Wie man Musik auf natürlichere Weise miteinander verbindet - Komposition

Wenn Sie sich Ihr Stück anhören, gibt es eine Reihe grundlegender Probleme, die sofort auffallen und beachtet werden sollten, bevor Sie sich auf den Übergang / die Modulation von einer Tonart / Phrase / einem Abschnitt zur nächsten konzentrieren. Obwohl dies alles ziemlich subjektiv ist, gibt es bestimmte konventionelle Richtlinien, die Sie befolgen können, damit Ihre Musik besser oder, wie Sie es ausdrücken, natürlicher klingt. Als Anfänger würde ich mir die Zeit nehmen, die folgenden Konzepte zu untersuchen.

1. Taktart – das darunter liegende Tamburin (und Kick/Snare?) scheinen schmerzlich asynchron mit dem Rest der Komposition zu sein. Damit Ihre Musik „zusammen“ klingt, sollte es idealerweise einen Kernpuls oder -rhythmus geben , dem alles folgt. Sobald Sie dies verstanden haben, können Sie damit beginnen, verschiedene Zeilen zu synkopieren .
2. Tonart - obwohl ich keine Dissonanz feststelle, klingt es in meinen Ohren nicht so, als hätten Sie explizit eine Tonart zum Arbeiten ausgewählt, sondern dass Sie nur Noten auswählen, die zusammen in Ordnung klingen. Konzentrieren Sie sich in ähnlicher Weise darauf, eine solide Akkordfolge aufzubauen, und bleiben Sie dabei.
3. Geschäftigkeit – es klingt, als hätten Sie versucht, so viel in die Komposition hineinzustopfen, dass es am Ende nur ein Durcheinander konkurrierender Klänge und Melodien ist, dh Spaghetti. Versuchen Sie, klein anzufangen, indem Sie zum Beispiel ein Stück für ein Quartett komponieren und arrangieren, oder vielleicht mit einem Klavier, einem Cello und einer Violine, die jeweils ein Akkordbett, eine Grundlinie und eine Melodie liefern könnten.
4. Mangel an Dynamik – damit ein Musikstück interessant und abwechslungsreich klingt (wiederum subjektiv), sollte es idealerweise Momente der Ruhe haben, um die Momente der Lautstärke zu kontrastieren und auszugleichen. Dies wird allgemein als Dynamik bezeichnet. Versuchen Sie, sich darauf zu konzentrieren, etwas „Raum“ in Ihre Arbeit zu bringen, anstatt von Anfang an für Leder zu sorgen.
5. Klangqualität – dies hat sowohl mit der Qualität Ihrer Klänge als auch mit der Klangfarbe und dem Charakter jedes einzelnen Instruments zu tun . Für realistischere Sounds, die kostenlos sind, googeln Sie "Sonatina" und "DSK Overture" (meine niedrige Wiederholung verbietet zu viele Links).

Kurz gesagt, verlangsamen Sie sich und hören Sie sich viele der Arten von Musik an, die Sie machen möchten. Die Erweiterung Ihres Hörmaterials ist eine sehr gesunde Sache und hilft, Ihr Gehör zu trainieren. Sie können viel lernen, indem Sie einfach andere Werke anhören und sezieren.

Hoffe das hilft, viel Glück.

Das ist eine große Frage, die besser qualifizierte Leute als ich in Bezug auf die Besonderheiten der Orchestrierung beantworten können. Ich vermute, die vollständige Antwort würde mehrere Jahrzehnte des Studiums an einem führenden Konservatorium erfordern!

Allerdings gibt es eine (IMHO) ausgezeichnete Darstellung genau dieses Themas im kürzlich erschienenen Song Exploder-Podcast über Harry Gregson-Williams' Musik für den Film The Martian unter http://songexploder.net/the-martian - ich würde vorschlagen, dass der Abschnitt wo er über die Verwendung des Waldhorns spricht, um in die neue Tonart Bb überzugehen, ist genau das, wonach Sie suchen. Die ganze Folge und der Podcast „Song Exploder“ sind hervorragende Denkanstöße für Komponisten, Arrangeure und alle Musiker, die daran interessiert sind, wie Songs und Partituren funktionieren.