Mentale Strategien, um beim Improvisieren im Takt zu bleiben?

1. Spielen Sie ein rhythmisches Ostinato, bis Sie Ihren Platz wiederfinden.
2. Spielen Sie eine aufsteigende oder absteigende Sequenz, schrittweise oder chromatisch, bis Sie Ihren Platz gefunden haben.
3. Üben Sie das „Stopp-Chorus“-Solo.
4. Compen Sie sich selbst und singen Sie ein paar Soli.
5. Wenn es eher um ein Timing-Problem geht, versuchen Sie Folgendes: Paradiddles lernen und üben. RLRR LRLL mit linken und rechten Handkombinationen, dann individuelle Fingerkombinationen. Warum? Weil es nicht nur eine Note nach der anderen ist und Sie so „zweidimensional“ denken.

Der naheliegende Vorschlag lautet: Laut zählen und üben.

Wenn ich Ihre Frage richtig verstehe, ist das meiner Meinung nach nicht der offensichtliche Vorschlag, obwohl es am Ende vielleicht darauf hinausläuft, was ich sagen werde: Wenn Sie improvisieren und Ihren Platz verlieren, liegt das daran, dass Sie die Melodie nicht kennen Gut. Ich hatte einen Lehrer, der mir oft sagte: Du musst die Melodie gut genug kennen, damit du, egal wie schlimm du es vermasselst, bis zum Beginn des nächsten Takts wieder an Ort und Stelle bist.

Um frei zu improvisieren, müssen die Änderungen für Sie automatisch sein - Reflex. Das meinte Charlie Parker, als er sagte: „Lerne die Veränderungen und vergiss sie dann“: Gehe zu dem Punkt, wo die Veränderungen völlig aus deinem Bewusstsein verschwinden – sie sind zu Reflexen geworden. Dann können Sie „spielen, was Sie hören“.

Die Lösung besteht also darin, genau auf sich selbst zu hören und die Änderungen gut zu lernen , damit Sie sofort wissen, wann Sie in die Irre gegangen sind, und "dahin zurückkehren, wo Sie einst hingehörten". Letztendlich kommt man an einen Punkt, an dem man die Veränderungen so gut kennt, dass es praktisch unmöglich ist, seinen Platz zu verlieren, weil man auf „Autopilot“ steht. Ich bin Bassist, also muss ich die Wechsel gut lernen. Für mich muss es automatisch sein, es sei denn, ich möchte die ganze Zeit sitzen und auf ein Blatt starren, was langweilig ist. Aber das gilt auch für alle, die gut improvisieren können wollen.

Ein erfahrener Musiker kann Änderungen vor Ort analysieren und verdauen und verliert nicht seinen Platz. Dem bist du nicht gewachsen - du musst arbeiten.

Um die Veränderungen in Ihrem Kopf zu verankern, muss ein Anfänger das Stück viel üben und es theoretisch so gut wie möglich verstehen. In der Regel gilt: Je besser Sie eine Melodie verstehen, desto leichter können Sie sie sich merken. Und wenn Sie üben, müssen Sie die Melodie einfach spielen – die Grundlagen – die Hauptmelodielinie und die grundlegenden Änderungen, wobei Sie viel darauf achten, was Ihre linke Hand vorhat, da das Bassende einer Melodie und ihre Akkorde normalerweise umrissen werden seine Grundstruktur. Du kannst immer ein bisschen herumalbern, um es interessant zu halten – die Anfänge von Improvisationsideen entwickeln – aber sehr nah an den Grundlagen bleiben.

Wenn ich mich jedoch frei improvisieren lasse, verliere ich schnell (oder sofort) meinen Platz in der Musik... Welche mentalen Tricks gibt es, um das zu vermeiden?

Note: There is a problem with your question:
The solution is not mental tricks - the solution is work. 

Ich höre aus Ihrer Frage zwei Dinge.

1. Sie kennen die Melodie nicht gut - wie erwähnt:
2. Du füllst dich mit Energie und Inspiration, wenn du solo gehst und willst alles rausholen - das ist nicht schlimm, aber nur, wenn du deinen Platz halten kannst - sonst buhlst du ums Desaster:

Es gibt nichts Schlimmeres, als seinen Platz in den Veränderungen zu verlieren, außer wenn ein Schlagzeuger oder Bassist den Groove verliert: Wenn du es vermasselst – spiele ein oder zwei Licks, die im La-La-Land aus sind – solange du weißt, dass du aus bist und deinen Platz kennst, kannst du dich schnell erholen, die Band kann weiterziehen und niemand wird viel merken. Aber wenn Sie Ihren Platz verlieren und weiter solo fahren oder anhalten und stottern und zögern, beginnen sich die Räder zu lösen.

Anregungen:

• Wenn Sie improvisieren, müssen Sie schrittweise vorgehen . Legen Sie die Zügel an sich selbst: Kontrollieren Sie Ihre Improvisation – bleiben Sie cool und nah an den Veränderungen, damit Sie Ihren Platz nicht verlieren. Tauchen Sie ein und bleiben Sie nah an den Grundlagen – Sie müssen nicht an einem Tag wie Herbie Hancock spielen. Wenn Sie sich mit einer Melodie wohler fühlen, können Sie sie erweitern – aber verlieren Sie nie die Kontrolle – kennen Sie immer Ihren Platz.
• Eines der Dinge, die ich manchmal mache, wenn ich übe, ist, zu etwas mitzuspielen und dann die Melodie plötzlich an eine neue Stelle zu verschieben – drücke die Vorwärtstaste mit meinem Ellbogen oder so etwas – und stelle dann sicher, dass ich sie überall aufnehmen kann kommt zufällig raus.
• Eigentlich nur eine Erweiterung des ersten Punktes: Der größte Fehler angehender Solisten und Improvisatoren besteht darin, zu viel zu versuchen. Das führt dazu, dass viele schlimme Dinge passieren, darunter auch, dass du deinen Platz verlierst. Versuchen Sie, einigen großartigen Musikern zuzuhören – Pianisten und anderen – die bekannte Minimalisten waren: Count Basie, Thelonious Monk (in bestimmten Perioden und bestimmten Melodien …) Ray Charles – sogar einige der großen Blues-Künstler wie Muddy Waters und Shaky Walter Horton, oder jemand wie Keith Richards (seit vielen Jahren ein großartiger Musiker, der nie die Anerkennung erhielt, die er verdiente - in letzter Zeit hat sich das dank seines Buches geändert). Wenn Sie solchen Musikern zuhören, lernen Sie, dass Sie nicht VIEL TUN müssen, um großartige, ausdrucksstarke Musik zu machen – ein „großartiges Solo“ zu spielen . Es ist wichtiger, fokussiert und artikuliert zu sein.

Der Musik zuliebe sind hier einige großartige Minimalisten am Werk:

Monk auf einer GROSSARTIGEN Aufnahme von 1959 – 5x5, mit Thad Jones am Kornett. Die Melodie ist Jackie-Ing. Es ist Monks Melodie und Monks Session, aber sein Solo ist nur ein Refrain, der ungefähr bei 4:45 beginnt, und besteht aus ein paar sehr mönchischen Abstraktionen, die aus Jones' Solo aufgebaut sind, und dann einer stilisierten Wiederholung des Themas - das ist sein ganzes Solo - Es ist weniger als eine Minute lang:

Hier ist Ray Charles aus dem Jahr 1957, der Horace Silvers Doodlin covert – sein Solo beginnt ungefähr bei 1:20 Minuten. Zwei schnelle Refrains, insgesamt weniger als eine Minute – aber so klar durchdacht und ausgearbeitet.

Ich weiß, dass Sie nicht Monk oder Charles sind und möglicherweise ganz andere Neigungen haben, aber wenn Sie Probleme haben, Ihren Platz zu behalten, ist es meiner Meinung nach der richtige Weg, mit einem minimalistischen Ansatz zu beginnen.

(Beachten Sie insbesondere, dass es in diesen beiden Soli viel Stille/Raum gibt . Ich führe das auf zwei Faktoren zurück: 1 – diese Jungs haben nicht gespielt, bis sie eine klare Vorstellung davon hatten, was sie waren spielen wollten - sie nahmen sich Zeit, nachzudenken und sich selbst und dem Rest der Band zuzuhören, während sie spielten [im Gegensatz dazu so viele weniger schlaue Musiker, die denken, dass ein großartiges Solo bedeutet, so viele Noten wie möglich in so wenig Raum/Zeit zu blasen wie möglich, ohne sich ihrer Umgebung bewusst zu sein.]; 2- Um gute Musik zu machen, spielt man nicht nur Noten, man nutzt auch die Zeit und den Raum zwischen den Noten sinnvoll - die Stille ist Teil der Musik.)

Und nur für die "Aufzeichnung", hier ist Muddy Waters mit Little Walter auf einer Aufnahme aus den frühen 50ern: Sad Letter - mit einem Gitarrensolo (@1:35), von dem wir alle viel lernen können:

Und ja, The Stones: The Last Time – 1965 – Lip Synced von der Aufnahme. Das Gitarrensolo beginnt bei ungefähr 1:35 in. Eine weitere großartige Lektion, die man daraus lernen kann: Einfach, klar, gut konstruiert und sehr geschmackvoll und effektiv, IMO:

Weniger ist mehr.

Derselbe Lehrer sagte mir: „Wenn du anfängst darüber nachzudenken, wie gut es klingt, stehst du auf Ärger“. Ja - das ist für Bass, und es ist zu wahr. Aber das Konzept ist immer dasselbe, für jedes Instrument – ​​bis du ein Virtuose bist, musst du achtsam sein und dich nicht in dem verlieren, was du spielst. Stellen Sie sich vor, Sie fliegen einen Überschalljet in enger Formation:

Verlieren Sie für eine halbe Sekunde den Überblick, was Sie tun, könnten Sie so enden:

In den meisten Fällen ist dies das Ergebnis einer schwachen Technik. Wenn unsere Technik schwach ist, bewegen sich unsere Finger bei verschiedenen Aufgaben zu langsam oder zu schnell. Wir können unsere Fingerbewegungen und Aufgaben mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten nicht richtig steuern. Große Dehnungen, kleine Intervalle, Daumen nach unten, Daumen nach oben usw. dauern unterschiedlich lange. Einige dieser Mechanismen bewirken, dass wir langsamer werden, während andere uns beschleunigen. Dieser Mangel an technischer Beherrschung beeinträchtigt somit unsere Fähigkeit, die Noten im Tempo zu spielen, und erzeugt das von Ihnen beschriebene Szenario.

Ich hatte einen Schüler mit diesem Problem, und wir stellten fest, dass er immer nur auf den Schlägen 2 und 4 mit dem Metronom übte. Ich empfahl ihm, mit dem Metronom auf den Schlägen 1, 2, 3 und 4 zu üben hat sogar ziemlich viel Zeit damit verbracht, mit dem Metronom zu üben, das auf jede Achtelnote klickt.) Es ist wichtig, in einem Tempo zu üben, das langsam genug ist, damit er sich sofort fangen kann, wenn er vom Takt abweicht. Diese Art des Übens trainiert uns, genauer auf den zugrunde liegenden Beat zu achten und unsere Fehler sofort zu korrigieren. Durch die Verlangsamung des Tempos konnte er die Passagen korrekt und gleichmäßig spielen. Er hatte genug Zeit, um seine Aufmerksamkeit erfolgreich wechseln zu lassen zwischen:

1. dachte an das Lick, das er improvisieren wollte,
2. darüber nachzudenken, wo seine Finger waren und wohin sie gehen würden, und
3. auf das Metronom zu hören, ob er den Lick im Tempo ausführte.

Wenn das Tempo zu schnell ist, kann das Gehirn nicht schnell genug denken, um alle drei dieser wichtigen Aufgaben zu erledigen. Indem wir sie in langsameren Tempi üben, trainieren wir unser Muskelgedächtnis und wir trainieren unser Gehirn, einige dieser drei Prozesse zu automatisieren. Dadurch können wir das Metronom aufdrehen und bei höheren Tempi erfolgreich sein. Der Trick besteht darin, die Geschwindigkeit schrittweise zu erhöhen. Aber wenn wir zu viel Zeit damit verbringen, in zu schnellem Tempo zu spielen, trainieren wir unser Muskelgedächtnis, um zu versagen, und verstärken die falsche Technik.

Das Beste, was ich dazu sagen kann, ist zuhören.

Hören Sie dem Bassisten und den Hörnern zu (wenn sie eine Art Hintergrund spielen). Achten Sie darauf, wie sie sich im Formular bewegen, damit Sie herausfinden können, wo Sie sich befinden. Wenn Sie zum Beispiel einen 12-Takt-Blues spielen und sich verirren, nehmen Sie sich eine Sekunde Zeit und warten Sie – Sie hören vielleicht die Umkehrung und dann wissen Sie, wo Sie sind. Oder Sie hören eine IV und nehmen es von dort.

Hören Sie auch auf den Schlagzeuger. Oft fügt ein Schlagzeuger am Anfang einer Form oder beim Wechsel zu einem neuen Abschnitt einen kurzen Fill oder Hit hinzu. Wenn Sie das hören, können Sie herausfinden, wo Sie sind.

Üben Sie außerdem, zu versuchen, die Form zu fühlen. Üben Sie, 12 oder 8 Takte zu fühlen, damit Sie wissen, wann einer beginnt und endet. Das kommt natürlich nicht über Nacht; Hören Sie sich die Songs an, die Sie üben, und versuchen Sie, den Soli mit Form zu folgen. Dirigieren und lautes Zählen kann dabei wirklich helfen.

Etwas, das Ihnen helfen kann, bei der Form zu bleiben, ist, die Melodie während anderer Soli in Ihrem Kopf zu singen. Während Sie dies tun, verbindet Ihr Gehirn die Melodie, die es hört, mit den Akkorden, die es darunter hört (von Ihnen und dem Bassisten). An den Akkorden kann man später die Stelle in der Melodie und damit später auch die Form erkennen.

Alle drei zu kombinieren – den anderen Spielern zuzuhören und die Form zu spüren – wird Ihnen helfen, herauszufinden, wo Sie stehen. Erwarten Sie jedoch nicht, dass dies schnell kommt.

Es ist offensichtlich, die Akkordfolge in- und auswendig zu kennen, sodass Sie nacheinander abbilden können, was Sie spielen.

Zwei Gegensätze – einer – spielen immer die linken Akkorde, sodass Sie einer Struktur folgen müssen. Zweitens: Spielen Sie niemals die linke Hand, damit Sie sich auf die Noten konzentrieren können, die Sie spielen möchten. (Der zweite geht davon aus, dass es dort einen anderen Akkordspieler gibt).

Halten Sie einen Fuß im Takt, oder noch besser, lassen Sie (oder machen) Sie Ihren Körper den Rhythmus – Kopfnicken, Schulterzucken usw.

Versuchen Sie langsam, wie bei einer langsamen Melodie, Vierer/Zweier zu wechseln. Dadurch wissen Sie genau, wo Sie sich befinden (oder wo Sie sein sollten!). Es ist kein einfacher Trick, aber er funktioniert gut, wenn es einen anderen Muso gibt, der sich in Sie und Ihr Spiel einfühlt.

Abgesehen davon, je mehr Sie spielen, desto besser werden Sie theoretisch. Versuchen Sie, eher zu Tracks als zu Bandkollegen zu spielen. Sie sind weitaus weniger nachsichtig und halten auch gut Zeit. Verringern Sie die Lautstärke allmählich, spielen Sie aber trotzdem weiter.