sache, die man beachten sollte, wenn man dies versucht, ist jedoch, dass es im Allgemeinen mehr Geschick erfordert, es erfolgreich durchzuziehen, als einfach zu spielen. Als Analogie schaffen es einige erfahrene Bäcker, „auf den Kopf gestellte“ Kuchen herzustellen, bei denen die Schichten in seltsamen Winkeln geneigt sind, um eine skurrile Qualität zu erzielen, die ästhetisch ansprechend ist, aber wenn ungelernte Bäcker versuchen, dasselbe zu tun, sehen ihre Kuchen einfach schlampig aus .

Ich stimme Laurence „rubato“ zu, aber ich würde sogar noch weiter gehen und „arpeggio rubato“ sagen. Ein typisches Merkmal von Präludien sind – wenn auch kein Toccato-Stil – die Arpeggio-Dreiklänge.

Wir kennen den in Blockakkorden notierten Klavierauszug von Bachs Präludien.

Ich könnte mir also vorstellen, dass diese Interpreten auf die Blockakkorde von Achtelnoten eine bestimmte Art von Arpeggiospiel anwenden. Reine Spekulation!

Diplomarbeit: „24 Präludien Chopin op. 28“ (MA Meier)

Cosmo Buono schreibt hier:

Die Gesamtstimmung des Stücks ist nachdenklich und sogar tragisch und wütend. Eine Möglichkeit, das Stück mit Emotionen und Faszination zu erfüllen, besteht darin, viel Tempo Rubato zu verwenden; Dieser Ansatz verhindert auch, dass der konstante Achtelrhythmus der linken Hand zu vorhersehbar wird.

https://www.grandpianopassion.com/2014/06/30/chopin-prelude-e-moll-amplified/

Warum sie es tun, gemäß dem Titel Ihrer Frage: Vergleichen Sie Ihr Beispiel mit einer sehr einfachen Leistung (z. B.

Besonders für Nocturnes und generell Chopins emotional aufgeladene Werke wirkt Cortots Interpretation fast übermenschlich spannend. Man könnte es sich als Hintergrundmusik zur intensivsten Schlüsselszene eines Hitchcock-Thrillers vorstellen. Jedes Mal, wenn er asynchron spielt, wird Ihr Verstand unwillkürlich daran erinnert, dass etwas nicht stimmt und Sie nach einer Lösung suchen. Meisterhaft.

Die Harmonie besteht aus 4 Stimmen, die Oberstimme (Sopran) sollte sich gegenüber den anderen durchsetzen, um die Melodie zu projizieren, in der Klaviertechnik wird dies durch zusätzlichen Druck auf den Finger erreicht, der die obere Note trägt. Wenn wir die Triffonov-Aufführung hören, wird sie (zusammen) richtig gespielt, aber in der Cortot-Aufnahme hören Sie Rubato in der rechten Hand, mit anderen Worten, die obere Note wird nach dem Akkord gespielt, es ist nicht meine Präferenz, warum hat Cortot so gespielt ? wahrscheinlich gefiel es ihm und er nahm sich einige Freiheiten.