Behalten Sie beim Improvisieren das Thema im Auge

Ich fürchte, eine Tendenz, nur mit „den Änderungen“ zu arbeiten und die ursprüngliche Melodie zu ignorieren, ist in der heutigen Jazzwelt endemisch. Vor allem, wenn Ihre Improvisationstechnik auf dem System Akkord=Tonleiter basiert. Ich stimme zu, dass es eine ausgezeichnete Idee ist, mit der Präsentation der Originalmelodie zu beginnen. Viele Spieler nicht.

Was kann ich sagen? Sie haben bemerkt, dass Ihre Improvisation generisch geworden ist und nichts mit dem Originalsong zu tun hat. Gibt es noch mehr Ratschläge als „Nun, dann tu das nicht!“? Sie könnten sich die Melodie ansehen und bestimmte melodische oder rhythmische Merkmale isolieren, die in Ihrer Improvisation verwendet werden könnten. Wenn Sie zum Beispiel „Over the Rainbow“ spielen, gibt es den anfänglichen Oktavsprung und das Motiv der „Polizei-Sirene“ („Someday I’ll wish upon a star“). Dazu gibt es einen alten Witz...

Erstens, kennen Sie die Geografie des Liedes. Kennen Sie das Lied in- und auswendig. Die Akkordfolge, die Reihenfolge der Strophen/Refrains/Brücken, die Sie spielen werden. Die Begleitung ist also halbautomatisch.

Zweitens spielen Sie die Änderungen. Bleiben Sie bei der Harmonie und den Noten, die zu den Takten passen, auf denen Sie sich gerade befinden. Spielen Sie nicht einfach blind mit Noten, von denen Sie glauben, dass sie passen - machen Sie sie passend. Wenn Sie nur die Improvisation gespielt haben. Selbst ohne eine Bass- oder Akkordlinie sollte der Zuhörer wissen, wo Sie sich in einem Abschnitt befinden. Dies ist einfacher, wenn Sie auf die „Schlüssel“-Noten zielen, die 1,3, 5 oder manchmal 7 des Akkords, der sich an diesem Punkt befindet, und ihn zumindest auf Schlag 1 spielen, während Sie weiter improvisieren.

Das ist ein Ausgangspunkt. Sobald der Song gut genug bekannt ist, können Sie es sich leisten, alle zwei oder vier Takte anzuvisieren, denn bis dahin werden Sie die Änderungen spielen, ohne so viel nachzudenken. Verlieren Sie sich an diesem Punkt in dem Lied. Ich meine nicht verloren gehen, sondern sich darin verlieren!

Dies ist nur eine Idee, und ich kann nicht garantieren, dass sie bei Ihnen funktioniert, aber: Beginnen Sie mit der Originalmelodie und ihren Begleitakkorden und fangen Sie dann an, alles immer mehr aufzupeppen, bis Sie glauben, Sie hätten es kaputt gemacht. Springen Sie nicht direkt in die völlig freie Improvisation, sondern nehmen Sie zuerst kleine und dann immer größere Änderungen und Variationen an Harmonie, Melodie und Rhythmus des Originalsongs vor. Können Sie Folgendes tun:

• Improvisieren Sie verschiedene Akkorde für dieselbe Melodie, aber behalten Sie die Swings der Harmonie bei – oder ändern Sie sie, wenn irgend möglich. Ich denke, es ist tatsächlich eine wichtige Fähigkeit, mit Begleitakkorden für bestehende Songs herumspielen zu können. Nicht, dass irgendjemand Ihre „kreativen“ Akkorde wirklich hören möchte, aber Sie müssen ein Gefühl für die ganze Bandbreite an Modifikationen von „nur leicht anders“ bis „völlig falsch und verdorben“ haben.
• Implizieren Sie Akkordfolgen mit einer Melodielinie aus einer einzigen Note. Gibt Ihre Ein-Noten-Melodie Hinweise auf die Harmonie? Oder ist es zufällig? Man muss ein Gefühl dafür haben, wie sogar einzelne Noten, die in bestimmten rhythmischen Momenten gespielt werden, verwendet werden können, um die Harmonie zu beeinflussen. Wenn Sie beispielsweise nur Noten aus der Moll-Pentatonik spielen, sind Sie ambivalent in Bezug auf Akkordwechsel und haben keinen Hebel, um das harmonische Gefühl stark auf die subdominante oder dominante Seite zu kippen.

Dies ist üblich für Spieler, die „Licks“ lernen. Ich nenne sie Verschönerer, nicht Improvisatoren. Sie lösen sich von der Melodie und folgen einfach der Akkordfolge. Ich habe an mehreren Improvisationsworkshops teilgenommen und einige der Moderatoren haben mir tatsächlich beigebracht, einfach alles zu spielen. WAS!?!?!?! Das ist wie irgendetwas zu sagen irgendwo spritzen Sie ish.

Ich liebe Oscar Peterson, aber wenn Sie seine Musik transkribieren, werden Sie nach mehreren Stücken schnell feststellen, dass er in jedem Song die gleichen Tonleitern, Patterns und Arpeggios spielt. Er ist immer noch genial. Diese Licks sind zu seinem Vokabular geworden und unterscheiden ihn von jedem anderen Spieler. Jeder Musiker muss sein eigenes Vokabular entwickeln.

Alle geben tolle Tipps. Ich würde vorschlagen, zuerst zu lernen, wie man obere und untere Nachbarn einsetzt und Töne an Akkordtöne und Melodien weitergibt, und dann Licks verwendet, um zwischen den Punkten A und B zu gelangen, wenn es nötig ist. Dann spiele weniger. Sieben Sie es herunter. Meine Lieblingsimprovisatoren sind diejenigen, die keinen Schneesturm von 64tel-Noten spielen.

Ich gebe zu, dass ich an diesem Thema noch viel Arbeit brauche, aber als Organist improvisiere ich die Stimmung eher für Rituale als für Soli. Hier ist ein sehr einfaches Beispiel für „Mary Had A Little (flohbefallenes, von Toxoplasmose befallenes) Lamm“ unter Verwendung von UN, LN und PT. Ich würde auch vorschlagen, sich das Schillinger-System der musikalischen Komposition anzusehen, um zu prägen, wie man ein Solo so gestaltet, dass es tatsächlich irgendwo hingeht, einen Höhepunkt hat und dann wieder herunterkommt, anstatt nur ins Nirgendwo zu wandern.