Was ist ein guter Weg, um Silben für ein Acapella-Arrangement auszuwählen?

In meiner A-cappella-Gruppe im College habe ich einiges arrangiert und „ Vocables “ ausgewählt, wie wir sie nannten, was ein häufig (von mir) übersehenes Detail war. Ich denke, wir haben hauptsächlich versucht, die arrangierten Instrumente nachzuahmen, zum Beispiel konnte eine verzerrte Gitarre "Wah" oder "Bow" sein, Bass war häufig "Dum" usw.

Im Nachhinein klingen diese Silben jedoch selten zusammenhängend oder gut zusammen und können manchmal dazu beitragen, dass die Tonhöhe anders wahrgenommen wird ("ee" kann in der Tonhöhe höher klingen als "uh", selbst wenn es sich aufgrund der unterschiedlichen Balance um dieselbe Note handelt Obertöne).

Aufgrund dieser Herausforderung könnten einige andere Ideen für das, was zu tun ist, Wörter verwenden, die alle zusammen oder alle auf einer Silbe singen. Diese fügen sich gut ein, aber Worte können vom Hauptsänger ablenken, also platziere sie (ein Wort jede ganze oder halbe Note). Das Singen von „ah“ oder einem anderen reinen Vokal klingt sehr choral und hübsch, aber das kann der gewünschte Effekt sein oder auch nicht.

Mein größter Ratschlag wäre, sich professionelle Arrangements (vielleicht King's Singers oder Swingle Singers) oder sehr hochwertige College-Aufnahmen (wie die auf den BOCA- oder CASA - Alben) anzuhören, um Ideen zu sammeln und darauf zu achten, was für Ihr Ohr am besten klingt.

Ich habe selbst keine Erfahrung mit dieser Art des Komponierens, aber jede Silbe hat bis zu zwei Teile: den Vokal und den Konsonanten. Generell gilt, je offener der Vokal und je perkussiver der Konsonant, desto lauter der Effekt, z. B. „moo moo moo“ ist viel weniger dramatisch als „da da da“. Stimmhafte Konsonanten sind auch auffälliger als ihre stimmlosen Gegenstücke, z. B. ist ka ka ka leiser als ga ga ga.

Ich gehe davon aus, dass sich Ihre Frage auf das Arrangieren der nicht führenden Stimmen bezieht. Wenn Sie nicht einmal wissen, wo Sie anfangen sollen, schlage ich einen 4-stimmigen homophonen Ansatz auf klassische Weise vor. Ganze Bände wurden nur zu diesem Thema geschrieben, aber ein einfacher grundlegender Ansatz ist nicht so schwer, wenn Sie sich mit grundlegenden Akkorden und Tonleitern auskennen.

• 4-stimmige Harmonie geht von 4 Stimmen mit Bereichen von Sopran, Alt, Tenor und Bass aus (siehe zB Wikipedia für eine Definition dieser Bereiche). Normalerweise übernimmt das höhere Register, Sopran, die Hauptmelodie.
• Homophon bedeutet, dass sich die verschiedenen Stimmen im selben Rhythmus der Lead-Melodie bewegen, sodass für jede Note in der Lead-Melodie jede der anderen 3 Stimmen eine eigene Note hat.

Für jede Note in der Melodie:

1 - Geben Sie dem Bass den Grundton des Akkords.

2 - Weisen Sie den verbleibenden zwei Stimmen auf folgende Weise Noten zu, je nachdem, was die Lead-Melodie-Note ist:

• Wenn es der Grundton des Akkords ist, verteilen Sie die restlichen Noten des Akkords (vorausgesetzt, es ist ein diatonischer Dreiklang) auf die verbleibenden zwei Stimmen.
• Wenn es nicht der Grundton, aber ein Teil des Akkords ist, verdoppeln Sie den Grundton in einer der verbleibenden Stimmen und geben Sie der verbleibenden Stimme die verbleibende Note des Akkords.
• Wenn es nicht Teil des Akkords ist (was als Non Chordal Tone oder NCT bezeichnet wird), verteilen Sie einfach die verbleibenden Noten des Akkords (außer dem Grundton) auf die verbleibenden zwei Stimmen.

Wenn der Akkord ein Tetrachord ist (normalerweise in klassischer Harmonie ein Septakkord) und die zusätzliche Note (normalerweise eine Septime über dem Akkordgrundton) nicht die Hauptmelodienote ist, verwerfen Sie die 5. Stufe ("3. Note") des Akkords und fügen Sie stattdessen die zusätzliche 7. Note ein.

Bei dem obigen Prozess sollte man nach Stimmführung suchen, dh die Zuordnung von Noten zu den verschiedenen Stimmen ist so, dass jede Stimme zwischen den Schritten der Melodie eine minimale Bewegung hat (manchmal in der gleichen Note bleibend).

Nun, diese einfachen Prinzipien sind die Spitze des Eisbergs, sie werden nicht alle möglichen Harmonisierungssituationen überwinden, denen Sie begegnen können, und werden Sie in Bezug auf Vielfalt und Kreativität nicht sehr weit bringen. Aber für den Einstieg und eigene interessante Ergebnisse können sie ausreichen (was deine Bandkollegen davon halten, steht auf einem anderen Blatt :-)

Persönlich schließe ich mich der Theorie an, dass die Vokale in einem Spektrum existieren. Versuchen Sie, Ihren Mund zu schließen und ihn so weit wie möglich zu machen, und sagen/singen Sie dann:

"mmmmuuuuuuoooaaaaaiiiiiiaaaaooouuuummmmmm"

Vielleicht möchten Sie an einen Ort gehen, an dem Sie niemand hören kann, bevor Sie dies tun. Aber Sie haben vielleicht bemerkt, dass es sich anfühlt, als würden Sie entlang eines Spektrums hin und her gehen, von den tiefen und breiten „muu“-Klängen bis zu den engen und schmalen „iiiiii“-Klängen und wieder zurück. Dies liegt daran, dass das Vokalspektrum Ihre Resonanzräume verändert, um die Lautstärke der Obertöne (auch bekannt als Teiltöne, Harmonische) relativ zur Grundfrequenz Ihrer Stimme zu ändern.

Die gleichen Obertöne sind in allen Stimmen vorhanden, aber ihre relative Lautstärke ermöglicht es einem, Vokale voneinander zu unterscheiden und umgekehrt. Der tiefe „u“- oder „ooo“-Klang hat leisere hohe Teiltöne im Vergleich zu einem nasaleren „ah“- oder „eeeee“-Klang, der einen lauteren Hochfrequenzanteil hat. Aber genug der akustischen Theorie und Phonetik; Wie verwendet man Hintergrundsilben?

Wenn ich Vokale arrangiere, verwende ich gerne die tieferen Silben (wie "ooh", "oh" oder auch Summen) für Momente, in denen der Hintergrundgesang im Hintergrund sein sollte und wenn der Hintergrundgesang es braucht kurz in den Vordergrund des Arrangements zu springen, das ist die Zeit für die hellen und energiegeladenen "oh", "whoa", "ah" und andere Silben. Wenn Sie in einem Moment, in dem der Hintergrundgesang nicht hervorgehoben wird, energische Silben verwenden, laufen Sie Gefahr, dem Solisten auf die Zehen zu treten und den Klang zu verschmutzen. Wenn Sie entspannte Silben verwenden, während die Hintergrundteile etwas Interessantes tun, kann sich Ihr Arrangement etwas düsterer anfühlen, als Sie es möchten.

Konsonanten sind ebenfalls wichtig. „Wa“ und „doot“ fühlen sich ganz anders an als „bap“ oder „hoo“. Es gibt viele verschiedene Konsonanten, die beim Singen von Hintergrundparts verwendet werden können, und Sie müssen herumspielen und sehen, was für Sie am angenehmsten ist und am besten klingt. Und scheuen Sie sich nicht, dem Bassisten andere Silben zu geben als dem Rest der Gruppe! Tatsächlich ziehen sie es vielleicht vor, ihre eigenen Silben zu finden, sodass sie vielleicht besser als Sie wissen, was das Lied in den Silben ihrer Rolle braucht.

Oft wird Ihre Wahl der Hintergrundsilbe durch den Liedtext eingeschränkt. Wenn der Solist einen bestimmten Vokal hält, möchten Sie diesen vielleicht in Ihren Hintergrundparts anpassen. Wie Ihnen jeder Chorleiter bestätigen wird, ist das Mischen von Vokalen sehr wichtig, achten Sie also darauf, wie die Hintergrundstimmen und die regulären Texte interagieren. Und hey, all das spielt keine Rolle, wenn Ihre Background-Parts ihre eigenen spezifischen Texte haben, wie natürlich das Echo des Solisten. Wenn Sie dies noch nicht tun, versuchen Sie, die Hintergrundstimmen für ein gewisses Interesse manchmal einige echte Wörter singen zu lassen. Es ist eine großartige Möglichkeit, den Hintergrund in den Vordergrund zu rücken, und es hält auch Ihre Hintergrundsänger glücklicher und investiert mehr in das Stück, finde ich - wer will schon zweieinhalb Minuten damit verbringen, nur "du" zu sagen?

Falls Sie es noch nicht gesehen haben, empfehle ich Ihnen, dieses Video von Deke Sharon auszuprobieren. Er hat eine Menge richtig großer Acapella-Arrangements gemacht, und ich fand sein Video damals hilfreich für mich, als ich mir dieselbe Frage stellte wie du.