Die einführende Musiktheorie legt großen Wert auf die Analyse und das Schreiben von Musik mit vierstimmiger Harmonie, mutmaßlich die Grundlage für Musik zu Beginn der gemeinsamen Praxis. Warum wurde die vierstimmige Stimmführung statt beispielsweise einer drei-, fünf- oder n-stimmigen Stimmführung zur Grundlage für einen Großteil der Barockmusik und wurde dadurch im Musiktheorieunterricht so stark betont?
Dies ist eine große Frage ohne einfache Antwort. Ein Faktor war jedoch, wie ich vermute, der um das 16./17. Jahrhundert beginnende zunehmende Trend, dass jeder Akkord ein Dreiklang mit mindestens einem Grundton, einer Terz und einer Quinte und strengeren Regeln gegen parallele Quinten und Oktaven sein sollte . Wenn Sie jemals versuchen, Teile nach diesen Standards zu komponieren, werden Sie schnell feststellen, dass vier Stimmen am einfachsten sind: Mit drei ist es schwierig, die ganze Zeit Dreiklänge zu bekommen, ohne dass Stimmen herumspringen, und mit fünf oder mehr ist es schwierig, Parallelen zu vermeiden.
Moderne „einführende Musiktheorie“ basiert auf sogenannter „allgemeiner Praxis“ (dh westlicher „klassischer“ Musik zwischen etwa 1750 und 1900), wo der Begriff „Harmonie“ im Allgemeinen wichtiger war als „Kontrapunkt“. Da die Akkordstruktur auf dem Stapeln von Terzen basierte und Septakkorde üblich waren, werden vier Stimmen benötigt, um die gesamte Palette der regelmäßig verwendeten Akkorde zu erzeugen.
Kontrapunktische Aspekte wurden noch berücksichtigt (z. B. Vermeidung von aufeinanderfolgenden Quinten und Oktaven), aber insbesondere in der Instrumentalmusik wurden die meisten anderen "Regeln" des Kontrapunkts in der Praxis ignoriert.
Daher war die "vierstimmige Harmonie" die einfachste Art, die Grundprinzipien zu vermitteln, und es war auch praktisch, sie sowohl auf polyphonen Instrumenten (z. B. Keyboards) als auch auf kleinen Ensembles monophoner Instrumente (Streichquartett, Bläser- und Blechbläserensembles, usw.) und Sänger.
Das Schreiben von „Harmonie“ mit weniger als vier Stimmen führt zu den Komplikationen unvollständiger Akkorde und „impliziter Noten“. Wenn Sie in einer Moll-Tonart schreiben, kann dies zu vielen Problemen beim Versuch führen, "Regeln" zu formulieren, um zu entscheiden, ob die Musik wirklich in der Moll-Tonart oder in der relativen Dur-Tonart ist. Natürlich kann die Mehrdeutigkeit in "echter Musik" beabsichtigt sein, aber es ist eine unnötige Komplikation, wenn man beginnt, "Harmonie zu lernen".
In Musik für größere Ensembles, die anscheinend mehr als vierstimmig ist, waren die zusätzlichen Stimmen oft Verdopplungen in der Oktave und erforderten daher nicht viel mehr theoretische Überlegungen.
Im Gegensatz dazu war es immer einfacher, weniger Stimmen zu schreiben, als der Schwerpunkt auf Kontrapunkt und Gesang statt auf " Harmonie " lag . Daher begann der Kontrapunktunterricht traditionell mit nur zwei Stimmen und ignorierte im Allgemeinen die "implizite Harmonie" mit Ausnahme einiger Faustregeln - zum Beispiel, dass die letzten Noten eine perfekte / authentische Kadenz implizieren sollten, obwohl die meisten Noten der Kadenz Akkorde fehlten.
Relativ wenig Kontrapunkt für Instrumente wurde wirklich in vier (oder mehr) unabhängigen Stimmen geschrieben - zum Beispiel enthalten viele "Fugen in vier Stimmen" von JS Bach lange Musikpassagen, die nur dreistimmig sind, nicht vier.
Es ist stark verwandt mit den 4 Hauptstimmtypen Bass, Tenor, Alt und Sopran. Als die Melodien fortgeschrittener und miteinander verwoben wurden, wurde die Verwendung verschiedener Teile der Stimme in verschiedenen Registern wichtig, um zwischen den Teilen zu unterscheiden.
DER AUFSTIEG DER POLYPHONIE
Die Idee der hohen und tiefen Stimmen entstand mit dem Aufkommen der Polyphonie im 9. Jahrhundert. Mit zunehmender Komplexität der Polyphonie wurden besser ausgebildete Sänger benötigt, und eines der Trainingsgeräte (von Guido D'Arezzo, 11. Jahrhundert) war die Guidonische Hand, die Grundlage einer Blattlesetechnik, SOLMIZATION, die noch heute verwendet wird. Im elften Jahrhundert wurden Portamenti für bestimmte Konsonanten in Gesangsdarbietungen verwendet, und das Singen von Diskanten hatte begonnen. Dies waren Ausarbeitungen, die gegen einen Cantus firmus vorgetragen wurden, die langgezogenen Töne einer Choralmelodie. Diejenigen, die die verlängerten Töne aushielten, wurden "Halter" oder Tenöre genannt, während diejenigen, die die Diskantstimme "gegen" sangen, Kontratenoren genannt wurden. Die Contratenöre sangen oft den „hohen“ Teil, der schließlich Altus genannt wurde, und später diejenigen, die eine Rolle sangen, die sich mit den Altstimmen verflochten, wurden – vorhersehbar – Altstimmen genannt. Schließlich wurden diese Teile von zwei äußeren kontrapunktischen Stimmen umgeben, die passenderweise Sopranus (oben) und Bassus (unten) genannt wurden.
Es sollte beachtet werden, dass Fux's ein sehr leistungsfähiges Lernwerkzeug für Kontrapunkt und Stimmführung ist, das nur zwei Stimmen umfasst und eine Art Vorläufer der Harmonielehre ist, die in der gemeinsamen Übungszeit verwendet wird. Mit 4 verschiedenen Stimmen können Sie die meisten typischen Harmonien abdecken, die in der Ära des gemeinsamen Übens anzutreffen sind, und einige der fortgeschritteneren wie neapolitanische Akkorde und erweiterte Sextenakkorde.