Ich bin ein erfahrener Anfänger am Klavier, ich habe ein Verständnis für Rhythmus, Notenwerte, Tonhöhen und ihre Positionen sowie Dur- und Moll-Tonleitern. Ich mag klassische Stücke und spiele bequem und relativ langsam. Ich habe viele Ideen über das Lesen vom Blatt gelernt und möchte ziemlich gut darin werden.
Wenn ich ein Stück spiele, tue ich das, ohne Dinge zu verstehen, die über die Grundtöne hinausgehen. Mit anderen Worten, ich präge mir ein Stück ein und spiele es Note für Note. Woran sollte ich auf einer höheren Ebene denken, wenn ich ein Stück wie Bachs Menuett in G-Dur oder sein Menuett in g-Moll durchspiele?
Nun, hüte dich vor Überdenken! Immer ein Fallstrick für den erwachsenen Schüler, der die Analyse dem stetigen Trampelpfad der ausdauernden Praxis vorzieht.
Aber Sie könnten die Struktur dieses einfachen Stücks betrachten. Ein 2-Takt-Melodienfragment, das „auf dem Kopf“ wiederholt wird. Weitere drei Varianten der ersten Hälfte des Themas führen uns zu einem Ruhepunkt („Kadenz“) mit einem Echo davon in der linken Hand, das uns zu einer Wiederholung mit einem modifizierten Ende führt – einer endgültigeren Kadenz. Die erste, „halbe“ Kadenz ruht auf dem dominanten Akkord (D) und wird als „unvollkommene Kadenz“ bezeichnet. Die zweite „perfekte Kadenz“ führt uns nach Hause zum Grundton (G). (Ich habe regionale Unterschiede bei der Benennung dieser Kadenztypen gesehen. Aber sie beziehen sich auf dieselbe Idee.)
Dann machen wir uns in der dominanten Tonart (D) auf, mit einer unvollkommenen Kadenz in DIESER Tonart bei Takt 20 (die auf dem A-Dur-Akkord ruht – unter Verwendung eines C#-Vorzeichens, das nicht in der Tonart der Gesamttonart, G-Dur), steht eine perfekte Kadenz in D-Dur bei Takt 24. Aber diesem D-Akkord wird sofort ein C-Natural hinzugefügt, was ihn zu D7 macht, der Dominante von ... ja, unserer Grundtonart G-Dur! 8 Takte in dieser Tonart, wobei immer noch Varianten der Melodie und Rhythmen der ersten paar Takte verwendet werden, und Bach schließt es ab.
Also Entwicklung eines einfachen musikalischen Themas. Eine Schlüsselstruktur, die einen Ausflug zur Dominante macht, kommt dann nach Hause. Wir sind auf dem besten Weg zur Sonatenform, dem Rückgrat der „klassischen“ Periode. Schauen Sie sich Beethovens f-Moll-Sonate op. 2 Nr. 1. Es ist noch zu schwer für Sie, es zu spielen, aber es ist eine hervorragende Demonstration der Sonatensatzform, wobei im Grunde die gleichen Methoden verwendet werden, die Bach im Menuett in G anwendet.
Woran sollte ich auf einer höheren Ebene denken, wenn ich ein Stück wie Bachs Menuett in G-Dur oder sein Menuett in g-Moll durchspiele?
Sobald Sie das Muskelgedächtnis eines Stücks im Griff haben, gibt es eine wichtige Komponente der Musik, die von Musikern, die gerne denken, oft übersehen wird: die Emotion.
Ein gutes Ziel beim Erlernen eines Musikstücks ist es, es so weit zu bringen, dass das Spielen so automatisch erfolgt, dass Sie über das Konzept des korrekten Spielens hinausgehen und sich darauf konzentrieren können, es mit Gefühl zu spielen . Die Zuhörer wollen etwas fühlen , sie (fast alle) schauen nicht darauf, wie viele Fehler Sie machen oder ob Sie Struktur, Formen oder Theorie verstehen. Sie wollen etwas fühlen.
Jedes Musikstück (in jedem Genre) hat eine oder mehrere Emotionen, die in seine Komposition „kodiert“ sind, und wenn ein Stück aufgeführt wird, können und sollten die Musiker sowohl die inhärenten Emotionen interpretieren als auch ihre eigene Einstellung und Gefühle damit kommunizieren Sie werden inspiriert zu fühlen, wenn sie das Stück hören oder spielen.
Wenn Sie also ein Stück im technischen Sinne gemeistert haben, besteht der nächste Schritt darin, darüber nachzudenken, wie sich das Stück bei Ihnen anfühlt, woran es Sie erinnert, welche emotionale Konversation in Ihnen ausgelöst wird, wenn Sie es spielen oder hören. Dann ist es Ihr Ziel, dieses Gespräch fortzusetzen. Einige Musiker versuchen, nur die ursprünglich beabsichtigte(n) Emotion(en) nach bestem Wissen und Gewissen wiederzugeben, andere fügen ein wenig oder viel ihrer eigenen Sichtweise hinzu, und einige arbeiten sogar daran, die ursprüngliche Absicht zu untergraben und das Rohmaterial zu verwenden, um etwas sehr zu vermitteln anders.
Wenn Sie ein emotionales Gespräch mit dem Komponisten und dem Publikum führen, dann machen Sie wirklich Musik.
Vielleicht möchten Sie versuchen, sich in die Musiktheorie einzuarbeiten und zu verstehen, „wie diese Stücke funktionieren“ – Modulation, Änderungen usw. Dies ist ein technischer Teil der Beherrschung von Bach (und jedem Komponisten).
Ein weiterer interessanter Teil könnte darin bestehen, eine Semantik von Bachs Musik zu verstehen. Es gibt mehrere Leute, die Leitmotive in Bachs Musik untersuchen. Albert Schweitzer war der erste. Dann Bodki und Boleslav Yavorsky. Zum Beispiel, und das könnte für Sie interessant sein, basiert das Stück, das Sie spielen (ich erwarte Nr. 7 von Anna Magdalena), auf Arpeggios. Diese Textur wird allgemein als musikalische Beschreibung von Engeln akzeptiert. Daher können wir den Verkündigungshintergrund des Stücks enthüllen.
Richard
Sergej Beljajew