Wie funktioniert Fusion-Gitarre spielen?

Wenn Fusion-Spieler für Sie klingen wie „nicht in der Tonart“ oder „spielen zufällige Noten“, dann hören Sie entweder auf schlechte Spieler oder Sie sind noch nicht an die Klänge gewöhnt, die sie verwenden. Letzteres kann auch mit der Entwicklung Ihres musikalischen Gehörs zu tun haben. Ich schlage vor, sich gute Fusion-Gitarristen (z. B. Alan Holdsworth, John Scofield, Scott Henderson mit Tribal Tech, Mike Stern, Alan Hinds, ...), aber auch andere Instrumentalisten anzuhören, um sich an den Stil zu gewöhnen und sich daran zu gewöhnen schätzen können, was sie tun.

Es gibt keine geheime Theorie oder Skala, die bei der Fusion verwendet wird. Die Tonleitern sind hauptsächlich die Kirchentonarten und die Modi von melodischem Moll. Es gibt hauptsächlich drei Dinge, die für den Uneingeweihten seltsam oder unerwartet klingen mögen:

1. Die Akkordwechsel können unkonventionell sein. Wenn der Solist einfach die passenden Akkordskalen über unkonventionelle Änderungen spielt, dann klingen die Melodien für Sie möglicherweise etwas zufällig, obwohl der Spieler gemäß den Änderungen immer perfekt in der Tonart ist.

2. Fusion-Spieler verwenden häufig ziemlich viel Chromatik (Annäherungsnoten, Nachbarnoten usw.), um ihrem Spiel mehr Spannung zu verleihen.

3. Fusion-Spieler verwenden manchmal das Konzept des Außenspiels , das nur eine Verallgemeinerung des gemeinsamen musikalischen Prinzips von Anspannung und Entspannung ist.

In Bezug auf das Beispiel, das Sie gegeben haben (Tom Quayle), spielt er meistens innen, dh er verwendet die entsprechende Akkordskala über dem aktuellen Akkord. Es gibt jedoch einige unerwartete Akkordwechsel, die es für Sie seltsam klingen lassen könnten. Beachten Sie, dass er auch ziemlich oft die Blues-Tonleiter verwendet (hören Sie sich den Teil an, der bei 3:33 beginnt). Und natürlich gibt es ein bisschen Chromatik, um es aufzupeppen, aber eigentlich nicht viel.

Fusion entstand mit dem Album „Bitches Brew“ von Miles Davis. Pat Metheny, Larry Coryell und John Mclaughlin sind wahrscheinlich die Avatare des Fusion-Jazz, aber es gibt noch viele andere Vertreter des Genres, darunter Martin, Medeski und Wood, Bird Songs of the Mesozoic und der „Downtown Sound“ von Bill Laswell und John Zorn. Es gibt sehr interessante Ideen, die mit Fusion weitermachen, aber die Idee ist, sich von den Ketten des Mainstreams oder Bebop-Jazz zu lösen. Wie Miles Davis es berühmt ausdrückte: „Spiel nicht diesen Bebop-S*** !“ Meine Güte, so eine Vulgarität! Aber das sind die Emotionen, die durch die Fusion entstanden sind.

Fusion versucht, wie Free Jazz, ein Genre wiederzubeleben, das versteinerte und so etwas wie klassische Musik war. Verstehen Sie mich nicht falsch, ich liebe Mainstream-Jazz. Ich bin mit Mainstream-Jazz aufgewachsen. Ich liebe auch klassische Musik, aber ich habe das Gefühl, dass Monk, Bach und Strawinsky entsetzt gewesen wären über die Starrheit, die Jazz und klassische Musik angenommen haben.

Fusion war ein Versuch, die schnell aufsteigenden Mauern zu durchbrechen, die definierten, was Jazz war. Mauern, die Wynton Marsalis im Lincoln Center erfolgreich wieder aufgebaut und instand gehalten hat. Ich habe großen Respekt vor Marsalis, aber ich denke, dass sein Versuch, den Jazz in dem Stil zu erheben und zu entkräften, wie klassische Musik erhöht und entkräftet wurde, ein Fehler ist.

Fusion Jazz entstand gewissermaßen aus Neid. Miles Davis war erstaunt, wie viel weniger Musiker so viel Geld mit Rock verdienen konnten, und er würde für dieselben Musiker zu so niedrigen Löhnen eröffnen.

Aber es wurde größer als Neid, als einige großartige Künstler vorangingen und andere Künstler weiter auf der Arbeit aufbauten, die geleistet wurde. Es gibt viele Fusion-Gitarristen, die schrecklich sind. Es tut mir wirklich leid, dass Sie gezwungen waren, ihnen zuzuhören. Aber hören Sie sich Leute an, die aus dem Fusion-Jazz hervorgegangen sind, wie John Scofield und Mike Stern und sogar Jim Hall und sein Schützling Bill Frisell, und sagen Sie mir, ob Sie nicht glauben, dass Fusion im Laufe der Jahre zu einigen erstaunlichen Dingen geführt hat.

Miles-Davis Montreux 1986:

Nun, es verwendet im Grunde das Prinzip der Verzierungen mit Akkorden. Zum Beispiel hat die Verwendung eines Lydian über einem I-Akkord einen geringfügigen Unterschied in der Tonalität, hat aber ansonsten "meistens" die gleichen Noten. Diese leichte Änderung (die im Jazz/Fusion sehr verbreitet ist) hält wegen der anderen Konsonantennoten zusammen, die Lydisch und Ionisch teilen. Wenn Sie jetzt über die Verwendung chromatischer Noten nachdenken, denken Sie daran, dass der Rhythmus EXTREM wichtig ist. Viele Leute, die das Fach unterrichten, machen es SEHR falsch. Sie müssen sich darüber im Klaren sein, welche Beats stark sind und welche nicht. Einige sagen, dass man am Ende einer Phrase "outside" spielen kann, aber diese Denkweise ist nicht immer richtig und spricht nicht wirklich den Kern dessen an, was tatsächlich passiert. Was' Wichtig ist, ob Sie auf einem starken Schlag mit Konsonantenton landen oder nicht. Chromatik und "Außen"-Noten sind normalerweise den schwächeren Schlägen vorbehalten, während die Konsonantennoten (vorzugsweise Akkordtöne, aber nicht unbedingt) auf den stärkeren Schlägen landen. Dadurch klingt dein Draußen-Spielen nicht wie beschissene Musik und sendet die Auflösung tatsächlich richtig nach Hause. Denken Sie daran, dass die Tonalität nicht der einzige Ort ist, an dem die Auflösung wichtig ist, aber der Takt, auf dem die Auflösung erfolgt, und der harmonische Rhythmus sind ebenso wichtig. Dadurch klingt dein Draußen-Spielen nicht wie beschissene Musik und sendet die Auflösung tatsächlich richtig nach Hause. Denken Sie daran, dass die Tonalität nicht der einzige Ort ist, an dem die Auflösung wichtig ist, aber der Takt, auf dem die Auflösung erfolgt, und der harmonische Rhythmus sind ebenso wichtig. Dadurch klingt dein Draußen-Spielen nicht wie beschissene Musik und sendet die Auflösung tatsächlich richtig nach Hause. Denken Sie daran, dass die Tonalität nicht der einzige Ort ist, an dem die Auflösung wichtig ist, aber der Takt, auf dem die Auflösung erfolgt, und der harmonische Rhythmus sind ebenso wichtig.

Ein guter Anfang sind "Gehäuse". Dies ist die Theorie, dass die Noten einen Halbton darüber und darunter um Akkordtöne herum gespielt werden können. Dies ist normalerweise der erste Ort, an dem Sie anfangen können, und Sie können ohne großen Aufwand bereits ein großartig klingendes Spiel erzielen. Diese Theorie allein kann erweitert werden und einige wirklich großartige Ergebnisse liefern, wenn Sie wissen, was jemand wie Paul Gilbert "Akkordskalen" nennt. Verwenden Sie einfach Arpeggios/Akkorde mit 4 oder 5 Tönen und fügen Sie dieses Konzept der Einschließungen hinzu, und Sie werden die meisten der 12 Noten spielen, aber in einer bestimmten Reihenfolge, zusammen mit dem Rhythmus, der Ihr Spiel verrückt, aber gut klingen lässt. Dies ist auch sehr hilfreich für Legato, Tapping, Sequencing-Arpeggios (nicht r35 Sweeps = brutto).

Beim Einstieg in den Jazz erweitert sich die Musiktheorie etwas. Die größte Struktur der "normalen" westlichen Musiktheorie ist der Schlüssel, aber in der Jazztheorie "Evolution der westlichen Musik" gibt es viel größere Strukturen als eine Taste, mit anderen Worten, alles über Tasten und darunter gilt immer noch, ABER Sie behandeln Tasten sehr ähnlich wie Sie es mit Noten oder Akkorden tun würden. Dies bedeutet, dass es eine größere Musikstruktur gibt, in dieser größeren Struktur ist die Tonart die Darstellung einer einzelnen Note, sagen wir Tonart C-Dur. Obwohl es sich um 7 Akkorde handelt, CEGB, DFAC, EGBD, FACE, GBDF, ACEG, BDFA, bei denen jeder gegebene Akkord tonisch oder dominant ist, ist alles, was Sie spielen, relativ zur Note C oder mit anderen Worten eine detailliertere Version einer Single Note spielt die ganze Zeit. Also .... wie funktionieren diese größeren Strukturen? Es basiert auf 2 Tonleitern, zuerst der erweiterten Tonleiter und der verminderten Tonleiter. Die Formen dieser 2 Skalen sind, wie Sie die Tasten selbst verbinden. Beginnen wir zum Beispiel mit der großen Struktur von C augmented oder CEG #, wir nehmen die Dur-Tonart von jedem, so dass C Maj, E Maj und G # Maj alle durch die erweiterte Tonleiter verwandt sind

hier ist eine Website, die mehr ins Detail geht http://www.javierarau.com/augmented-scale-theory/

Um die Frage zu beantworten, typische Tonleitern, die für e-Moll verwendet werden, wären: Dorian, Mixolydian, Aolean, Phrygian, Locrian, Lydian, Pentatonic Mix aus mindestens 5 verschiedenen in Moll, beginnend mit dem Grundton, 2., Min. 3., 4., 5., 6., melodisches Moll und harmonisches Moll Mix sagen beginnend mit dem Grundton – Moll 2. – 4. – 5. – 7., Blues Scales, 1/2 Step Up Diminished Scale, Neapolitan Scales auf 1. und 4., Whole Tone und viele andere. Diese haben veränderte Noten und Durchgangstöne in sich. Manchmal ist es nur eine Mischung von Noten, die in keine Tonleiter passen und eher ein Durcheinander sind.

Fusion-Sound ist eine Mischung aus allem. Moderne Musik und Fusion verwenden jeden Akkord zum nächsten Akkordwechsel und -muster. Diese werden für das ungeschulte Ohr seltsam oder falsch oder wie eine Überraschung klingen. Selbst wenn die Musik in der gleichen Tonart bleibt, sagen wir in e-Moll, können alle 12 Noten verwendet werden und viele Modi und chromatische Noten wie 3,4 und 5 hintereinander, um ihr einen ungewöhnlicheren Klang zu verleihen. Zum größten Teil wird Jazz und Fusion fast ausschließlich in Moll bezeichnet.