Dachten Barockkomponisten bei ihren Kompositionen an Ritardando?

In der Barockmusik ging es um Ausdruckskraft , und der Rhythmus sollte nicht unbedingt so streng gehalten werden wie der Tactus der Renaissance . Wheat Williams hat historisch informierte Leistung erwähnt, und wie er sagt, werden diese Dinge akademisch diskutiert. Aber es gibt einige gute Hinweise darauf, dass Barockkomponisten daran dachten, am Ende von Stücken langsamer zu werden. Tatsächlich wird es oft explizit mit einem Adagio über den letzten paar Takten eines Satzes notiert. Besonders häufig sieht man das bei Händel und Corelli, besonders bei Sonaten und Konzerten. Eine ähnliche Verwendung von Adagio findet gegen Ende des 3. Satzes von Bachs Brandenberg-Konzert Nr. 1 statt, gefolgt von einem „a tempo“ mit der Reprise des Hauptthemas.

Abgesehen von der Verwendung von "Adagio" (oder oft zusammen mit ihm) werden Sie auch Stellen sehen, an denen einige Takte vor dem Ende eine Fermate auf einer halben Kadenz steht, auf die eine oder mehrere Pausen folgen (während dessen eine Kadenz improvisiert werden kann) und schließlich der Schluss der Originalphrase. Eine andere Möglichkeit, Ritardandi gelegentlich zu notieren, bestand darin, tatsächlich längere Notenwerte zu verwenden. Im Dreiertakt kam es dabei häufig zu einer sogenannten Hemiola bei der Kadenz.

Als ich mich den dokumentierten Quellen zuwandte, fand ich Robert Doningtons "Baroque Music: Style and Performance: a Handbook" (1982) bei Google Books , das einen Abschnitt über "Flexibility in Baroque Tempo" enthält. Zweifellos wurde in den vergangenen über 30 Jahren viel geforscht, aber selbst hier zitiert er mehrere Quellen, die verlangen, dass man sich beim Tempo Freiheiten nimmt – manchmal schneller und manchmal langsamer – je nach Geschmack des Interpreten. Er zitiert Frescobaldi mit den Worten:

Kadenzen ... sind eigentlich sehr langgezogen ...

Jean Rousseau hat gesagt:

es gibt Leute, die meinen, die Bewegung zu vermitteln bedeutet, dem Takt zu folgen und ihn zu halten; aber das sind sehr unterschiedliche dinge.

Quantz wird mit den Worten zitiert:

Die Leistung sollte einfach und flexibel sein ...

Ein paar Seiten später gibt es einen Abschnitt mit dem Titel „Notated Rallentandos“, wo er ein Stück von Locke aus dem Jahr 1675 erwähnt, das ausdrücklich „sanft und langsam nach und nach“ anweist und die Verwendung von „adagio“ am Ende eines Satzes diskutiert (was habe ich oben schon erwähnt). Er behauptet, dass diese Art von Anweisungen verwendet wurden, wenn ein stärker als üblicher Verlangsamungseffekt gewünscht wurde, weil "es nicht ... normalerweise für notwendig gehalten wurde, etwas so musikalisches Offensichtliches anzuzeigen." Er behauptet weiter, dass das Beenden eines Stücks ohne eine solche Verlangsamung "ein besonderer und kein normaler Effekt ist".

Hier ist ein Beispiel aus Händels Concerto Grosso, Op. 6, Nr. 2, Teil I ( Andante larghetto ), der mehrere dieser Techniken gleichzeitig verwendet. Sie sehen eine Fermate (bei einer ersten Umkehrung vii dim!), gefolgt von einer kurzen Pause und Wiederaufnahme der Phrase, gefolgt von einem Adagio, und endet schließlich mit einer punktierten Figur, die doppelt so lange Notenwerte wie die vorhergehenden Figuren verwendet. Das soll nicht heißen, dass jedes barocke Stück mit einer so dramatischen Coda endet, sondern um zu zeigen, dass das Konzept der Verlangsamung am Ende eines Stücks auch ohne die Verwendung des Begriffs „Ritardando“ eine sehr vertraute barocke Geste war. . Der relevante Abschnitt beginnt etwa bei 2:47 in diesem Video .

Fragen wie diese lösen endlose Debatten unter Gelehrten aus. Die grundlegende Tatsache ist, dass Noten aus der Barockzeit viel weniger Details und Spezifitäten in Bezug auf interpretative Angelegenheiten aufweisen als Noten, die in späteren Epochen geschrieben wurden. Bogenanweisungen für Streicher werden nie gegeben; Die einzigen verwendeten dynamischen Markierungen sind oft nur "p" und "f", und es gibt keine Crescendos oder Decrescendos. Aussagekräftige Angaben wie „accelerando“, „ritardando“ oder „rubato“ stehen einfach nicht in der Partitur. Doch dies wirft die Frage auf – wenn so viele offensichtlich ausdrucksstarke Dinge weggelassen werden, bedeutet das, dass Musiker sie nie benutzt haben?

Wir sind uns sicher, dass von den Musikern im Barock viel von ihrer eigenen Ausdruckskraft und Interpretation in die Musik erwartet wurde und dazu gehörte, Solopassagen mit viel mehr Freiheit zu improvisieren als klassische Musiker im 20. Jahrhundert, auch wenn sie musizierten im Barock geschrieben.

Bei Ihrer Frage nach Ritardando und Tempofragen können wir uns in den meisten Fällen nicht sicher sein. Offensichtlich konnten sie damals keine Audioaufnahmen machen. Wir brauchen nur zu studieren, was Kritiker der damaligen Zeit schrieben, wenn sie Konzerte rezensierten, und was Musiker und Komponisten der damaligen Zeit in Abhandlungen über das Musizieren schrieben.

All dies fällt unter die Überschrift „ historisch informierte Aufführung des Barock“. Manchmal wird es einfach Alte Musik genannt ; Es gibt Universitätsmusikschulen mit ganzen Abteilungen, die sich dem Studium Alter Musik und ihrer Aufführung widmen, und Sie können einen Abschluss in Alter Musik machen.

Die historisch informierte Aufführungsbewegung , ein wissenschaftlicher Versuch, neu zu bewerten und zu erforschen, wie Musiker diese Stücke spielten, entstand erst um die 1970er Jahre. Es gibt einen Wikipedia-Artikel über historisch informierte Aufführungen , aber ich würde nichts in diesem Artikel als Evangelium auffassen, da die Musiker in der Bewegung selbst heute endlose Möglichkeiten finden, all dies zu diskutieren.

Nun zu Ihrem Klavierspiel: Das Klavier kam erst in der zweiten Hälfte von Mozarts kurzem Leben, nach dem Ende des Barocksatzes, zu einer breiten praktischen Anwendung, also spielt das Klavier überhaupt keine Rolle in der Barockmusik.

Alle barocken Tastenmusiken wurden für Cembalo oder Pfeifenorgel geschrieben. Keines dieser Instrumente hatte die Fähigkeit, einen dynamischen Kontrast von der Tastatur aus zu erzeugen. Sie könnten kein Crescendo oder Decrescendo erzeugen, indem Sie die Tasten härter oder weicher anschlagen. Sie könnten mit Ihren Fingern keine Note lauter oder leiser als eine andere machen. Wenn Sie also ein barockes Klavierstück sehen und es unterschiedliche dynamische Markierungen oder Crescendi oder Decrescendi in der Partitur hat, können Sie sicher sein, dass der Komponist diese Markierungen nicht verwendet hat; Sie wurden Jahrhunderte später von Herausgebern im Hinblick auf moderne Klavierspieler hinzugefügt.

Sie beziehen sich auf das "rechte Pedal", womit Sie, glaube ich, das Dämpferpedal meinen, mit dem der Sustain-Effekt erzeugt wird. Sie haben recht, wenn Sie verstehen, dass es im Barock kein Tasteninstrument mit dieser Fähigkeit gab. Also einfach gesagt, wenn Sie sich entscheiden, das Dämpferpedal auf Ihrem Klavier zu verwenden, während Sie ein barockes Klavierstück spielen, müssen Sie verstehen, dass Sie etwas tun, was der Komponist nicht einmal hätte sich vorstellen können. Sie können Ihre eigene künstlerische Entscheidung treffen, an einigen Stellen etwas Sustain hinzuzufügen, aber wenn Sie dies tun, tun Sie es nicht auf barocke Weise.

Außerdem waren Tasteninstrumente im Barock sehr unterschiedlich gestimmt. Sie waren nicht auf die moderne Weise gestimmt, die wir gleichschwebende 12-Ton-Stimmung nennen . In der modernen Mode ist der Abstand zwischen den Tonhöhen einer Taste und der Taste daneben – was wir einen halben Schritt nennen – auf der gesamten Tastatur auf und ab fast genau gleich. Aber im Barock hat man das nicht so gemacht. Die verschiedenen Tonarten beschrieben viele verschiedene Tonhöhenintervalle zwischen ihnen. Einige Halbschritte lagen näher beieinander als die des modernen Klaviers, andere weiter auseinander. Dies ist ein komplexes Thema. Es gab viele verschiedene Schemata dessen, was zusammenfassend als mitteltönige Stimmung bezeichnet wird .

Nun, nachdem ich Sie in das Thema der historisch informierten Aufführungspraxis des Barock eingeführt habe, können Sie nach Ressourcen suchen und selbst recherchieren. Sie können die Meinungen der Gelehrten lesen und selbst entscheiden, wie Sie ihre Ideen verwenden möchten. Und sehen Sie, ob Sie ein echtes Cembalo in einer historischen mitteltönigen Stimmung spielen können, wenn Sie gerade dabei sind.

Wheat Williams deckte die Grundlagen historisch informierter Performance ziemlich gut ab.

Ich möchte hinzufügen, dass ungemessene Präludien (in der Barockmusik nicht ungewöhnlich) darauf hindeuten, dass Barockkomponisten ein Konzept des Gebens und Nehmens in Bezug auf das Tempo hatten. (Sie können sich Beispiele für Präludien hier oder hier ansehen, um zu sehen, wie die Musik aussah.)

Während die Puristen vielleicht sagen, dass man es nicht so spielen sollte, wenn es nicht drin steht, müssen realistische Interpreten, die intensiv mit Barockmusik arbeiten, einige künstlerische Entscheidungen treffen. Hoffentlich tun wir dies auf informierte Weise, mit dem Wissen, dass unsere Aufführungen nicht für das barocke Publikum, sondern für das moderne Publikum bestimmt sind und für dieses von Bedeutung sein müssen.

Da viele der barocken Formen ursprünglich Tänze sind, versuche ich mir vorzustellen, was ein Tänzer in einem bestimmten Moment tun würde. Manchmal verlangsame ich nicht viel, aber ich mache eine kleine Pause vor dem letzten Akkord. Manchmal werde ich langsamer (aber wahrscheinlich nicht so dramatisch wie bei einem Stück aus dem 19. Jahrhundert). Manchmal verzögere ich mein Ritardando bis zum letzten Takt oder sogar bis zum letzten Takt oder zwei. Manchmal nehme ich mir einfach Zeit für den letzten Akkord und lasse ihn langsam ausklingen. Es gibt keine absolut richtigen Antworten, aber es gibt auch viele Optionen jenseits von Ritardando und kein Ritardando.

"Historisch informierte" Praktiker werden Ihnen alle möglichen Dinge erzählen, die von einem engen modernen Standpunkt aus übergeneralisiert sind. Zum Beispiel, dass Dynamik in Keyboards eine moderne Erfindung ist. Clavichorde waren durchaus in der Lage, nuanciert dynamisch zu spielen, und größere Instrumente wie Cembali hatten mehrere Manuale und Registrierungsmöglichkeiten, um dynamische Änderungen zu ermöglichen.

Was uns Barockkomponisten hinterlassen haben, sind meist „Skripte“: das Material, das für Aufführungen benötigt wird, die meist unter ihrer eigenen Aufsicht entstanden sind. Das Komponieren war kein eigenständiger Beruf. Bach neigte dazu, viel mehr als einige seiner Zeitgenossen und Vorgänger in Bezug auf Verzierungen und Begleitung zu buchstabieren (er verwendete nicht so viel die barocke Variante von Lead Sheets, Generalbass, allzu viel). Aber das liegt zum Teil daran, dass vieles von dem, was er formuliert hat, tatsächlich eine harmonische Funktion hat und eher „Teil der Musik“ als ihre Aufführung ist.

Jedenfalls schreiten beim barocken Kontrapunktieren die funktionellen Harmonien oft viel schneller voran als einmal pro Takt, so dass die Möglichkeiten, das Pedal im Einklang mit der Musik einzusetzen, recht begrenzt sind. Nicht wegen historisch motivierter Regeln, sondern weil es komplexe und nuancierte harmonische Verläufe zusammenmischen würde.