Probleme beim Komponieren von Übergängen und Brückenpassagen

Die Antwort von "Gast" ist vielleicht etwas extrem, aber sie hat einen gewissen Punkt. Musik muss so komponiert werden, dass sie zeitlich zusammenfließt, und ich denke, die Betrachtung von „thematischen“ Abschnitten vs. Übergänge" einfach zwischen ihnen "ausfüllen" oder so.

Aber nichts könnte weiter von der Wahrheit entfernt sein. Die Übergänge in den meisten Musikstücken sind strukturell genauso wichtig für die Erstellung eines guten Musikstücks wie die Themen. Genauso wie der angemessene Einsatz von Dissonanzen dabei hilft, Musik zwischen Konsonantenakkorden voranzutreiben, müssen Übergänge ein integraler Bestandteil der Struktur sein. Man kann nicht einfach dissonante Töne "einstreuen" und ein gutes Ergebnis erwarten.

Eine weitere Analogie: Das Schreiben der thematischen Abschnitte und der Versuch, Übergänge zu füllen, ist vergleichbar mit dem Schreiben eines Aufsatzes, indem zuerst alle thematischen Teile eines Aufsatzes geschrieben werden und dann am Ende versucht wird, wieder hineinzugehen und den Aufsatz miteinander zu verbinden und mit Übergängen zu fließen Sätze usw. Das ist zwar möglich, aber es ist oft einfacher, nur die Hauptthemen zu skizzieren und sie dann beim Schreiben schrittweise miteinander zu verbinden. Wenn Sie das gesamte Argument im Voraus ausfüllen und versuchen, Übergangssätze hinzuzufügen, die unterschiedliche Ideen verbinden, werden Sie wahrscheinlich am Ende etwas haben, das sich bestenfalls unangenehm liest und sich vielleicht einfach wie ein Mash-up von getrennten Ideen anfühlt, die gepatcht werden zusammen.

Das ist wahrscheinlich der Grund, warum Sie am Ende etwas haben, das "entweder zu abrupt oder oberflächlich klingt (wie ein Thema, dann etwas Harmonie, dann ein neues Sie), wie nur zwei zusammengeklebte Themen".

Übergänge sollten normalerweise beim ersten Komponieren skizziert und geplant werden. Das heißt nicht, dass Sie sich keine thematischen Ideen einfallen lassen und einige Melodien im gesamten Stück skizzieren können, aber es ist eine gute Idee, frühzeitig mit der Planung von Übergängen zu beginnen.

Der nächste Schritt besteht darin, zu erkennen, was ich eingangs gesagt habe: Übergänge dürfen nicht als "sekundär" betrachtet werden. Sie sind wesentlich, um das Stück voranzutreiben. Einige der dramatischsten Momente in Sonatenformen treten in der Regel während sogenannter Übergänge auf. Für mich sind dies die "aktiven" Teile des Stücks, wenn Sie modulieren, Motive zerlegen und entwickeln, Drama erzeugen, indem Sie sich auf etwas aufbauen (oft durch Dinge wie Wiederholungen, Orgelpunkte usw.). Wenn ich eine Sonatenform analysiere, kümmere ich mich eigentlich mehr darum, was in den Übergängen (und der Durchführung) passiert, weil das die interessantesten Teile sind. Sobald Sie im Thema sind, sind es normalerweise langweilige Ho-hum-Perioden und Satzstrukturen. Übergänge machen die Musik lebendig.

Daher ist mein größter Ratschlag, die Abschnitte in echten Musikstücken zu studieren, die Sie nachahmen möchten. Wenn Sie Bruckner mögen, analysieren Sie, was Bruckner in Übergängen macht. Analysieren Sie, wie er Entwicklungen strukturiert.

Das Problem mit Lehrbüchern ist, dass sie sich nicht so sehr auf diese Passagen konzentrieren, einfach weil sie weniger vorhersehbar und daher schwerer zu theoretisieren sind . Aber das bedeutet nicht, dass es keine Muster gibt. Nehmen Sie zum Beispiel den Übergang zwischen dem ersten und dem zweiten Thema in einem Satz in klassischer Sonatenform. Normalerweise möchten Sie dort modulieren (entweder IV in Dur oder i-III in Moll für die gebräuchlichsten Optionen). Aber das ist nicht das einzige Ziel eines Übergangs. Sie möchten eine Passage erstellen, die Ihnen sagt, dass Sie über das erste Thema hinausgegangen sind, und auch das Gefühl hat, dass sie etwas Neues einführen könnte.

Wie könnten Sie also vorgehen? Es gibt eine Reihe von Standardstrategien für diesen speziellen Übergang in Sonatenform. Sie könnten zum Beispiel mit einer einfachen Wiederholung von etwas aus dem ersten Thema beginnen. Vielleicht "beginnen" Sie mit dem ersten Thema "von vorne", schaffen aber eine Art "Fake-out", bei dem es schnell chromatische Noten einführt und Sie von der Tonika wegführt. Das erste Thema wird verzerrt und führt zu etwas anderem. Oder Sie beginnen damit, die letzte Phrase oder Kadenz des ersten Themenbereichs zu riffeln, sie in kleinere Motive aufzuteilen, aber woanders hinzuführen. Obwohl es nicht notwendig ist, macht eine Verbindung zum ersten Thema den Übergang reibungsloser, bevor Sie mit etwas anderem beginnen.

Alternativ kann man mit dem ersten Thema einfach einen "härteren Bruch" einführen, aber dann sollten Sie etwas wirklich Neues einführen - vielleicht ein neues Motiv, das eine klare und unverwechselbare musikalische Geste hat, um den ersten Teil Ihres Übergangs aufzubauen. Auch hier sollte der Übergang nicht nur ein Wegwerfabschnitt sein – er kann seine eigenen Motive und Ideen haben. Es geht darum, einen Kontrast zum ersten Thema zu schaffen, sei es, indem man das erste Thema riffelt und es dann schief laufen lässt, oder indem man ein neues Thema/Motiv einführt, das sich harmonisch und motivisch vom ersten Thema wegbewegt.

Das nächste, was bei Übergängen zu beachten ist, ist, dass sie sich oft (wenn auch nicht immer) instabil anfühlen . Sie modulieren, aber das bedeutet nicht, dass Sie nur eine einzelne Phrase komponieren müssen, die direkt von einer Tonart zur anderen geht. Übergänge haben oft viel mehr Chromatik als thematische Abschnitte. Sie können zwischen ein paar Schlüsseln herumspringen, bevor Sie schließlich an Ihrem Ziel landen. Sie könnten ganze vier Takte oder acht Takte oder länger mit verminderten siebten Harmonien verbringen und sich einfach "instabil" fühlen, da die endgültige Richtung unbekannt ist. Sie könnten Sequenzen einwerfen, die Sie durch verschiedene Tonarten bewegen.

Aber dann, gegen Ende Ihres Übergangs, möchten Sie die Ankunft von etwas Neuem signalisieren. Der beste Weg, dies zu tun, besteht oft darin, die Musik in Bezug auf neue Ideen, neue Harmonien usw. „weniger interessant“ zu machen. Tatsächlich schaffen Sie eine wahrnehmbare Hervorhebung, damit das neue Thema eintreten kann. Das Ende von Übergängen ist aus diesem Grund oft sehr repetitiv. Die gebräuchlichste Strategie ist ein "dominantes Schloss" vor der neuen Tonart, bei dem Sie einfach weiter auf die Dominante der neuen Tonart hämmern, indem Sie entweder den Akkord selbst mit Figuration wiederholen oder indem Sie halbe Kadenzen mit einem Motiv wiederholen, das allmählich zusammenbricht und verkürzt. Der Abschluss eines Übergangs mag wie „großes Drama“ in dem Sinne klingen, dass er laut oder schnell sein kann, aber harmonisch und motivisch (und sogar rhythmisch) kann es unglaublich repetitiv und völlig statisch sein. Das bedeutet, etwas „Langweiliges“ (zumindest in einigen Parametern) einzurichten und einen Zuhörer auf etwas Neues und Interessantes vorzubereiten, das im nächsten Thema ankommt, mit seiner neuen Melodie, neuen Tonart, neuen Harmonien usw.

Das ist nur eine Strategie für einen bestimmten Übergangstyp (1. zum 2. Thema in Sonatenform). Aber hoffentlich kommst du auf die Idee. Ein erweiterter Übergang besteht im Allgemeinen aus drei Phasen:

1. An das vorherige Thema anknüpfen (optional), dann aber endgültig davon abbrechen (durch neue Motive, neue Harmonien/Chromatik, durch Zerlegung thematischer Einheiten in kleinere Motivfragmente etc.).
2. Erzeugen Sie ein Gefühl der Instabilität, das es Ihnen ermöglicht, sich den Parametern des neuen Abschnitts zu nähern (z. B. die Durchführung der Modulation).
3. Bereiten Sie sich auf den Eintritt des neuen Themas vor, indem Sie im Allgemeinen die harmonische und motivische Aktivität zurücknehmen. Es kann auch eine Unterbrechung oder Verschiebung in der Textur geben. Stellen Sie auch die Erwartung für Neuheit auf, vielleicht indem Sie auch ein Gefühl der Auflösung vorwegnehmen (z. B. durch eine verlängerte Dominante oder wiederholte Kadenzbewegungen in Richtung der Dominante). Einige Stücke werden hier einen sehr dramatischen Moment aufbauen, mit einem plötzlichen Bruch und dann einem Eintritt von etwas Neuem, während andere die formale „Auflösung“ in den neuen Abschnitt sanfter machen.

Verschiedene Komponisten erfüllen diese Aufgaben auf sehr unterschiedliche Weise, und einzelne Stücke werden sich erheblich unterscheiden. Hoffentlich gibt dies einen Eindruck davon, wo man anfangen soll, aber wenn Sie wirklich versuchen, einen bestimmten Kompositionsstil (z. B. Bruckner) zu imitieren, würde ich damit beginnen, die besonderen Strategien zu betrachten, die der Komponist verwendet.

FYI – Bruckner selbst verbrachte ziemlich viel Zeit damit, das Schreiben von Übergängen in kleinen Standardformen zu üben, bevor er seinen umfassenderen Ansatz für Modulationen, harmonische Überraschungen usw. in seiner ausgereiften Praxis entwickelte. Auch im Alter widmete er dem Studium der Formenordnung Mozarts, Beethovens etc. viel Zeit. Bruckners Chromatik liegt oft ein hohes Maß an Tonartenorganisation und motivischer Entwicklung zugrunde , die die verschiedenen Bewegungen durch seine Übergänge leitet.

Die meisten B-Themen enthalten einige Informationen über A; Wenn nicht, klingen sie selbst bei fließendem Übergang und/oder vielen strukturellen Richtungen ohne Bezug.

Du solltest musikalische Sachen so "kleben", wie du sie komponierst: mit Bedeutung. Es muss ein "Warum" geben, zumindest nur in deinem Herzen.

Alles beginnt mit dem Verbinden der Punkte. Eine einfache Möglichkeit, die Sie übernehmen könnten, besteht darin, sowohl Teil A als auch Teil B zu betrachten, die Sie verbinden möchten. Verwenden Sie dann eine der üblichen Umkehrungen - ii-VI oder I-IV-V -, um vom letzten Akkord von Teil A zum Anfang von Teil B zu gelangen.

Sie können auch Passing Tones, chromatische Noten verwenden, um die beiden Teile zu verbinden.

Sie könnten auch einen modalen Ansatz und eine harmonisierte Skala wählen, um zwischen den beiden Abschnitten zu wechseln.

Der andere Ansatz besteht darin, den ersten Teil (A) zu beenden und mit dem nächsten Teil (B) zu beginnen. Es ist einfach und es funktioniert. Es ist nicht so, dass wir immer gezwungen sind, zwischen den Abschnitten etwas zu spielen.

Behandeln Sie die ganze „Brücke“ als eine Komposition und schenken Sie ihr die Aufmerksamkeit, die sie verdient. Verwenden Sie vor allem Ihr Ohr und experimentieren Sie. Was gut klingt, behalten Sie.

Du denkst falsch darüber nach. Musik hat keine "Themen", "Übergänge" usw. Sie beginnt am Anfang und geht weiter, bis sie am Ende aufhört.

Sie sind mit diesem Fehler jedoch nicht allein. Es gibt Hunderte von Lehrbüchern, die behaupten, dass Musik in verschiedenen „Formen“ geschrieben wird, die aus „Themen“ und anderen theoretischen Begriffen bestehen. Und es gibt viele Leute, die versuchen (und scheitern), Musik zu machen, indem sie die leeren Stellen in diesen "Formularen" mit Noten füllen.

Ich schreibe und arrangiere seit Jahrzehnten Musik, und um ehrlich zu sein, weiß ich nicht einmal, was ein „Übergang“ sein soll. Ich habe mich sicherlich nie daran gemacht, eines zu schreiben, entweder um zwei „Themen“ miteinander zu verbinden oder aus irgendeinem anderen Grund.