Warum haben Melodien Harmonien?

Ihre Frage ist etwas zu offen, um vollständig beantwortet zu werden, und alle Kommentare, die gemacht wurden, geben Ihnen bereits nützliche Hinweise.

Einfach gesagt: Ihr Gehör ist durch das, was Sie über die Jahre gehört haben, geschult. Wenn Sie ein paar Noten hören, wird Ihr Gehirn einen Sinn daraus machen wollen, sich wieder auf die Beine fallen lassen, genauso wie Sie ein paar Punkte und Linien auf einem Blatt Papier verstehen, die eine Form hervorrufen, mit der Sie vertraut sind . Sie werden wahrscheinlich ein paar Tonleitern hören, die Sie immer wieder gehört haben und die zu den wenigen von Ihnen gespielten Noten passen könnten: Sie verbinden im Wesentlichen die Punkte, indem Sie Tonleitern finden, die (die meisten) dieser gespielten Noten gemeinsam haben.

Nun gehören Akkordfolgen zu diesen Tonleitern, die implizit oder explizit die gespielten Noten enthalten, und diese Akkordfolge wird wahrscheinlich "richtig" klingen, "sinnvoll" sein, einige mehr als andere, je nachdem, wo (Sie denken) die Melodie geht und wie sich jeder Akkord in den nächsten auflöst.

Diese Harmonien sind im Wesentlichen Ihre Interpretation der Melodie, die einigen Musikregeln gehorcht, an die Sie gewöhnt sind.

Jetzt werden viele wichtige Schritte in der Musikgeschichte gemacht, wenn Komponisten das Komfortniveau ihrer Gesellschaft erweitern und neue Harmonien einführen, die für ihre Kollegen keinen "Sinn" ergeben, aber nach und nach ihren Weg in den Verstand/Geschmack/das Unterbewusstsein der Menschen finden, bis sie zu Harmonien werden breiter akzeptiert. Viele der Harmonien, die heute nach dem Standard der meisten Menschen offensichtlich gut zu einer Melodie passen, machten vor ein paar Jahrhunderten nicht unbedingt so viel Sinn.

Je nachdem, welchen Stil Sie bevorzugen, Klassik, Jazz usw., gibt es großartige Bücher und Kurse, die Ihnen helfen, mehr über die Harmonien zu erfahren, die gut zur Melodie für einen bestimmten Stil passen. Eine edle Suche ...

Ein Teil davon kann durch die Idee der Funktion beantwortet werden. Innerhalb der westlichen Musiktradition erfüllen Akkorde eine Funktion, dh sie spielen eine Rolle. Der bekannteste Begriff aus diesem Denkprozess ist die Dominant-Funktion, die auf dem V der Tonart aufgebaut ist. Der Dominant-Akkord wird so genannt, weil er die größte Spannung und den größten Wunsch hat, sich wieder in den Tonic- oder I-Akkord aufzulösen. Es ist insofern dominant, als es aufgelöst werden will und daher die harmonische Progression dominiert. Die IV ist als Pre-Dominant bekannt und wird häufig verwendet, um den Dominant-Akkord einzurichten. Als Beispiel habe ich | IV | V. | ich | ist sehr verbreitet, oder ich | vi | IV | V. | Alle Akkorde haben einen funktionalen Namen und unterschiedliche Verwendungen (wie Pre-Dominant nicht ausschließlich vor Dominant gespielt wird), aber das ist, wie andere vorgeschlagen haben, eine ziemlich lange Diskussion.

Eine interessante Tatsache, die weniger bekannt zu sein scheint oder über die weniger nachgedacht zu sein scheint, könnte einige Ihrer Fragen ebenfalls beantworten. Es ist allgemein bekannt, dass es innerhalb einer bestimmten Tonart 3 Dur-Akkorde gibt, aber die Leute erkennen nicht immer, dass alle 7 Noten der Tonleiter mit mindestens einem dieser 3 Akkorde harmonisiert werden können. Aus diesem Grund kann jede diatonische Melodie (innerhalb der Tonleiter) mit einer Kombination aus I-, IV- und V-Akkorden harmonisiert werden. Wenn Sie dem Mix Funktion hinzufügen, werden die Akkordauswahlen offensichtlicher. Wenn zum Beispiel Noten innerhalb der Melodie dissonant sind, haben Sie wahrscheinlich den Dominant-Akkord.

Wie andere in ihren Antworten angedeutet haben, spielen Tradition und kulturelle Tendenzen eine sehr große Rolle. Als sich die Tradition weiterentwickelte, begannen die Menschen, mit den „Regeln“ der Funktion zu spielen. Komponisten hätten nicht-diatonische Melodien (bestehend aus Noten außerhalb der Tonleiter), was nicht-diatonische Harmonien erfordern würde. Modal Mixture/Borrowing macht Spaß und wird weiterhin von scheinbar allen Erweiterungen/Genres westlicher Musik verwendet. Modal Mixture/Borrowing besteht aus dem „Ausleihen“ eines Akkords und/oder einer melodischen Note aus einer Paralleltonart (in A-Dur könnten Sie einen Akkord aus a-Moll ausleihen). Der Blues ist auch ein gutes Beispiel. Der Blues basiert auf dominanten 7-Akkorden. Die Verwendung aller dominanten 7-Akkorde spielt mit der Idee der Funktion. Anstatt dass die Dominante 7 die funktionale Dominante ist, ist es die harmonische Textur. Die Rolle der Dominante wird immer noch vom V7 erfüllt, aber die I7 und IV7 sind nicht funktional dominant, da sie nicht den gleichen Wunsch haben, sich zum Tonikum (dem I-Akkord) aufzulösen. Mit der Funktion von V wird weiter gespielt, indem die Dominante „betont“ wird. In der Standard-Blues-Progression folgt auf den ersten V-Akkord ein IV-Akkord, wodurch seine Funktion geleugnet wird. Erst im Turnaround, dem letzten Takt, taucht das V wieder auf und erfüllt dann seine Funktion als Dominant, um die Progression wieder an den Anfang zu bringen. (Entschuldigung für die erweiterten Beispiele, aber ich denke, sie helfen, den Punkt zu veranschaulichen.) In der Standard-Blues-Progression folgt auf den ersten V-Akkord ein IV-Akkord, wodurch seine Funktion geleugnet wird. Erst im Turnaround, dem letzten Takt, taucht das V wieder auf und erfüllt dann seine Funktion als Dominant, um die Progression wieder an den Anfang zu bringen. (Entschuldigung für die erweiterten Beispiele, aber ich denke, sie helfen, den Punkt zu veranschaulichen.) In der Standard-Blues-Progression folgt auf den ersten V-Akkord ein IV-Akkord, wodurch seine Funktion geleugnet wird. Erst im Turnaround, dem letzten Takt, taucht das V wieder auf und erfüllt dann seine Funktion als Dominant, um die Progression wieder an den Anfang zu bringen. (Entschuldigung für die erweiterten Beispiele, aber ich denke, sie helfen, den Punkt zu veranschaulichen.)

Diese kulturellen Tendenzen, wie zum Beispiel der Blues, führen uns also zu dem Gefühl, dass bestimmte Akkordfolgen offensichtlich oder die „richtige“ Wahl sind. Wenn Sie jemandem, der bis 1750 nur klassische Musik gehört hatte, eine Blues-Melodie geben würden, hätte er nicht die kulturelle Erfahrung, um zu wissen, welche Akkorde dies begleiten würden. Jazzmusiker verwenden den ii-Akkord als Vordominante. Abgesehen von den Unterschieden in der harmonischen Sprache würde dies bedeuten, dass die „offensichtliche“ Wahl des klassischen Komponisten in 99% der Fälle anders sein wird als die des Jazzkomponisten, nur basierend auf der kulturellen Norm. Typen wie Thelonious Monk (Jazz) und Claude Debussy (Klassik in der Romantik) sind großartige Beispiele dafür, wie man Melodien auf unerwartete Weise harmonisiert.

Es gibt eine Art wissenschaftliche Erklärung, aber ich glaube nicht, dass es eine offizielle Theorie an sich gibt. Mathematisch bestimmt die Frequenz die Tonhöhe, und wenn zwei Tonhöhen gleichzeitig gespielt werden, kann ihre Konsonanz/Dissonanz (Spannung) als Verhältnis gemessen werden. Unisono ist das konsonanteste 1:1, mit der nächsten Oktave 2:1, dann die Quinte 3:2 und so weiter. Der Dur-Akkord wird als konsonanter wahrgenommen als Moll, was oft mit fröhlich/traurig übersetzt wird, weil er konsonanter ist, was mathematisch bewiesen werden kann. Tonleitern und damit Tonarten sind mathematisch bestimmbar und natürlich vorkommend. Sie werden durch die harmonischen Obertöne bestimmt, die von einer einzelnen Note erzeugt werden, die ich nicht zu definieren versuche, da ich bereits eine ziemlich lange Antwort gebe. Trotzdem kommen Tonleitern natürlich vor und durchdringen alle Formen melodischer Musik,

Dieser nächste Teil ist eher eine Vermutung, da ich nicht in Psychologie oder Neurowissenschaften studiert habe. Ich glaube, dass unser Gehirn, sobald ein Ton festgelegt ist, diesen als Heimatbasis interpretiert und alles andere damit verglichen wird, was ihm ein Gefühl von Übereinstimmung oder Dissonanz verleiht. Je weiter von der Heimatbasis entfernt, desto dissonanter klingt es, selbst wenn Sie einen konsonanten Akkord spielen. Der Dominant-Dreiklang besteht nur aus Noten, die nicht in der Tonika enthalten sind, wodurch er den größten Wunsch hat, sich wieder in die Tonika aufzulösen. Die Dominante enthält auch den sogenannten Leading Tone, den 7. Grad der Tonleiter. Es liegt einen halben Schritt unter dem Grundton des Tonikums und ist nach diesem Denkprozess die dissonanteste Note in der Tonleiter. (Falls es zu Verwirrung kommt: „weiter entfernt“ zu sein, wie ich es beschrieben habe, bedeutet nicht, von einer Note entfernt zu sein.

Wir kombinieren also kulturelle Tendenzen und Konditionierungen mit Sätzen von Frequenzverhältnissen, die Konsonanz vs. Dissonanz entsprechen, und möglicherweise meine Vermutung über die Interpretation unseres Gehirns, in einer Tonart zu sein, und bis zu einem gewissen Grad können Sie sehen, warum es „richtige“ oder „offensichtliche“ Entscheidungen gibt für eine vorgegebene Melodie. Kulturelle Exposition führt zu melodischen Tendenzen, die durch die gleiche Exposition scheinbar „korrekte“ Harmonisierungen aufweisen. Selbst wenn Sie also auf nicht-diatonische Melodien kommen, was bedeutet, dass sie nicht natürlich vorkommen, ist dies wahrscheinlich auf kulturelle Konditionierung zurückzuführen, die Ihnen auch ein Mittel zur Harmonisierung an die Hand gegeben hat.

Als Komponist versuche ich immer, mich vom Offensichtlichen zu lösen.

Eine Untersuchung der Geschichte der westlichen Musik könnte hier hilfreich sein. Im Gegensatz zu dem, was Sie vielleicht erwarten, kam Polyphonie oder mehrere unabhängige Melodien, die gleichzeitig erklingen, vor Homophonie oder Melodie mit Harmonien/Akkorden. Die ersten Beispiele westlicher Musik waren nur einstimmige Melodien – denken Sie an gregorianische Gesänge. Da jede Oktave die gleichen Tonhöhen hatte und es sinnvoll war, auf der gleichen Tonhöhe zu enden, auf der Sie begonnen haben, wurde die Oktave auf verschiedene Weise unterteilt und bildete Modi. Aus psychologischen Gründen klang es für Noten besser, sich zu benachbarten Noten zu bewegen, als die ganze Zeit über große Intervalle zu springen. Nach einer Weile fanden die Leute heraus, dass das Erklingen des Grundtons als "Drone" alles ein bisschen interessanter machte, aufgrund des (expliziten) Auftretens von Intervallen. Einige der Intervalle waren dissonant (instabil), während andere konsonant (stabil) waren, und wiederum aus psychologischen Gründen wollte das menschliche Ohr hören, wie sich die Dissonanzen in Konsonanzen auflösen. Schließlich wurde polyphones Stimmen häufiger; Die interessante Beziehung zwischen konsonanten und dissonanten Intervallen wurde noch untersucht, aber jetzt begann sich die Bordunstimme (zusammen mit möglicherweise mehreren anderen) unabhängig zu bewegen. Ungefähr (oder nach) der Barockzeit bemerkten die Menschen das Wiederauftreten bestimmter vertikaler Notenmuster, die oft für rhetorische Effekte (Kadenzen usw.) verwendet wurden. Diese Muster wurden zu "Akkorden" verdichtet, und so entstand die homophone Musik. Die interessante Beziehung zwischen konsonanten und dissonanten Intervallen wurde noch untersucht, aber jetzt begann sich die Bordunstimme (zusammen mit möglicherweise mehreren anderen) unabhängig zu bewegen. Ungefähr (oder nach) der Barockzeit bemerkten die Menschen das Wiederauftreten bestimmter vertikaler Notenmuster, die oft für rhetorische Effekte (Kadenzen usw.) verwendet wurden. Diese Muster wurden zu "Akkorden" verdichtet, und so entstand die homophone Musik. Die interessante Beziehung zwischen konsonanten und dissonanten Intervallen wurde noch untersucht, aber jetzt begann sich die Bordunstimme (zusammen mit möglicherweise mehreren anderen) unabhängig zu bewegen. Ungefähr (oder nach) der Barockzeit bemerkten die Menschen das Wiederauftreten bestimmter vertikaler Notenmuster, die oft für rhetorische Effekte (Kadenzen usw.) verwendet wurden. Diese Muster wurden zu "Akkorden" verdichtet, und so entstand die homophone Musik.

Wenn wir heute Melodien schreiben, denken wir in Begriffen von Harmonie, weil es eine einfache und nützliche Abstraktion ist, die wir über den rohen Bausteinen von Modi und Intervallen aufgebaut haben. Akkordfolgen "funktionieren einfach", und Sie können sie mit großer emotionaler Wirkung einsetzen, ohne zu viel zusätzliche Arbeit zu leisten. Das ist nicht bei allen Musikgenres der Fall; Jazzmusiker beispielsweise arbeiten oft direkt mit konsonanten/dissonanten Intervallen und überlassen es anderen, die "Akkorde" nachträglich herauszufinden. (Daher die verrückten Akkordnamen.)

Schauen wir uns ein Beispiel für eine Akkordfolge an: I-IV-VI, die Grundzüge vieler Melodien. Der I-Akkord besteht aus zwei Intervallen, einer großen und einer kleinen Terz (CE und EG). Beachten Sie, dass diese Intervalle nicht immer als stabil galten, aber irgendwann in der Renaissance (oder früher) änderte sich diese Wahrnehmung. Von der oberen Moll-Terz brauchen Sie nur einen Halbton und einen Ganzton zu bewegen, um zu einer Anordnung aus einer perfekten Quarte (einem sehr stabilen Intervall) und einer weiteren großen Terz (CF und FA) zu gelangen. Gehen Sie von dort aus einfach einen Halbton nach unten für die unterste Note und einen weiteren Ganzton nach oben für die beiden oberen Noten, um ein Arrangement einer großen Sexte und einer weiteren großen Terz (BG und GB) zu erhalten. Allerdings ist der Grundton noch im Ohr des Zuhörers, sodass man neben der konsonanten reinen Quinte (CG) auch die dissonante Moll-Sekunde (BC) bekommt. Wenn du dich verrückt fühlst,muss lösen (BF)! Schließlich bewegen wir uns von dort aus ein paar Schritte weiter und sind wieder bei unserem ursprünglichen Akkord CEG. Dieses System ermöglicht es uns, a) in halben oder ganzen Schritten b) zwischen konsonanten und dissonanten Intervallen zu wechseln und c) ein Muster zu schaffen, durch das wir irgendwo anfangen, woanders hingehen und wieder dort landen, wo wir angefangen haben. Könnten wir ein anderes System verwenden? Sicher, wir könnten mit CF-Bb oder so etwas für einen Akkord beginnen, der aus einem anderen Satz stabiler Intervalle in einem anderen Modus besteht, aber dies würde das Erstellen vieler neuer Akkorde und im Allgemeinen ziemliches Nachdenken erfordern.

So jedenfalls verstehe ich das als Laie.

Ihre 4 oder 5 Fragen reichen aus, um Sie ein paar Leben lang zu beschäftigen, und es sind Fragen, die Sie im Studium der Harmonielehre (langes Studium), der Musikgeschichte (lange Geschichte) und Duh, Neurowissenschaften und Mathematik (noch längere Studien) finden werden ), von denen ich nichts weiß, da ich Musiker und kein Wissenschaftler bin.

Was versuchst du zu erreichen? Harmonie aus wissenschaftlicher Sicht zu verstehen, ist nicht dasselbe wie sie aus dem traditionellen Studium der Harmonie zu verstehen, das an einem Konservatorium gelehrt wird. Man könnte sagen, dass letzteres Studium die Wissenschaft des Musikers ist. Werfen Sie einen Blick auf Bücher wie Jean Philippe Rameaus „Treatise on Harmony“, um ein Beispiel eines Musikers zu sehen, der so wissenschaftlich war, wie es ein Musiker nur sein könnte, während er immer noch ein Musiker blieb. Auch noch früher wichtige Theoretiker, wie Thomas Morley oder noch früher, wie Gioseffo Zarlino.

In der Musik muss man auch viel mit den Ohren arbeiten, nicht nur mit dem Verstand. In der Wissenschaft verwendet man keine Ohren, denn Musik ist in erster Linie das Reich der Musiker. Die Wissenschaft lehrt einem Musiker größtenteils nichts über Musik, was er wirklich wissen müsste. Zum Beispiel schrieben Komponisten während der Renaissance einen Dur-Dreiklang am Ende eines Stücks in einer Moll-Tonart. Sie sagten, die große Terz sei "perfekter" als eine kleine Terz. Dies wurde als "Picardie-Drittel" bezeichnet.

Wenn die Wissenschaft Ihnen sagen müsste, warum sie eine große Terz anstelle einer kleinen geschrieben haben, bezweifle ich, dass sie es könnten. Aber die Musikerin konnte „fühlen“, warum. Das Studium der Musik, wie es von ernsthaften Musikern betrieben wird, ist wissenschaftlich genug, dh lang genug, um jeden von ihnen dazu zu bringen, nach Antworten in den Neurowissenschaften zu suchen. Es ist wie bei einem Rennfahrer, der gelernt hat, Rennen zu fahren und einen Automotor zu zerlegen, der Rennen fahren und gewinnen will. Würde er gleichzeitig lernen, in den Weltraum zu fliegen? Das bezweifle ich. Für ihn ist das nicht relevant, da er auf der Rennstrecke nach Ergebnissen sucht und nicht im Weltall. Ich glaube, ein Musiker ist sehr ähnlich.

Es hängt also davon ab, was Sie zu tun versuchen und wer Sie sind: Musiker oder Wissenschaftler?