Tonale Harmonie: Kontrapunkt des 18. Jahrhunderts vs. zugängliche zeitgenössische Harmonie und Komposition

Aber was ist mit moderner tonaler Musik? Ich habe auf meinem Klavier mit Akkordfolgen herumgespielt, die all diese "Regeln" brechen, und wenn Sie mir verzeihen, dass ich das Risiko eingegangen bin, übermütig zu klingen, ich klinge fantastisch!

Ich behaupte, Sie tun es! Während Sie diese Regeln brechen, befolgen Sie wahrscheinlich neuere. Im Laufe der Zeit werden immer mehr Stile erfunden, präsentiert und verfeinert, was zu neuen Regeln führt, die Teil des musikalischen Vokabulars der Menschen werden ... und es gibt immer weniger Dinge, die "falsch" klingen.

Leider werden im Musiktheorieunterricht die Regeln neuerer Stilrichtungen oft nicht mit so viel Enthusiasmus präsentiert wie die älteren, was den Eindruck erwecken kann, dass es in der älteren Musik nur darum geht, Regeln zu befolgen, und in der neueren Musik darum, sie zu brechen, was nicht der Fall ist wirklich der Fall.

Genauer gesagt war die gleichschwebende Stimmung eine ziemlich wichtige Neuerung, da sie es ermöglicht, dass mehr Arten harmonischer Beziehungen funktionieren.

Außerdem, woher weiß ich, ob eine bestimmte musikalische Idee (dh eine Melodie und ihre begleitende Harmonie) funktioniert, wenn ich die Musik einfach notieren würde, ohne sie zuerst auf meinem Klavier zu zupfen?

• Überlegen Sie, wer Ihr Zuhörer ist
• Erarbeiten Sie alle möglichen „Regelsätze“, die ein bestimmter Zuhörer als „etwas, das funktioniert“ akzeptiert.
• Überlege dann, ob diese Melodie und Harmonie einem dieser Regelwerke folgen.

Das mag ziemlich oberflächlich klingen, aber so viel Musik dreht sich um Erwartungen – richten Sie irgendein Muster ein, das die Erkundung eines Raums innerhalb einer bestimmten Reihe von Einschränkungen erlaubt, und Sie werden wahrscheinlich feststellen, dass einige Leute feststellen werden, dass es „funktioniert“. , subjektiv.

Zunächst einmal verstehen Sie die Dinge, die Sie ansprechen, nicht ganz. Parallele Quinten und Oktaven sahen auf den Kontrapunkt herab, nicht weil sie schlecht klingen, sondern weil Sie beim Kontrapunkt wollen, dass alle Ihre Melodien unabhängig sind, und parallele Oktaven und Quinten Ihre Melodien voneinander abhängig machen. Die dominante Septime wurde aufgrund des Tritonus populär und der Kontrast in Konsonanz und Dissonanz machte sie zu einem sehr mächtigen Werkzeug für Komponisten. Diese Grenze von Konsonanz und Dissonanz im Laufe der Zeit kann sogar die sein, die, wenn man dem Weg der Musikgeschichte genügend folgt, zur Emanzipation der Dissonanz führt, die so ziemlich der Status atonaler Ideen ist.

Es gibt keine "eine Theorie" zur Musik, es gibt viele, wenn nicht unendliche Ansätze zum Komponieren und Analysieren von Musik. Die gemeinsame Übungszeit ist jedoch typischerweise der grundlegende Ausgangspunkt jedes Musiktheorieunterrichts, da die Wurzeln eines Großteils der heutigen Musik in dieser und funktionalen Harmonie liegen. Sie können immer Gegenbeispiele finden, aber die meisten Songs, die Sie sich ansehen, enthalten zumindest einen Hauch von funktionaler Harmonie. Das bedeutet nicht, dass funktionale Harmonie das Einzige ist, was wieder funktionieren wird. Es gibt viele Theorien und Stile da draußen, die Sie auseinander nehmen können, einige mögen Sie vielleicht und andere nicht, aber sie alle haben etwas zum Komponieren zu bieten.

Außerdem, woher weiß ich, ob eine bestimmte musikalische Idee (z. B. eine Melodie und ihre begleitende Harmonie) funktioniert, wenn ich die Musik einfach notieren würde, ohne sie zuerst auf meinem Klavier zu zupfen?

Hier geht es nicht darum, eine Melodie und Begleitung zu komponieren. Jede Theorie, die Sie studieren, gibt Ihnen eine Vorstellung davon, wie man eine Melodie harmonisiert und welche Melodien funktionieren und welche nicht. Wenn Sie sich einfach an die funktionale Harmonie halten, können Sie jedes Dur nur mit den Primärakkorden harmonisieren, und mit etwas fortgeschritteneren Kenntnissen der funktionalen Harmonie und der Verwendung von geliehenen Akkorden, neapolitanischen Akkorden und erweiterten Akkorden können Sie so ziemlich jede Art von Melodie harmonisieren.

Das Problem ist, dass dies zwar in Ordnung klingt, aber nicht bedeutet, was am besten funktioniert oder was Sie als Komponist anstreben . Dies ist wichtig und hindert normalerweise unerfahrene Komponisten daran, wirklich voranzukommen. Sie müssen wissen, wie etwas klingt und wie Sie es als kompositorisches Werkzeug einsetzen können. Die Gehörbildung sollte Ihnen eine grundlegende Vorstellung davon vermitteln, wie Sie notieren, was Sie hören, und hören, was notiert wird, aber auch hier gibt es viel zu tun, und je mehr Sie lernen, desto besser werden Sie.

Alle obigen Antworten sind richtig. Wir können hier verallgemeinern: Die Regeln, was in der Musik erlaubt ist, entwickeln sich sowohl in Kulturen als auch in Individuen. Bach ist schön in sich und wegen dem, was ihm nicht erlaubt ist, und Patti Smith auch.

Sie können Ihre eigenen Regeln aufstellen. Aber es gibt keine Garantie, dass sie für alle oder irgendjemanden funktionieren. Wenn Sie versuchen, ohne Regeln zu schreiben, werden Sie das bekommen, was die meisten Leute für am Rande der Musik oder überhaupt nicht für Musik halten:

„Und woher weiß ich außerdem, ob eine bestimmte musikalische Idee (zB eine Melodie und ihre begleitende Harmonie) funktioniert, wenn ich die Musik einfach notieren würde, ohne sie vorher auf meinem Klavier zu zupfen?“

Du kultivierst dein „inneres Ohr“. Eine unverzichtbare Einrichtung für jeden Komponisten, Arrangeur usw.

Bevor es Common Practice Harmony gab, gab es Organum. NICHT parallele Quinten zu verwenden, hätte "die Regeln gebrochen"!

Studenten machen sich viel zu viele Gedanken über "Regeln". Sie sind nützlich, bis Sie aufgrund Ihrer Ohren und Erfahrung selbst beurteilen können, ob eine bestimmte Tonwahl Ihre Musik schwächt oder verstärkt. Können Sie hören, warum eine parallele Quint den Reichtum der SATB-Harmonie im Bach-Stil schwächt? Dann gehen Sie zu IMSLP und graben Sie "Petites Litanies de Jesus" von Gabriel Grovlez aus und tauchen Sie ein in sie! Beachten Sie aber auch, wie er viele der alten "Regeln" bezüglich Stimmführung und harmonischer Dichte befolgt.

In jedem Musikstück muss etwas sein, das bis in unsere Zeit überlebt hat, damit es frisch, inspiriert und es wert ist, im Repertoire aufbewahrt zu werden. Eine ziemliche Vorliebe für barocke und vorbarocke Stile zu haben, schließt keine seltsame und schrecklich begrenzte Modeerscheinung ein, vier miteinander verbundene Konzerte von einem Antonio Vivaldi aufzunehmen und seine „anderen“ Kompositionen offensichtlich zu ignorieren. Wir können neue Musik schreiben oder versuchen zu schreiben, aber was den Überlebensfaktor betrifft, bin ich mir nicht so sicher. Die Sache ist subjektiv. Die Geschmäcker änderten sich und eine Zeit lang begrüßte es andere Komponisten, geliehenes Material in ihre eigene Arbeit als Norm aufzunehmen. Heute würde es unter die Überschrift Plagiat fallen. Wie beim Schreiben einer Abschlussarbeit und beim Kopieren und Einfügen der Arbeit eines anderen. Ach je!

Antwort 1 - Kultur, Tradition, Ästhetik. Musikwissenschaftler werden Ihnen sagen, dass die von Ihnen erwähnten Regeln der Harmonie und des Kontrapunkts ein spezifisches Produkt von Zeit, Ort und Kultur sind. Sie kommen zu uns durch einige sehr besondere westliche Traditionen des Musizierens. Einige wurden anderen vorgezogen, weil sie besser klangen, oder sie wurden auf allgemein anerkannte Weise verbreitet. Wenn Sie einen Blick auf die Überbleibsel einiger europäischer Volks- und Madrigaltraditionen werfen, werden Sie alternative „Regeln“ für das Musizieren mit unterschiedlicher Ästhetik finden. Verrückte Vierteltonstimmungen und freche Synkopen. Sie werden feststellen, dass diese Vielfalt auf der ganzen Welt repliziert wird.

Antwort 2 – Wenn Sie etwas über die Geschichte klassischer No-Nos gelernt haben, haben Sie von der Vermeidung des „Teufelstritonus“ und der Verwendung enger Harmonien gehört, um die sogenannten „Wolf Keys“ zu vermeiden. Diese Konventionen entstanden nicht aufgrund eines inhärenten musikalischen Fehlers, sondern aufgrund der physikalischen Einschränkungen historischer Instrumente. Sie waren schwer in Einklang zu bringen und schwer in Einklang zu halten. Wenn Sie Harmonien schreiben würden, die über das hinausgehen, was die grundlegende harmonische Sequenz der Physik bietet, würde es einfach chaotisch klingen. Aber mit modernen Instrumenten können Sie auf so viele weitere atmosphärische Elemente zurückgreifen und das, was einst als ungeordnet galt, mit großer Wirkung nutzen.

Antwort 3 - Mein Mann und ich haben an einem Musikinstitut eine Ausbildung zum Komponisten absolviert. Die Kunst, in der Lage zu sein, zu hören und in Ihrer Vorstellung zu behalten, was Sie zu Papier bringen werden, kommt mit Übung. Versuchen Sie es umgekehrt: Üben Sie das Notenlesen. Hören Sie sich die Aufnahmen an und folgen Sie den Teilen. Probieren Sie es mit kleinen Ensembles und großen Orchestern aus. Sehen Sie dann, ob Sie sich bis zur Transkription dessen, was Sie in einer Aufnahme hören, hocharbeiten können. Dies war eine regelmäßige Übung in unseren Klassen, die zunehmend komplizierter wurde. Mit der Zeit wird Ihre auditive Vorstellungskraft besser mit Ihrer Schreibfähigkeit in Einklang gebracht. Mit der Zeit werden Sie in der Lage sein, eine Partitur einfach zu lesen und sie in Ihrem Kopf zu hören (so wie Sie Wörter hören würden, wenn Sie ein Buch lesen), und Sie werden auch Ihre Ideen hören und im Kopf entwickeln, bevor Sie sie aufschreiben.

Wir üben das unser ganzes Leben lang mit Worten, aber nicht mit Tönen und Bildern, und staunen dann, wenn andere so tun, als wäre es eine Art Zauberei! Es ist nur ein weiterer Teil deines Gehirns, der darauf wartet, erwachsen zu werden.

PS: Ich freue mich zu hören, dass Sie mit musikalischen Ideen experimentieren, deren Klang Ihnen gefällt. :)