Wie kann ich etwas über die Gründe für die Wahl verschiedener Arten, einen Akkord zu spielen, erfahren?

Das ist eine großartige Frage. Wenn Sie weiterspielen, werden Sie lange versuchen, es selbst zu beantworten.

Es gibt viele Faktoren, und am Ende sind solche Entscheidungen größtenteils persönlich, wie @Tim in seiner Antwort betont hat . An und für sich enthalten Akkorde keinen emotionalen Inhalt, und Sie werden vielleicht feststellen, dass sich dieselben Akkorde in verschiedenen Kontexten unterschiedlich anfühlen. Es kann hilfreich sein, Akkorde mit Begriffen wie „gezackt“, „buttrig“ oder „ängstlich“ zu versehen, aber erkennen Sie, dass dies persönlich und vorläufig ist. Akkorde haben viel subtilere Farben, als durch solch einfache Namen erfasst werden können. Lernen Sie, aufmerksam zuzuhören und selbst zu entscheiden, wie sich Akkorde in verschiedenen Situationen bei Ihnen anfühlen. Bis zu einem gewissen Grad scheint dies darauf hinzudeuten, dass Sie auf sich allein gestellt sind, wenn Sie versuchen zu verstehen, wie Akkorde funktionieren und wie Sie aus den vielen Möglichkeiten wählen können, einen einzelnen Akkord zu spielen.

Eines der Dinge, die mir schon früh beigebracht wurde, ist, dass Bewegungsökonomie wichtig ist. Das bedeutet, dass es im Allgemeinen gut ist, Wege zu finden, das zu spielen, was Sie spielen müssen, die eher kleine Bewegungen als große Bewegungen beinhalten. Dieses Denken kann zu einer einfacheren Spielweise führen und kann auch helfen, Wege zu finden, verschiedene Akkorde reibungslos zu verbinden.

Ein Teil davon ist physisch: Erleichtern Sie das Spielen, indem Sie geeignete Akkordvoicings finden (dies ist besonders hilfreich, wenn Sie schnelle Akkordwechsel spielen). Oft gibt es mehr als einen Fingersatz für dieselbe Akkordstimme, und es gilt das gleiche Prinzip: Wählen Sie den bequemen Fingersatz, d .

Ein weiterer Teil davon ist Klang: Stimmführung ist die Disziplin, die Noten in jedem Akkord mit dem folgenden Akkord zu verbinden. Außerdem haben unterschiedliche Akkord-Voicings unterschiedliche Klänge, und Sie können in einem bestimmten Fall ein Voicing auswählen, weil Ihnen der Klang gefällt. Dann können Sie das Voicing des nächsten Akkords wählen, weil es eine logische Bewegung nach dem ersten Akkord ist.

Diese Belange der physischen Disposition der Noten einer Akkordstimme auf dem Griffbrett, die körperlichen Bewegungen, die für den Spieler erforderlich sind, der besondere Klang, den eine bestimmte Akkordstimme erzeugt, und die Art und Weise, wie sich Akkorde und Harmonien in der Musik bewegen, sind alle miteinander verflochten. Es ist eine Menge zu verarbeiten. Denken Sie weiter darüber nach und versuchen Sie zu verstehen, was für Sie funktioniert.

Hier sind einige Beispiele, die eine ii - V7 - IAkkordfolge in A verwenden, also: Bmin7 - E7 - A.

Erstens, aus Gründen der Bewegungsökonomie zum abschließenden A , könnten Sie eine der folgenden gegenüber der anderen bevorzugen:

Hier gibt es keine richtige Antwort, außer dass es das ist, was für Sie am besten funktioniert. Sie sollten in der Lage sein, A in beide Richtungen zu spielen, damit Sie wählen können , wann die Umstände es zulassen.

Beachten Sie auch, dass im zweiten Beispiel die Note unter dem kleinen Finger (D) für die ersten beiden Akkorde gleich ist und sich dann im letzten Akkord um einen halben Schritt nach unten bewegt. Diese Note ist die 3. des Bmin7 , die 7. des E7 , und nachdem sie nach unten zu C♯ verschoben wurde, ist sie wieder die 3. des A . Diese Notenbewegung ist zufriedenstellend, und ich würde wahrscheinlich diese zweite Version der beiden obigen Beispiele bevorzugen. Oder beachten Sie, wie stark die Bewegung dieses Notenpaares aus dem zweiten Beispiel ist (mit Gegenbewegung beim Wechsel zum Schlussakkord):

Sie können diese Noten mit den Grundtönen der Akkorde kombinieren, um ein vollständiges Bild der zugrunde liegenden Akkorde zu erhalten:

Es gibt so viele Dinge, über die wir sprechen könnten, sogar mit nur diesem einfachen Beispiel. Was ist mit Bmin7 in zweiter Umkehrung, E7 in Grundstellung, AMaj7 in zweiter Umkehrung? Das Wichtigste ist, selbst zuzuhören und zu entscheiden, was Ihrer Meinung nach am besten klingt.

Hier ist ein weiteres Beispiel, dieses ist Bmin7 - E7 - AMaj7:

Diese Progression verwendet ein Bmin7 in der ersten Umkehrung, ein E7 in der dritten Umkehrung und schließlich wieder ein AMaj7 in der ersten Umkehrung. Möglicherweise finden Sie diese speziellen Akkord-Voicings herausfordernd zu spielen, sie erfordern ein wenig Dehnung. Beachten Sie, wie unterschiedlich dieselben Akkorde, die im ersten Beispiel verwendet wurden, jetzt klingen, da sie ohne die Grundtöne im Bass gespielt werden. Beachten Sie auch den Klang einer kleinen Sekunde zwischen der Septime und dem Grundton des AMaj7- Akkords. Diese Moll-Sekunde verleiht diesem Voicing einen unverwechselbaren Klang:

Beachten Sie, wie die Noten zueinander führen. Diesmal ist die Note unter dem zweiten Finger (D) die 3. des Bmin7 , bleibt für das E7 gleich, wo es die 7. des Akkords ist, und bewegt sich dann einen halben Schritt nach unten zu C♯, das die 3. des AMaj7 ist . Außerdem ist die Note unter dem dritten Finger (A) die 7. des Bmin7 , bewegt sich einen Halbtonschritt nach unten zu G♯, das die 3. von E7 ist, und bleibt dann an Ort und Stelle und wird die 7. des letzten AMaj7 .

Es stellt sich heraus, dass die Art und Weise, wie sich Terzen und Septen von Akkorden bewegen, ziemlich wichtig ist.

Wenn Sie das letzte Beispiel nicht spielen können, ist es etwas schwierig, versuchen Sie es höher am Hals zu spielen, wo die Bünde näher beieinander liegen. Hier ist es in D ( Emin7 - A7 - DMaj7):

Beachten Sie auch, dass dieser Akkord als Bmin7 in der ersten Umkehrung oder als D6 in Grundtonposition angesehen werden kann:

Es ist wirklich üblich, das obige Voicing als D6 zu sehen .

Gründe für die Wahl einer bestimmten Umkehrung und/oder Stimmlage, insbesondere auf der Gitarre, sind eher persönlich als alles andere.

Jede Ressource wird unter diesem Gesichtspunkt geschrieben worden sein. Es wird also nicht viel helfen. Sie sind besser dran, wenn Sie Ihre Ohren benutzen und wählen, was Ihrer Meinung nach am besten klingt und möglicherweise, wie Sie bereits erwähnt haben, einfacher und effektiver zu erreichen und zu erreichen ist.

Beachten Sie, dass diese beiden E7-Formen wie in 020130 kombiniert werden können. Bestimmte Voicings passen in gewisser Weise zu bestimmten Stilen, und das offenere G klingt für mich immer weniger hart als das mit der 2. Saite im 3. Bund. Aber ein paar Jungs, mit denen ich gelegentlich spiele, sagen, dass das die „richtige“ Art ist, ein G zu spielen. Keine gute Denkweise, aber was weiß ich schon?!

Der andere Faktor, der sich in Bezug auf Umkehrungen einschleicht, ist, dass allgemein anerkannt ist, dass die Grundtonposition (tiefster Grundton) am stabilsten klingt, während die 2. Umkehrung (3. mit 4-Noten-Akkorden) schwächer oder nicht so überzeugend klingt wie der Rest.

In Bezug auf Ihren letzten Absatz: Es gibt nur geringfügige Unterschiede zwischen bestimmten Akkordformen. Wir neigen dazu, die höchsten und tiefsten Töne aus dem Klang eines Akkords herauszuhören, und bei der Gitarre ist es oft schwierig, die Töne dazwischen zu erkennen. Bei offenen Saiten im Vergleich zu Bünden gibt es jedoch eher einen Klangunterschied als einen Unterschied in der Tongestaltung, daher klingt das offene G tendenziell anders als das gesperrte G. Das und wenn Sie einen "gepulsten" Rhythmus spielen, Wenn Sie die Greifhand verwenden, um Strums kurz zu stoppen, funktioniert dies bei gesperrten Akkorden viel besser, und auch wenn der Rest der Akkorde gesperrt ist, ist der Klang konsistenter.

Zwei weitere Dinge, die bei der Auswahl von Akkordformen zu beachten sind:

1. Positionierung von Handgelenk und Hand. Dieselbe Akkordfolge kann in einer bestimmten Position oder Stimmlage bequemer und zuverlässiger sein als in anderen, indem die Menge an erreichenden oder unbequemen Handgelenkspositionen minimiert wird. Dies wird Ihnen helfen, den Akkord vollständig auszusprechen, indem Sie alle Bünde richtig halten, und die Möglichkeit von Verletzungen langfristig verringern. Wenn Sie üben, nehmen Sie sich bei jedem Akkord einen Moment Zeit, um auf Ihre Hand, Ihr Handgelenk und Ihren Arm zu schauen und sich zu fragen – drücke ich zu fest? Ist mein Handgelenk in einer bequemen Position oder verdreht? Wenn Sie mehr mögliche Voicings für jeden Akkord lernen, können Sie Fingermuster auswählen, die für Ihre Handgröße geeignet sind und in der Progression gut zusammenpassen.

2. Stimmführung. Stimmführung ist die Praxis, jede Note in einem Akkord zu berücksichtigen und wie sie sich zu den Noten des nächsten Akkords bewegt. Diese Technik wird oft so beschrieben, dass sie Musik „sanft“ oder „sauber“ klingen lässt. Indem beim Akkordwechsel so wenig Noten wie möglich bewegt werden, erhält der Akkordwechsel einen kohärenteren, sanfteren Klang. Wenn Sie viele Noten ändern, indem Sie beispielsweise einen Barre-Akkord den Hals auf und ab bewegen, klingt dies dramatischer und schriller. Beides ist eine gültige Wahl, je nachdem, welchen Sound Sie möchten, aber das ist auch etwas, das Sie berücksichtigen sollten, wenn Sie auswählen, welches Fingermuster für einen Akkord verwendet werden soll.

Lerne, viele verschiedene Songs aus verschiedenen Genres zu spielen. Die meisten musikalischen Elemente tragen alleine nicht viel Gefühl, der Kontext ist entscheidend. Sie werden also nicht in der Lage sein, einfach verschiedene Akkordvoicings zu spielen und zu verstehen, wie sie isoliert funktionieren. Was Sie tun möchten, ist zu lernen, so viele Akkorde und Voicings und Patterns in verschiedenen Kontexten zu spielen.

Die kurze Antwort lautet: Studieren und üben und studieren und üben und dann noch mehr studieren und üben.

Es gibt viele Online-Ressourcen, wenn Sie nach „alternativen Akkordformen“ und ähnlichem suchen. Hier ist einer, zufällig ausgewählt.

https://www.guitarhabits.com/10-ways-to-play-the-most-beautiful-open-chord-shapes/

Ja, die Umkehrung (welche Note des Akkords ist die tiefste) und die Stimmführung (Noten nahe beieinander oder über mehrere Oktaven verteilt) machen einen Unterschied. Gitarristen können in einigen Akkorden auch leere Saiten verwenden, was einen besonderen Effekt ergibt.

Sie können die verschiedenen Möglichkeiten kennenlernen. Nur Sie können entscheiden, welche Gefühle sie hervorrufen. Viel Spaß beim Erkunden!

Die bisherigen Antworten sind recht gut, gehen jedoch nicht speziell auf Ihre E7-Frage (IMO) ein. E7 ist wegen der Spannung zwischen den D- und den E-Noten im Akkord ein interessanter Akkord. Wenn Sie 030100 spielen, haben Sie ein offenes D, aber es ist ziemlich niedrig und isoliert, sodass die Spannung minimiert wird. Aber wenn Sie 022130 spielen, klingen D und E nur einen ganzen Schritt voneinander entfernt, wodurch die Spannung zwischen den beiden maximiert wird. Wenn Sie sich also in einen A-Akkord auflösen, hat die größere Spannung ein größeres Gefühl der Auflösung.

Ich bevorzuge G als 320033, weil meine (günstigeren) Gitarren Intonationsprobleme mit einem offenen B haben. Mein Mittelfinger neigt dazu, das einsame B stumm zu schalten, so dass ich am Ende den "Power"-Akkord von 3x0033 habe. Wenn ich jedoch in der Tonart C schreibe oder die Melodie auf einem B beginnt, spiele ich 320003, um die Harmonien zu erzeugen, die ich im Song haben möchte.

Mit anderen Worten, probieren Sie alle Variationen aus, die Sie kennen (und lernen oder finden Sie mehr heraus), um zu sehen, was für Ihr Ohr am besten klingt. Sie können sogar versuchen, denselben Song in mehreren Tonarten zu spielen! Denken Sie daran, Sie sind ein Künstler und die Farben in Ihrer Palette sind die Stimmen Ihrer Akkorde.

Wenn Sie entscheiden, welche Akkordversion Sie verwenden möchten, können Sie meiner Meinung nach die Melodielinie berücksichtigen.

Zum Beispiel bevorzuge ich auch 320033- es ist fast ein Powerchord (5 von 6 Saiten spielen die 1. und 5.), also klingt es ziemlich cool. Allerdings habe ich vor einiger Zeit ein Lied gespielt und festgestellt, dass 320003es dort viel besser klingt. Warum das so ist, verstand ich, als ich versuchte, eine Melodielinie alleine zu spielen. Es stellte sich heraus, dass es mit der 3. (dh BNote) beginnt. Da 320003diese Note doppelt vorkommt, klingt es in diesem Lied viel besser.

Wenn Sie also einen Song spielen, versuchen Sie, die Noten der Melodielinie in Ihren Akkorden zu wiederholen/hervorzuheben.

Was kann ich lesen oder studieren, um zu erfahren, welche unterschiedlichen Gefühle die verschiedenen Arten, Akkorde zu spielen, hervorrufen und warum das passiert?

Die einfache Antwort: Sie können nicht.

Es ist sehr einfach zu sehen, ob Ihre tiefste Note das Tonikum ist, oder ob die Akkorde Ihnen eine bestimmte Basslinie oder Pedalnoten oder ähnliches geben. Das ist alles, was man mit Theorie lernen kann. Was es dir nie sagen kann, ist, wie es sich anfühlt . Und das liegt daran, dass es für jeden Menschen eine völlig subjektive Erfahrung ist.

Für Ihre E7 ergibt die siebte auf der B-Saite eine höhere Tonlage. Da Gitarren im Allgemeinen diese hohen Mitten betonen und die abgewickelten Saiten im Allgemeinen „klimpernder“ klingen, kann Ihnen das einen „offensichtlicheren“ siebten Klang geben.

Für Ihr G kann die 320003-Version am unteren Ende mit dem B auf der A-Saite etwas "schwammiger" klingen, was bei E-Gitarren zu einem Problem wird. Der klassische gesperrte Power-Akkord (schieben Sie Ihr F nach oben) neigt dazu, dieses Problem zu vermeiden. Die gesperrte Version verwendet jedoch im Allgemeinen höhere Töne innerhalb des Akkords, was Sie bemerken werden, dass sie anders klingen. Die leeren Saiten von 320003 klingen auch tendenziell "klimpernder", was ein weiterer Faktor ist. Bei 320033 ist das B auf der A-Saite weniger ausgeprägt, wodurch es eher wie G5 (ein Powerchord) klingt, was im Allgemeinen etwas härter klingt.

Das sind einige Verallgemeinerungen darüber, wie die verschiedenen Voicings klingen könnten. Wie Sie sich fühlen, wenn Sie sie spielen – um die Hollies zu zitieren: „Ich kann es Ihnen nicht sagen, aber ich weiß, dass es meins ist“. :)

Sie können die Noten in einem Akkord ändern, aber nicht alle Noten sind gleich wichtig.

Die wichtigsten Noten zur Angabe der „Farbe“ eines Akkords sind die Terz (die angibt, ob es sich um Dur oder Moll handelt) und die Septime (die angibt, um welche Art von Septakkord es sich handelt). Was Sie mit den beiden E7-Voicings machen, ist, das D, das die Septime ist, um eine Oktave nach oben zu verschieben. Im Allgemeinen möchten Sie vermeiden, dissonantere Intervalle (wie eine 7) im unteren Register zu haben: Es wird matschig, besonders weil Sie die Terz (das Gis) nicht spielen. Wenn Sie die dissonanteren Intervalle im höheren Register halten, können Sie Akkorde mit viel mehr Farbe (Dissonanz) spielen.

Sie möchten darüber nachdenken, was musikalisch passiert, wenn Sie auf unterschiedliche Weise Akkorde spielen, aber es gibt ein Problem: Sie spielen Gitarre, ein einzigartig schönes und einzigartig frustrierendes Instrument. Das beste Buch, das ich darüber gefunden habe, wie man Akkorde für musikalische Effekte auswählt, ist The Jazz Piano Book von Mark Levine (nicht das Theoriebuch, obwohl es auch gut ist). Jedes Kapitel stellt eine neue Idee vor, wie man auswählt, welche Noten eines Akkords gespielt (oder weggelassen) werden sollen, mit unzähligen aufgelisteten Beispielen. Der Vorteil beim Erlernen der Klaviertheorie (selbst beim billigsten Midi oder Spielzeug) besteht darin, dass Sie eine Änderung vornehmen und sofort hören können: Ich habe Jahre damit verschwendet, auf der Gitarre voranzukommen, weil ich die Beispiele nicht spielen (und hören) konnte. Für Gitarrenbücher Ted Greene's Chord Chemistryist in gewisser Weise verwandt, ebenso wie eine Reihe von Büchern über den Einstieg in die Jazzgitarre (ich mag auch die Bücher von Jody Fisher). Kein Gitarrenbuch ist so sauber und einfach wie das Jazz-Klavierbuch, das ist die Natur der Gitarre.