Ich bin ein intuitiver Musikkomponist, der versucht, sich zu einem technischen Musikkomponisten zu entwickeln. Als Dummy sehe ich Musik als eine Komposition von „Stücken“ (mein Wort). Jedes Stück ist eine Reihe von Noten, die melodisch sind, wenn sie in einer bestimmten Reihenfolge und in bestimmten Intervallen gespielt werden. Da die Musik sehr langweilig wäre, wenn sie aus einem einzigen Stück bestehen würde, das sich immer wieder wiederholt, müssen Sie mehrere Stücke komponieren und sie zusammenfügen, um ein angenehmes Lied zu erzeugen.
Als intuitiver Komponist schaffe ich es, mehrere melodische Stücke zu arrangieren, aber mir fehlt die Fähigkeit, andere Stücke zu komponieren, die mit dem ersten melodisch/harmonisch sind, so dass das Ganze ein Lied ergibt.
Ich bin mir ziemlich sicher, dass es viel Theorie braucht, um Kombinationen zu finden, die melodisch/harmonisch sind. Es muss eine Möglichkeit geben zu sagen, dass wahrscheinlich 3 verschiedene Akkorde Musik bilden. Dass bei 2 Akkorden der dritte X sein muss und so weiter.
Die Frage ist: Was muss ich lernen?
Ich bin mir ziemlich sicher, dass es etwas mit Harmonie zu tun hat, aber ich würde wirklich gerne wissen, was genau in Harmonie meine Fragen beantworten würde.
Vielen Dank
Sie stellen eine enorm tiefgründige Frage, die ganze Materialbücher umfassen könnte (und tut). Ich werde versuchen, das Nötigste für jetzt zusammenzufassen, und ich werde später darauf eingehen.
Mein Lehrer hat mir gesagt, dass Joe Pass das gesagt hat, obwohl ich sicher bin, dass es wahrscheinlich ein falsches Zitat ist.
Die Stimmung stimmt jedoch. Es gibt im Wesentlichen zwei Arten von Akkorden, zwei Arten von Harmonien: diejenigen, die Spannung erzeugen, und diejenigen, die sie lösen . V-Akkorde und alle Akkorde, die funktionell V-Akkorden entsprechen, erzeugen Spannung. I Akkorde (und ihre Äquivalente) geben es frei. Das ist die umfassendste Idee, die Sie über Harmonie verstehen sollten und wie Melodien damit interagieren.
Die mit Abstand häufigste Akkordfolge in der westlichen Musik ist die IVI. Es ist so üblich, dass es oft kitschig oder abgedroschen klingt; es ist Klischee. Aber es ist auch das grundlegendste. Der I-Akkord stellt ein Tonzentrum her, der V-Akkord erzeugt Spannung, der I-Akkord löst sie. Alle anderen Akkordtypen sind diesen beiden auf die eine oder andere Weise funktional äquivalent. IV-Akkorde zum Beispiel sind funktionell äquivalent zu V-Akkorden und können als Einleitung zu einem V-Akkord verwendet werden, wie in der äußerst verbreiteten I-IV-V-Folge. Dito ii-Akkorde, wie in der Standardfolge ii-VI im Jazz.
Ich sollte die Zahlen erklären. Wir verwenden römische Zahlen, um die verschiedenen Akkorde in einer bestimmten Tonart zu bezeichnen. Wir verwenden Zahlen anstelle der Notennamen für die Akkorde, da die Zahlen relativ zur Tonart sind und nicht auf einem bestimmten Grundton basieren und daher unabhängig von der Tonart denselben funktionalen Zweck erfüllen. Mit anderen Worten, in Die Tonart C, der V-Akkord (der G7 ist) dient demselben funktionalen Zweck wie der V-Akkord in der Tonart E (in E ist der V-Akkord B7).
Okay, wie kommen die Zahlen zustande? Beginnen Sie damit, eine Dur-Tonleiter zu schreiben; Zur Veranschaulichung verwende ich die C-Dur-Tonleiter. Seine Notizen sind:
CDEFGABC
Weisen Sie jeder Note Nummern zu, beginnend mit 1, und Sie erhalten, dass C 1 ist, D 2 ist, E 3 ist usw.
Bauen Sie nun auf jeder Note einen Akkord, indem Sie Terzen stapeln. Um beispielsweise einen Akkord auf C aufzubauen, baust du ein C, ein E und ein G (und im Jazz eine vierte Note: B). Diese Töne – C, E, G, H – bilden den I-Akkord, der so genannt wird, weil sein Grundton der erste Ton der C-Dur-Tonleiter ist.
Für die zweite Note, D, ist der Akkord D, F, A, C, und diese Noten bilden daher den ii-Akkord. Wiederholen Sie dies für jede Note in der Tonleiter, und Sie erhalten die folgenden Akkorde:
Sie werden feststellen, dass einige Akkorde römische Ziffern in Großbuchstaben und andere in Kleinbuchstaben verwenden. Die Großbuchstaben-Akkorde enthalten Dur-Dreiklänge (z. B. C, E, G) und die Kleinbuchstaben-Akkorde basieren auf Moll-Dreiklängen (z. B. A, C, E).
Das Tolle am Zahlensystem ist, dass die Akkorde immer gleich sind, egal in welcher Tonart Sie sich befinden . Dies ist kein magischer oder bequemer Zufall – es funktioniert so, weil die Akkorde aus Noten der Dur-Tonleiter der Tonart bestehen, in der Sie sich befinden, und jede Dur-Tonleiter (per Definition) aus den gleichen Intervallen relativ zu zusammengesetzt ist seine Wurzel. Betrachten Sie zum Beispiel die Tonart E. Die Tonleiter ist:
EF♯ G♯ ABC♯ D♯ E
Baut man darauf den I-Akkord auf, erhält man E, G♯, B, D♯. Das ist ein Dur-7-Akkord, genau wie der I-Akkord in der Tonart C (CEGB) ist. Tatsächlich weiß ich, ohne darüber nachdenken zu müssen, dass der I-Akkord in jeder Tonart immer ein Dur-7-Akkord sein wird.
Welche Arten von Akkorden gibt es vor diesem Hintergrund für jede Nummer?
Das ist enorm. Ich kann jetzt Akkordfolgen für jede Tonart schreiben und weiß, dass sie funktionieren und wie sie klingen werden. Ich kann einen Song in der Tonart C lernen, zu einer Jam-Session gehen, wo der Bandleader sagt „Lass uns das in F spielen“ und weiß sofort, wie man die Akkorde richtig transponiert. Während ich mit anderen Musikern jamme, höre ich jemanden einen Dominant-Akkord spielen und weiß nicht nur, dass er Spannung erzeugt, sondern auch, wie er sie lösen will, und ich kann entsprechend reagieren.
Okay, wow. Ich habe viel mehr geschrieben, als ich anfangs erwartet hatte. Dies sollte Sie jedoch dazu bringen, richtig über Harmonie nachzudenken. Ich habe die größten Ideen skizziert, aber Sie sollten sich mit Ihrer Gitarre oder Ihrem Keyboard hinsetzen und sie tatsächlich durcharbeiten. Wählen Sie eine Tonart und finden Sie die sieben Akkorde, die zu dieser Taste gehören. Wählen Sie dann einen anderen Schlüssel und wiederholen Sie es. Achten Sie darauf, wo die Noten in jedem Akkord in die Tonleiter passen. Spielen Sie verschiedene Akkordfolgen und achten Sie dabei auf die funktionelle Rolle jedes Akkords: welche Nummer es ist, ob er Spannung erzeugt oder löst usw.
Wie ich schon sagte, als ich anfing, gibt es hier eine Menge Ideen und Material zu entdecken, und dies ist nur der krasseste aller Anfänge. Aber die Mühe lohnt sich auf jeden Fall: Je mehr Sie sich mit dem Verständnis von Harmonie beschäftigen, desto mehr werden Sie Musik aller Art hören und verstehen.
Was muss ich lernen, um Akkorde in Folge zu verstehen?
Funktionale Harmonie. Siehe unten. Und das kann man auch googeln.
Warum sind bestimmte Kombinationen von Akkorden in Folge harmonisch?
Ich schließe daraus, dass Sie mit "harmonisch" Ihre mittlere Funktion haben. Es gibt tatsächlich Möglichkeiten, Akkorde so zu sequenzieren, dass der Zuhörer nicht vorhersagt, was der nächste Akkord sein wird. Wenn Sie sich dagegen entschieden haben, müssen Sie, um den Zuhörern bei der Vorhersage zu helfen, Musik mit einer gewissen Regelmäßigkeit schreiben, wie: „Wenn dieser Akkord ist ... dann ist der nächste Akkord ...“ oder wie „Wenn diese Akkorde sind ... dann sind die nächsten Akkorde ...' usw. Im akademischen Jargon nennen manche diese Regelmäßigkeit Akkordfunktionen.
Unabhängig davon, ob Sie explizit Regeln oder Intuition oder was auch immer zum Komponieren verwenden oder nicht, muss eine solche Regelmäßigkeit (dh „Strukturen“ oder „Muster“) in Ihrem Lied vorhanden sein, sonst kann Ihr Zuhörer es nicht vorhersagen. Ohne Vorhersagbarkeit kann das sogenannte „Anspannen und Loslassen“ nicht stattfinden, denn „eine Vorhersage erfüllen“ ist „LÖSEN“. Eine Vorhersage nicht zu erfüllen, ist eine ÜBERRASCHUNG (oder genauer gesagt, wenn Sie Ihren Song so strukturieren, dass die Zuhörer vorhersagen können, aber auch so strukturiert sind, dass sich die Vorhersage als falsch herausstellt, führt dies zu einem Überraschungseffekt im Kopf des Zuhörers die Vorhersage, die sich als richtig herausstellt, führt zu einem Gefühl des Abschlusses oder zu einem Gefühl der Erleichterung (im sogenannten „Spannungs-und-Loslassen“-Hörerlebnis).
Ich widerspreche Ihrer Annahme, dass Musik „langweilig sein muss, wenn es sich um ein einzelnes Stück handelt, das sich immer wieder wiederholt“. Es ist möglich, ein einzelnes Stück mit VARIATIONEN zu wiederholen. Was Sie als Ihre Anforderung beschrieben haben, „mehrere Teile zu einem Ganzen zusammenzukleben“, ist nur eine Möglichkeit, ein Ziel zu erreichen, nämlich KONTRAST; Beachten Sie jedoch, dass andere Wege möglich sind. Variation wiederholt sich UND kontrastiert gleichzeitig. Ich respektiere jedoch Ihre Annahmen, denn das macht Ihren Stil möglich. Sie möchten „ein angenehmes Lied produzieren“, und Ihre Annahmen darüber, was angenehm ist, sind im Grunde das, worum es bei Ihrer Frage geht.
Um zu antworten, „warum eine bestimmte Kombination in Folge“ für Sie angenehm klingt, lautet die vielleicht erschreckend einfache Antwort „weil Sie sie schon einmal gehört haben“. Da ich nicht Sie bin, kann ich nicht wissen, was Sie gehört haben, aber ich werde Ihren Geschmack so annehmen, dass die Beantwortung Ihrer Frage (für mich) möglich ist: Ich gehe davon aus, dass "funktionale" Akkordfolgen angenehm klingen Sie.
Um Ihre Frage richtig zu beantworten (warum funktionale Akkorde für Sie angenehm klingen), müssen Sie Ihren Geschmack in sozialer und historischer Hinsicht kontextualisieren, und deshalb halten andere Antworten hier Ihre Frage für "enorm tief". Mit „sozialen und historischen Begriffen“ meine ich im Grunde die „Sie haben es schon einmal gehört“-Argumentation. Um diese Art von Argumentation in Aktion zu sehen, siehe meine Erklärung *, wie „strukturelle Aspekte von Kompositionen“ und „Musiker-Hören in einer Tradition“ interagieren.
Die unten beschriebene Art der Akkordsequenzierung basiert auf der Tatsache, dass Sie „Stücke zusammenkleben möchten, um einen Song zu produzieren“. Dieser spezielle Weg ist eine (von vielen) möglichen Lösung des Problems, Vorhersage, Kontrast, Variationen, Freisetzung, Überraschung usw. zuzulassen.
Effekte wie Erlösung oder Überraschung in den Köpfen der Zuhörer werden in dieser Theorie der Akkordfolge durch FUNKTIONEN von Akkorden ausgelöst. Ich werde diese Funktionen (die bald benannt werden) so beschreiben, als ob sie bestimmten Gefühlen entsprechen: sich zu Hause fühlen, das Bedürfnis haben, woanders hinzugehen, sich mitten auf einer Reise zu fühlen, sich fern der Heimat zu Hause zu fühlen, das Gefühl, nach Hause gehen zu müssen usw. Ich nehme an, dass diese Gefühle von so ziemlich jedem empfunden werden, und in dieser Theorie sage ich, dass das Abfolgen von Akkorden ein METAPHER für diese Art von Gefühlen in Folge ist.
Was diese metaphorische Art der Kommunikation funktionieren lässt, basiert auf 2 Dingen: 1) dem gemeinsamen Verständnis von Zuhörer und Komponist, wie wir uns fühlen, wenn wir Kontraste, Variationen, Entspannung (dh Abschluss), Überraschung, Spannung usw. erleben, wenn wir unsere Vorhersagen dessen treffen passieren wird, verweigert oder befriedigt wird oder irgendwo dazwischen liegt, und 2) ein „Vokabular“ von Akkorden, das sowohl für Zuhörer als auch für Komponisten erkennbar ist. BEIDE SIND NOTWENDIG. dh angenommen, der Zuhörer kann verstehen, dass „zu demselben Akkord zurückgehen“ metaphorisch „nach Hause zurückkehren“ bedeutet; aber wenn der Zuhörer nicht einmal erkennen kann, dass derselbe Akkord endlich wieder auftaucht, wie kann der Zuhörer dann ein solches metaphorisches Verständnis verwenden, um aus den Reizen des Hörens, dass tatsächlich derselbe Akkord wiederkommt, das Gefühl von Zuhause zu erzeugen? (nein,
Es ist möglich, dass Sie Ihre Akkorde so komplex konstruieren, dass Ihr Zuhörer sie nicht einmal erkennen kann. Wenn dies der Fall ist, selbst wenn Sie sich immer wieder darauf beziehen, entsteht auf Seiten des Zuhörers möglicherweise kein Gefühl von Zuhause (oder Abschluss oder Befreiung). Man kann nicht wirklich sicher sein, ob das, was man für einfach hält, langweilig und das, was man für komplex hält, spannend ist, weil die Zuhörer (nicht Sie) selbst entscheiden, was einfach (also vorhersehbarer) und was komplex (also weniger) ist. Um Ihre Frage zu beantworten, gehe ich davon aus, dass Sie Ihre Akkorde konstruieren, indem Sie Terzen übereinander stapeln .
Die musikalischen Intervalle zwischen dem, was bei dieser Art der Akkordkonstruktion Grundton genannt wird, und anderen musikalischen Tönen im selben Akkord bestimmen die QUALITÄT des Akkords (ein Dur-Septakkord und ein Moll-Septakkord desselben Grundtons können eine ähnliche Funktion haben; was macht sie sehr unterschiedlich ist vor allem ihre Qualität). In einigen unten beschriebenen Stilen ist die Zuordnung zwischen der Qualität des Akkords und der FUNKTION des Akkords tatsächlich ziemlich flexibel;
Die Zuordnung von Akkordfunktionen und sequentiellen Akkordgrundtonbewegungen (dh das Zuweisen von Bedeutungen zu Intervallen in der Bewegung Ihrer BASS LINE - nicht unbedingt alle Intervalle dort, sondern nur das musikalische Intervall zwischen dem Grundton dieses Akkords und dem Grundton des nächsten Akkords - für alle Akkorde in der Sequenz) unten sollen sehr konsistent sein, so dass Ihre Akkordsequenz genug Vorhersagbarkeit haben kann, um Metaphern für Gefühle im Zusammenhang mit Heimat/Reise zu sein (die nicht unbedingt glücklich/traurig sind). Dies bedeutet, dass Sie in diesen Stilen ziemlich frei jede Akkordfunktion mit jeder Akkordqualität verknüpfen können, aber Sie müssen dies immer noch mit einer gewissen Konsistenz tun (abhängig von den von Ihnen verwendeten Tonleitern), sonst riskieren Sie, Ihre Zuhörer zu verlieren.
Wenn Qualität und Funktionen von Akkorden verwandt sind (aber nicht dasselbe sind), was meine ich hier mit Funktion? Ich werde 3 Arten von Funktionen nennen. Diese Namen (dh Jargon) werden mit verschiedenen heimat-/reisebezogenen Gefühlen in Verbindung gebracht, die auch als „Hörerfahrung als Metapher der Lebenserfahrung“ bekannt sind. Ihre Definitionen sind nicht präzise, weil Gefühle nicht präzise sind. Sie sind reich an metaphorischer Kraft, gerade weil sie nicht präzise sind, und doch sind sie so unterschiedlich, dass sie bedeutungsvoll sein können (anstatt dass alle gleich sind, was nicht so bedeutungsvoll ist).
Die Funktionen sind: 1) tonic, 2) will-return-to-tonic (dh „dominant“ im üblichen Musiktheorie-Jargon) und 3) will-go-go-to-dominant-or-back-to-tonic. In Anlehnung an W Benjamins Kapitel über Mozart in M Tenzers Buch über Weltmusik nenne ich diese Funktionen T, D und S. Ich werfe hier eine starke Referenz ein, um Sie davon zu überzeugen, dass JEMAND, nicht ich, gesagt hat, dass es 3 Arten von Akkorden gibt , genau wie einige andere sich auf Joe Pass bezogen, indem sie sagten, dass es zwei Arten von Akkorden gibt.
T ist einfacher zu definieren und Sie können sich auf meine Definition von Tonikum beziehen* anderswo. T fühlt sich stabil oder heimelig an, aber abhängig von anderen Aspekten deines Songs wie Rhythmus oder Melodie usw. kann T sich auch etwas langweilig anfühlen, wie wenn du zu lange zu Hause geblieben bist, weil du krank warst und für eine Weile woanders hingehen möchtest frische Luft atmen. D oder S ist dieses Gefühl von frischer Luft, indem es einen Kontrast zu T bildet. Der Unterschied zwischen D und S ist folgender: D geht fast immer zu T zurück, so oft, dass die Zuhörer dies erwarten, und wenn es nicht der Fall ist , es ist eine Überraschung für sie. S geht manchmal zu T und manchmal zu D, mit ähnlicher Wahrscheinlichkeit, so dass es keine große Überraschung gibt, wenn es zu einem von beiden geht. Wenn S nach T geht, fühlt es sich an, als würde man nach Hause kommen; Wenn S nach D geht, fühlt es sich an wie der Drang, nach Hause zu gehen. Wenn S zu einem anderen S übergeht, ist es, als wären Sie mitten in einer Reise; Du bleibst nicht zu Hause, aber es ist auch nicht so, dass es einen Ort gibt, an den man gehen muss. D hingegen hat das Gefühl, bald nach Hause gehen zu müssen. Denken Sie daran, dass diese Gefühle unterschiedlich stark sein können, je nachdem, wie Sie Ihre Akkorde sequenzieren. Verwenden Sie Ihre Lebenserfahrungen über Ihre Heimat(en) und Ihre Reise(n) als Metaphern, um herauszufinden, welche Abfolge musikalischer Erfahrung theoretisch zu wie stark welches Gefühl führen könnte.
Jetzt zuerst einige "übliche" Verwendungen. Für die D-Funktion neigen Leute wie Mozart dazu, Akkorde zu verwenden, deren Grundton auf der 5. oder 7. Stufe der Tonleiter liegt (dh „dominant“ und „subtonisch“), die derzeit verwendet wird („derzeit“, weil sie zwischen verschiedenen Tonleitern wechseln können). Sie neigen dazu, als Wurzel von S die 2. oder 4. Stufe zu verwenden (dh „supertonisch“ und „subdominant“ der verwendeten Tonleiter). T ist natürlich auf der ersten Stufe der Skala. Diese Beschreibung der Akkordfunktionen T, D und S gilt für Werke, die mit Akkorden aus Dur UND/ODER Moll-Tonleitern von Leuten wie JS Bach direkt vor ihm oder nach ihm geschrieben wurden. Um zu verstehen, wie sie Akkorde mit dem Grundton auf der 3. oder 6. Stufe verwenden (dh „Median“ und „Submedian“ der verwendeten Tonleiter), muss zuerst etwas anderes erklärt werden.
Interessant wird es, wenn Akkorde wie D von D, D von S, S von S usw. funktionieren (D von T ist einfach D, S von T ist einfach S). Wie Sie sehen können, bildet diese Art von Funktion der Funktion die Grundlage einer Grammatik oder Syntax zum Aneinanderreihen von Akkorden, so wie Sie Sätze aus Wörtern zusammensetzen, aber die Syntax ist nicht so starr wie die von, sagen wir, Englisch. Wie im Englischen, wo Sie Dinge wie Nebensätze haben, die Sätze bilden, können Sie mit der Grammatik von T, D und S größere Akkordfolgen aus kleineren Akkordfolgen bilden. Um auf so etwas wie ein D von D zu kommen, sagen Sie sich, dieser Akkord muss zum nächsten Akkord gehen, der so funktioniert, als ob dieser nächste Akkord ein T wäre, aber wenn der Zuhörer dort ankommt, wird er feststellen, dass es wirklich ein D ist , bereit, zu T zurückzukehren. Mit dieser Grammatik können Sie beispielsweise auch D von D von D oder sogar D von D von D von D erstellen.
Leute wie Bach und Mozart neigen dazu, die relative Dur-Tonleiter einer derzeit verwendeten Moll-Tonleiter (z. B. Eb-Dur-Tonleiter einer C-Moll-Tonleiter) oder die relative Moll-Tonleiter einer derzeit verwendeten Dur-Tonleiter (z Dur-Tonleiter), nicht als 'Bereich', in den man geht und dort eine Weile bleibt, sondern als 'Bereich', in den man kurz und schnell zurückkehrt (sie scheinen eine neue Tonleiter zu bevorzugen, die auf der 5 der 'Bereich', um 'länger zu bleiben' oder 'zu modulieren' -- natürlich mit vielen Ausnahmen). Für Leute wie Mozart neigen Median- und Submedian-Akkorde dazu, eine Kadenz zu beenden(eine formelhafte Verwendung eines TD- oder DT- oder ST- oder SD- oder SDT-Musters), das das relative Dur oder relative Moll kurz tonisiert, oder sie neigen dazu, ein D von S zu sein (in einem anderen Muster wie SD, während das T dieses Musters dies nicht ist). das Gesamt-T). Für Leute wie Bach wird der Submedian auch häufig für die S-Funktion verwendet.
Mozarts und Bachs Weg ist jedoch nicht der einzige Weg, die Wurzeln von Akkorden mit Funktionen zu assoziieren. Zum Beispiel fungiert beim 12-Takt-Blues der 4. Grad der Tonleiter als Wurzel von D (geht die ganze Zeit bis T) und der 5. Grad der Tonleiter fungiert als Wurzel von S. Mit anderen Worten, unter Verwendung des oben eingeführten Jargons, 12 Balken-Blues kann als Zuordnung von T-, D- und S-Funktionen zu 3 Akkorden auf verschiedenen Grundtönen beschrieben werden, aber alle in derselben Akkordqualität, mit dem Grundton von T auf der Tonikastufe der Tonleiter, dem Grundton von D auf der subdominanten Stufe davon und mit dem Wurzel von S auf der dominanten Stufe der Skala. Siehe ein Glossar, das diesen „Skalengrad-Jargon“ ganz am Ende zusammenfasst.
Hier zeigt meine Theorie ihre Widersprüchlichkeit: Dieses S im Blues geht nicht manchmal zu T und manchmal zu D, sondern immer zu D, also sollte es ein D von D genannt werden, aber wenn ich es so nenne, die Grundbewegung von DofD- D und DT sind nicht gleich, anders als im II-VI-Fall, was meine Beschreibung von S aus der Analyse von Bach und Mozart unvereinbar mit meiner Beschreibung des Blues macht, indem ich einige seiner Akkorde als S bezeichne. Eigentlich die Konsistenz zwischen allen Blues macht ihre Akkordfunktionen akzeptabel, mit einer Funktion, die nicht wirklich zu meiner Beschreibung von S passt, die ich aber trotzdem S nennen werde. Warum mache ich das? Um die Anzahl der 'Arten von Akkorden' auf 3 zu beschränken.
Dieses Beispiel zeigt, warum manche Leute sagen, es gibt zwei Arten von Akkorden und manche drei, weil man sagen kann, dass es auch mehr Arten gibt, wenn man will. Es zeigt auch, warum Ihre Annahme „es muss eine Möglichkeit geben zu sagen, dass 3 verschiedene Akkorde wahrscheinlich Musik bilden, sodass bei 2 Akkorden der dritte X sein muss und so weiter“ FALSCH ist, weil das „Muss“, das Sie sind Suchen ergibt sich eigentlich aus der Konsistenz der Songs in einem Stil oder einem Repertoire. Sobald Sie die Annahme wegnehmen, dass die fraglichen Songs denselben Stil oder dasselbe Repertoire haben, trifft der „wahrscheinliche“ Teil Ihrer Aussage nicht mehr zu.
Das Versagen meiner Theorie zeigt, dass Sie sogar Ihre eigene Art der Verwendung anderer Tonleitergrade als Grundton von D oder Grundton von S definieren können, aber damit dies funktioniert, müssen Sie in Ihren Songs KONSEQUENT sein und funktionale Bedeutungen mit Akkordgrundbewegungen verknüpfen. Dies ist schwieriger, als Sie viele denken, daher würde ich vorschlagen, dass Sie bei den „üblichen“ Assoziationen zwischen Akkordfunktion und Tonleitergrad des Akkordgrundtons bleiben (versuchen Sie zuerst Bach / Mozarts Grundfunktionsassoziationen).
Die QUALITÄT von Akkorden kann durch konsequente Verwendung auch eine funktionale Bedeutung haben. Die mit Moll-Terz, Perfekt-5 und Dur-7 über dem Grundton gebildete Akkordqualität wird in (vielen Stilen des) Jazz konsequent als T verwendet, und die mit Moll-Terz, verminderter Quint und Moll-7 über dem Grundton gebildete Akkordqualität wird verwendet dort konsequent als S von S (dh als ii° in einem ii°-V, das ein weiteres S tonisiert). Eine solche Beschreibung ist nur möglich, weil es nicht nur in einem Lied, sondern in vielen Liedern genügend Konsistenz gibt, die einen sogenannten Stil oder ein sogenanntes Repertoire bilden. Sie werden wahrscheinlich Ausnahmen von solchen Beschreibungen in Stücken „außerhalb des Stils“ finden. Beispielsweise verwendet Debussy die m7b5-Akkordqualität (dh die gerade im vorherigen Beispiel erwähnte Akkordqualität) nicht unbedingt, um so zu funktionieren, wie es im Jazz der Fall ist.
Für Ihr Ziel, „zu lernen, wie man mehrere Stücke komponiert und sie zusammenfügt, um einen Song zu produzieren“, hören und analysieren Sie, wie Songs, die Sie mögen, Akkordfunktionen in verschiedenen Abschnitten desselben Songs unterschiedlich erzeugen. So lernen Sie zu verstehen, wie diese „mehreren Stücke“ (die „zusammengeklebt“ werden sollen) ihre Akkorde unterschiedlich sequenzieren müssen. [Ich habe den Prozess einer solchen Analyse * an anderer Stelle erklärt]. Sie werden feststellen, dass sich zusammenzuklebende SEKTIONEN anders anfühlen, weil die Komplexität der Akkordfunktionen und die Musterung der Akkordfunktionen in verschiedenen Werken innerhalb eines bestimmten Stils auf konsistente Weise unterschiedlich sind.
Hier ist eine sehr vage Beschreibung eines möglichen Ergebnisses (Ihrer eigenen Analyse). Sie müssen Ihre eigene Analyse durchführen, um zu einer nützlicheren Beschreibung zu gelangen, da ich Ihren Geschmack nicht in allen Einzelheiten kennen kann. Die folgende Beschreibung gilt für den sogenannten Folk/Pop-Stil; Für andere Stile müssen Sie selbst die Analogie innerhalb des Stils finden, den Sie mögen, um den Kontrast zwischen der Musterung von Akkordfunktionen in verschiedenen Abschnitten zu verwalten.
Diese 3 Vorschläge basieren auf vielen Annahmen Ihres Geschmacks, Ihrer Melodie in Dur oder Moll, Ihrer Verwendung von Akkorden aus gestapelten Terzen usw. Wenn Sie eine dieser Annahmen wegnehmen, sind die Vorschläge nicht mehr so gültig; die grundlegendere Theorie, warum simultane Tonkombinationen in Metaphern für heimat-/reisebezogene Gefühle sequenziert werden können (dh die Theorie der funktionalen Harmonie), kann jedoch immer noch anwendbar sein. Verwenden Sie die grundlegendere Theorie als Grundlage, um Ihre eigenen nicht so grundlegenden Theorien zu konstruieren!
[Glossar: tonisch, supertonisch, median, subdominant, dominant, submedian, subtonisch =
VI, vii, ♯i, II, III, ♯iv, ♯v° für paralleles Major von relativem Moll von Dur
vi, vii°, I, ii, iii, IV, V für relatives Moll von Dur
I, ii, iii, IV, V, vi, vii° für Dur
i, ii°,♭III, iv, v,♭VI,♭VII für Moll
♭III, iv, v,♭VI,♭VII, i, ii° für relatives Dur von Moll
♭iii, iv°,♭V,♭vi,♭vii,♭I,♭II für paralleles Moll von
relatives Dur von Moll
dh Tonika-Akkorde der Dur- und Moll-Tonleiter werden als I bzw. i symbolisiert; Der Tonika-Akkord der relativen Dur-Tonleiter (relativ zur Tonika-Moll) wird als ♭III symbolisiert, und der Tonika-Akkord der relativen Moll-Tonleiter (relativ zur Tonika-Dur) wird als vi symbolisiert: ja, sobald Sie Dinge wie eine Tonleiter sagen, die relativ zu ist oder parallel zu einer anderen Skala, Sie denken gleichzeitig in zwei Skalen. Durch das gleichzeitige Denken in mehreren Tonleitern theoretisiert man Akkorde mit zusammengesetzter Funktion (z. B. indem man diesen oder jenen Akkord als D von S oder als D von D usw. bezeichnet). Es gibt viele andere Skalen mit jeweils unterschiedlichen Intervallstrukturen und unterschiedlichen relativen Skalengraden, die zu unterschiedlichen Beziehungen der Wurzelqualität führen: Suchen Sie über Links in meiner anderen Antwort nach Online-Referenzenzur Reharmonisierung oder googlen Sie einfach Wikipedia, um mehr darüber zu erfahren .]
Mein eigenes Theoriewissen ist begrenzt; Ich bin in erster Linie ein "Roots"-Typ. Allerdings ... Westliche Musik ist im Wesentlichen auf der Idee von tonalen Zentren (der "Tonart") und Akkorden aufgebaut, die aus den Noten der in dieser Tonart verwendeten Tonleiter aufgebaut sind. Angenommen, Sie haben ein Stück in der Tonart "C". Wenn Sie die Standard-C-Dur-Tonleiter nehmen und für jede Note in der Tonleiter einen Akkord konstruieren würden, indem Sie nur die Noten dieser Tonleiter verwenden, würden Sie am Ende eine "harmonisierte Tonleiter" erhalten. Was wir unter Akkordfolgen verstehen, stammt von solchen harmonisierten Tonleitern.
Wenn wir also von einer Akkordfolge „1-4-5“ oder I-IV-V“ sprechen (sehr häufig), wären das C-Dur, F-Dur und G-Dur in der Tonart C. Normalerweise machen wir das "G"
Auf einem fortgeschritteneren Niveau können wir diesen 3-Noten-Akkord-„Triaden“ mehr Noten hinzufügen und fortgeschrittenere Akkorde bauen und auch fortgeschrittenere Akkordfolgen verwenden.
Im Jazz basieren Akkordfolgen oft auf der Idee des "Quintenzirkels", harmonisierter Akkorde, die ein Quintintervall voneinander entfernt sind. Hilfreich? Vielleicht nicht ... Aber es wird dir etwas Material geben, nach dem du suchen kannst ...
Alex hat eine großartige Analyse der Theorie gemacht. Sie können verstehen, welche Akkorde Sie meistens in jeder Tonart verwenden können.
Aber ich denke, Sie müssen bestimmte Akkorde kennen, die zusammen gut klingen. Unter Verwendung der römischen Zahlen sind dies einige gängige Progressionen:
Die obigen Ansätze funktionieren – aber sie kommen nicht an die Wurzel, wie man auswählt, welche Arten von Akkorden zusammenpassen . Meiner Meinung nach sollte man eigentlich Musiktheorie lernen, wenn man technischer Komponist werden möchte. In meiner Antwort werde ich mein Bestes tun, um Ihnen genau die Theorie zu liefern, die Sie brauchen, um zu wissen, welche Akkorde zusammengehören . Nicht mehr und nicht weniger.
1) Meistere die Dur-Tonleiter und die Moll-Tonleiter in C-Dur.
2) Machen Sie es sich bequem, diese 2 Tonleitern in jeder Tonart zu spielen. Eine Tonleiter ist eine Reihe von Intervallen zwischen Noten, beginnend mit einer Grundnote. Wenn Sie also so ziemlich dasselbe spielen, müssen Sie nur die Notenfolge auf dem Griffbrett nach oben und unten „schieben“.
3) Wenn du es noch nicht getan hast, lerne den Unterschied zwischen Dur-Akkorden und Moll-Akkorden auf der Gitarre. Auch hier ist ein Dur- oder Moll-Akkord nur eine Reihe von Intervallen zwischen Noten, die natürlich gleichzeitig gespielt werden und wobei eine Note der „Grundton“ ist.
4) Bestimmen Sie Ihren „Schlüssel“. Wenn Sie eine Akkordfolge schreiben, wird sie einen Fokusakkord haben. Dies ist der Akkord, in den sich die Progression normalerweise auflöst. Auch Nicht-Musiker haben ein intuitives Gefühl dafür, was dieser Akkord ist. Finden Sie heraus, wie dieser Akkord heißt (z. B. d-Moll)
5) Was auch immer dieser Akkord ist, spielen Sie die entsprechende Tonleiter. Beispielsweise hat eine auf G-Dur basierende Progression eine entsprechende G-Dur-Tonleiter. Eine Progression in d-Moll entspricht einer d-Moll-Tonleiter.
6) Hier wird alles klar – die Noten in dieser Tonleiter sind die Noten, die in Ihre Akkordfolge aufgenommen werden können . Spielen Sie mit der Skala herum und sehen Sie, welche Akkorde mit diesen Noten gemacht werden können. Denken Sie sich eine Kombination dieser Noten aus, die zusammen gut klingt, und schon haben Sie Ihren Fortschritt!
Einige der anderen Antworten können Ihnen vielleicht wirklich gut sagen, welche Akkordfolgen gut zusammenpassen. Aber dieser Teil kann oft intuitiv sein :). Ich schlage vor, Sie nehmen sich etwas Zeit, um dies zu verstehen, und Sie werden immer genau wissen, welche Akkorde gut zueinander passen.
Es gibt viele tolle Dinge in den Antworten hier, also füge ich nur eine kleine, leicht technische Sache hinzu: Musik, die nicht primär auf dem tonalen/funktionalen Harmoniemodell basiert, sollte mehr erwähnt werden.
Hier ist wahrscheinlich das berühmteste Beispiel für ein Meisterwerk, das zumindest eine Erwartung an das, was Musik tun soll, übertreffen kann – und das Publikum 100 Jahre nach seiner Uraufführung im Jahr 1913 immer noch bewegen kann. Eigentlich ist es nicht so radikal, aber es ist so sicherlich das berühmteste Stück, um Dissonanz auf verwirrend schöne Weise einzusetzen.
Viel Spaß beim Finden des V-Akkords!
So,
Warum [sind] bestimmte Kombinationen von Akkorden ... harmonisch, wenn sie in einer Sequenz gespielt werden?
Hier ist eine allzu einfache Antwort, vielleicht aus dem linken Feld: Sie können jedem Akkord einen beliebigen anderen Akkord folgen lassen! …wenn man dafür den richtigen musikalischen Rahmen schafft.
Vielleicht ist eine andere Möglichkeit, Ihre Frage zu beantworten: "Warum sind bestimmte Akkordkombinationen für manche Menschen angenehm und für andere nicht, wenn sie in einer Sequenz gespielt werden?" Und das ist viel komplizierter zu beantworten, aber sehr die Zeit wert für jeden, der sich für Musik interessiert und tief darüber nachdenkt.
Zusätzlich zu den anderen großartigen Antworten hier sollten Sie sich mit Classical Counterpoint befassen. Anstatt die Akkorde selbst zu betrachten, brechen Sie sie auf und untersuchen Sie die einzelnen Stimmen, aus denen der Akkord besteht. Wenn sich der Akkord ändert, ist der einfachste Weg, parallele Quinten oder Oktaven (die großen kontrapunktischen "Nein-Nein"s) zu vermeiden, eine Stimme gleich zu lassen und nur zwei der drei Noten zu ändern. So werden alle Ihre Akkorde durch die gemeinsamen Noten verbunden.
Harmonie lernen. Beginnen Sie mit der diatonischen Harmonie. Sie müssen sich ein Buch darüber besorgen, Antworten in einem Forum wie diesem werden Ihnen nur kleine Bruchstücke liefern, und es wird wahrscheinlich keinen Sinn ergeben, wenn Sie nicht von vorne anfangen und von dort aus weitermachen. Melden Sie sich offline, wenn Sie eine oder zwei Buchempfehlungen benötigen.
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