Ändern die weltberühmten klassischen Komponisten ihre Kompositionen jemals ernsthaft, nachdem ihre Werke von Verlagen veröffentlicht wurden?

Viele Komponisten haben ihre Werke modifiziert.

Einige ausgewählte Beispiele (eine vollständige Liste würde ein Buch füllen):

• Bach hat seine eigenen Stücke oft wiederverwendet
• Mozart verwendete auch eigene Stücke wieder, zum Beispiel verwandelte er sein Oboenkonzert (KV314) in ein Flötenkonzert, indem er es um einen Ganzton nach oben transponierte.
• Bruckner modifizierte mehrere seiner Sinfonien nach den Uraufführungen
• Strawinsky veröffentlichte modifizierte Versionen einiger seiner Werke (manchmal, um das auslaufende Urheberrecht zu behalten). Dreißig Jahre nachdem er es geschrieben hatte, überarbeitete er immer noch „The Rite of Spring“.

Komponisten produzieren oft eine Version eines Stücks für eine reduzierte oder erweiterte Orchestrierung oder orchestrieren ein Stück, das ursprünglich für ein Soloinstrument mit Klavier geschrieben wurde.

Ich möchte den Punkt von Guidot ein wenig erweitern. Diese Antwort weist darauf hin, dass die Veröffentlichung historisch kein Hauptziel für viele große Komponisten war, insbesondere vor ca. 1800.

Wenn wir uns jedoch diesen Teil der Frage ansehen:

nachdem ihre Werke bereits in öffentlichen Konzertsälen oder Theatern öffentlich aufgeführt werden?

Solange wir typische Aufführungsorte für den Tag zulassen (die vor ca. 1800 normalerweise keine "Konzertsäle" und nur "Theater" für bestimmte Genres wie Oper waren), kann man mit Fug und Recht sagen, dass Überarbeitungen häufig die Norm waren für " klassischer Komponisten" in bestimmten Kontexten, insbesondere für große Ensembles, bei denen spätere Aufführungen tendenziell eine Anpassung an die verfügbaren Instrumentalkräfte, die Fähigkeiten bestimmter Interpreten usw.

Die Realität war, dass vor ca. 1800 war die meiste Musik eher vergänglich. Wie die heutige Popmusik ging sie mit der Mode, und es war ziemlich unwahrscheinlich, dass irgendjemand Musik aufführen würde, die in vielen Kontexten mehr als ein oder zwei Jahrzehnte alt war. Natürlich gab es Ausnahmen, aber je "öffentlicher" die Art der Aufführung war, desto mehr tendierte die Musik dazu, sich mit der Mode zu ändern. Wenn Musik in diesem Zusammenhang "wiederbelebt" wurde, wurde sie oft auch erheblich überarbeitet.

Als stereotypes Beispiel könnte man sich Händels Messiah ansehen , der allen Widrigkeiten standhielt und viele Jahre lang immer wieder aufgeführt wurde. Mindestens neun verschiedene Versionen existieren und über 40 verschiedene Versionen der Solonummern. Es gibt wirklich keine "endgültige" Version von Messiah , da Händel das Stück ursprünglich für ein sehr kleines Aufführungsensemble in der Provinz Dublin geschrieben und das Stück später erweitert und für größere Orchester geändert hat, die Art von Sängern/Solisten, die ihm zur Verfügung standen (und deren Fähigkeiten) usw.

Diese Art der Überarbeitung war recht üblich und beliebt bei öffentlichen Werken wie Opern (die wiederum eher Modetrends folgten und oft dazu neigten, Teile der Werke speziell für die Talente bestimmter Sänger zu komponieren). In vielen Fällen haben Komponisten ihre Musik auch wiederverwendet, indem sie sie erheblich neu komponiert, für verschiedene Ensembles neu orchestriert usw. (Händel hat dies selbst mit Messiah getan , da mehrere Chöre tatsächlich auf früheren italienischen Arien aus weltlichen Kantaten basieren.) Und sie haben dies häufig getan auch mit Werken anderer Komponisten.

Grundsätzlich war es vor etwa 1800 üblich, dass Musik für bestimmte Anlässe komponiert und gegebenenfalls modifiziert wurde, wenn sie jemals wieder aufgeführt wurde. (Beachten Sie, dass Wiederaufnahmen älterer Werke anderer Komponisten häufig von den Dirigenten – oft selbst Komponisten – neu orchestriert wurden, um dem Zeitgeschmack und dem verfügbaren Aufführungsensemble zu entsprechen. Bis Mitte des 20. Jahrhunderts war es auch etwas Es ist üblich, dass sich Solisten selbst mehr Freiheiten nehmen, wie sie klassische Werke spielen, indem sie Passagen anpassen oder ausarbeiten, wenn sie es für richtig halten.)

Ich spüre in den Kommentaren von OP, dass so etwas nicht die Frage ist. OP scheint an einer Idee von Neuauflagen und Überarbeitungen als "Perfektionierung" eines Werkes interessiert zu sein.

Das Problem ist, dass dies eine etwas anachronistische Einstellung gegenüber dem ist, was Musik vor ca. 1800. Um diese Zeit, wie Lydia Goehr schrieb, entstand in der europäischen Musik das, was sie den „Werkbegriff“ nennt. Das heißt, vor etwa 1800 neigten Komponisten dazu, vergängliche Musik zu komponieren, die auf alles zugeschnitten war, was für die Zeit und Mode erforderlich war. Aber nach etwa 1800 (und insbesondere mit einer Reihe hochgesinnter philosophischer Spekulationen über den Status der Werke von Beethoven) kamen Komponisten allmählich dazu, ihre Kompositionen als dauerhafte „Kunstwerke“ zu betrachten, die einen dauerhafteren Status haben sollten.

So sieht man im 19. Jahrhundert auch das Aufkommen des Begriffs „Urtext“, und man hat Institute gegründet, die alte Werke (zum Beispiel) von JS Bach ausgegraben und versucht haben, all die unterschiedlichen Quellen mit ihren Varianten zu konsolidieren und zu konsolidieren einen einzigen "reinen Text" zu erstellen, der die "wahre Version" der Arbeit sein sollte.

Ein solches Konzept wäre der Art und Weise, wie Musik zur Zeit Bachs komponiert und verstanden wurde, völlig fremd gewesen, aber es wurde um 1850 für viele Komponisten zur Norm der Art und Weise, wie Musik in "klassischen" Kreisen komponiert wurde.

Erst in dieser neuen Ära des 19. Jahrhunderts wurde die Veröffentlichung zu einer Möglichkeit, auch für eine Komposition einen dauerhafteren „Text“ zu etablieren. Und wir können sehen, wie fließend dieser Begriff war, als sich das Werkkonzept herausbildete, da die Sorgfalt, mit der Komponisten die Veröffentlichung ihrer Werke beaufsichtigten (und das Maß an Aufsicht, das von verschiedenen Verlagen zugelassen wurde ) , ziemlich unterschiedlich war. Ein bekannter Fall sind die Werke von Chopin, wo für viele Werke in Frankreich, England und Deutschland (oder wie auch immer wir die deutschsprachigen Länder damals nennen wollen) verschiedene Editionsvarianten fast gleichzeitig erschienen. Der Grund für die Varianten hatte mit der Art und Weise zu tun, wie Korrekturleseprozesse bei verschiedenen Verlagen funktionierten, sowie wie Herausgeber und „Hausstile“ möglicherweise mit der Gravur der Musik interagiert haben.

Im Allgemeinen nahmen sich viele Musikverleger in den 1800er (und in den frühen 1900er Jahren) mehr Freiheiten als heute mit dem Zustand der Musik zur Veröffentlichung. (Einige Redakteure, insbesondere wenn sie mit älterer Musik zu tun hatten, bei der ein Komponist entweder tot war oder sich wahrscheinlich nicht mehr um das Korrekturlesen von Stichen kümmerte, neigten dazu, einfach alle möglichen zusätzlichen Markierungen für die Interpretation einzufügen, die möglicherweise nichts mit dem zu tun haben, was der Komponist geschrieben hat .) Das ist der Grund, warum viele "Urtext"-Ausgaben für einige Komponisten auf Manuskripte zurückgreifen müssen, um herauszufinden, was der Komponist tatsächlich gemeint haben könnte, anstatt sich auf eine bestimmte veröffentlichte Version zu verlassen.

Wir sehen auch die allmähliche Übernahme von immer mehr Partiturmarkierungen aus der Mitte des 18. Jahrhunderts und während des gesamten 19. Jahrhunderts in der Musikveröffentlichung. Früh veröffentlichte Musik aus dem 17. Jahrhundert und davor hatte in der Regel sehr wenige Interpretationsmarkierungen (von Tempi über Dynamik bis hin zu Artikulationen), aber diese wurden im Laufe des 19. Jahrhunderts immer häufiger und spezifischer. Einige Komponisten kümmerten sich mehr um diese Dinge als andere, und einige Herausgeber/Verlage brachten eher ihre eigenen „Klarstellungen“ ein als andere. Um auf Chopin zurückzukommen, er fügte wahrscheinlich einige seiner eigenen Fingersätze in veröffentlichte Werke ein, aber Herausgeber fügten oft auch ihre eigenen hinzu (oder modifizierten sie). Wie viel davon ist wichtig für den Status des „musikalischen Werks“ ? Ich nehme an, es hängt davon ab, wie viel Einfluss Ihrer Meinung nach ein bestimmter Fingersatz auf die Interpretation und den Klang des Stücks haben kann. Aber in vielen Fällen sieht man Varianten in Dynamik, Artikulationen usw. sowie die Platzierung dieser Dinge in Partituren.

Auf jeden Fall war um 1900 die Idee des „musikalischen Werks“ ziemlich etabliert, so sehr, dass viele Komponisten begannen, sich mehr Gedanken über die Form ihrer Werke zu machen, da sie schließlich in die Geschichte eingehen würden. Daher sieht man bei einigen Komponisten nach der Veröffentlichung absichtliche Überarbeitungen sowie ein größeres Beharren auf Genauigkeit bei der Bearbeitung und Veröffentlichung (im Gegensatz zu den lockeren Standards, die im 19. Jahrhundert und davor ziemlich üblich waren). Ich verallgemeinere hier, da es im 19. Jahrhundert sicherlich Komponisten gab, die ihre bereits veröffentlichten Werke erheblich überarbeiteten (nicht nur Korrekturen), und einige Komponisten beim Korrekturlesen von Werken für die Veröffentlichung anspruchsvoller waren als andere (und/oder dazu in der Lage waren aufgrund ihrer Berühmtheit mehr Einfluss darauf ausüben, dass die Dinge "richtig" sind). Aber dort'

Im Allgemeinen lautet die Antwort, dass sich während des größten Teils der Geschichte der klassischen Musik viel in Bezug auf Editionen von Musik, die für Aufführungen verwendet wurden, und veröffentlichte Versionen befand. Erst seit vielleicht Mitte des 20. Jahrhunderts und der Betonung von „Urtext“-Ausgaben durch Interpreten haben wir die allgemeine Erwartung, dass eine veröffentlichte Version eines Werks im Allgemeinen die endgültige Version der Absicht des Komponisten sein sollte, zumindest so wie es war notiert. Ohne den Ärger und die Komplexität von Handgravuren für die heutige Musikveröffentlichung ist es auch viel einfacher, Korrekturen vorzunehmen, wenn sie angefordert oder benötigt werden.

Sie scheinen anzunehmen, dass offen aufgeführt oder zuerst gedruckt irgendwie eine endgültige Version etabliert hat, von der es schwierig wäre, davon abzuweichen.

Dies ist aus verschiedenen Gründen nicht der Fall:

• etliche Werke wurden zu Lebzeiten des Komponisten nie gedruckt (handschriftliche Abschriften genügten zur Aufführung)
• andere wurden unautorisiert und in so schlechter Qualität gedruckt, dass der Komponist aufgefordert wurde, eine eigene Ausgabe bereitzustellen ( Mr. Walsh kommt in Betracht, siehe auch hier unter Abschnitt Instrumentalmusik )
• Opern mussten an die verfügbaren Sängerinnen und Sänger angepasst werden, häufig wurden Stimmen durch deutlich andere ersetzt (z. B. Altkastrat durch Tenor); besonders Händel tat dies routinemäßig, um frühere Werke neu zu inszenieren; ganze Arien wurden gekürzt, eingefügt, umgeschrieben, manchmal wurden dem Werktitel Ort und Jahr hinzugefügt
• Glucks Orfeo ed Eurydice war in der Fassung von 1762 italienisch und wurde ins Französische übersetzt und für die Pariser Aufführung von 1774 überarbeitet.
• wer hätte den unterschied ohne aufnahmen bemerkt?

Eine der interessanteren Modifikationen war Liszts Hinzufügung des 4. Satzes zu seiner Transkription von Beethovens Neunter Symphonie.

Zwischen seiner ersten Auseinandersetzung mit den Sinfonien und der endgültigen Fassung klaffte eine beträchtliche Lücke. Obwohl er das Werk mit nur 3 Sätzen als „vollständig“ bezeichnete, hatte Liszt später das Gefühl, dass sich das Klavier selbst so weit verbessert hatte, dass es die Orchesterkomposition darstellen konnte.

Als Liszt mit der Transkription der neunten Symphonie begann, sagte er: „Nach vielen Experimenten in verschiedene Richtungen war ich nicht in der Lage, die völlige Unmöglichkeit einer auch nur teilweise zufriedenstellenden und effektiven Bearbeitung des 4. Satzes zu leugnen. Ich hoffe, Sie werden es nicht annehmen es ist falsch, wenn ich darauf verzichte und meine Bearbeitungen der Beethoven-Symphonien am Ende des 3. Satzes der Neunten als abgeschlossen betrachte." (Tatsächlich hatte er 1850 eine Transkription der Neunten Symphonie für zwei Klaviere fertiggestellt.)

Dennoch unternahm er nach einem aussagekräftigen Schreiben von Breitkopf & Härtel einen weiteren Versuch und drückte aus, „dass das Pianoforte in den letzten Jahren durch Fortschritte sowohl in der Spieltechnik als auch in Bezug auf mechanische Verbesserungen einen Umfang erreicht hat, der es ermöglicht, mehr und bessere Dinge zu erreichen als es früher möglich war.Das Klavier versucht durch die ungeheure Entfaltung seiner harmonischen Kraft sich zunehmend alle Orchesterkompositionen anzueignen.Im Tonumfang seiner sieben Oktaven vermag es bis auf wenige Ausnahmen alle Charakteristiken, alle Kombinationen wiederzugeben , alle Formen der tiefsten und profundesten Musikwerke. Mit dieser Absicht beginne ich mit dem Werk, das ich jetzt der Welt präsentiere."

Quelle (Absatzbruch Mine)

Ein weiterer Teil von Liszts Werk, seine 12 transzendentalen Etüden, wurde dreifach überarbeitet, darunter eine, die sie vereinfachen sollte.

Jean Sibelius überarbeitete viele seiner beliebtesten Stücke nach der Premiere:

• das Violinkonzert
• seine Tondichtungen The Bard , The Oceanides und The Swan of Tuonela
• seine 2. und 5. Symphonie

Es gibt wahrscheinlich mehr, aber das ist nur das, was ich schnell aus Wikipedia finden konnte. Einige davon (Schwan von Tuonela, Oceanides, 5. Symphonie) wurden mehrfach überarbeitet. Sibelius war scharf selbstkritisch und bekanntermaßen unsicher; Er schrieb eine 8. Sinfonie, die nicht überlebt, weil er die Partitur verbrannt hat. Es wird angenommen, dass dies etwas mit seiner Trinkgewohnheit und letztendlich seiner Entscheidung zu tun hatte, die letzten 30 Jahre seines Lebens nicht zu komponieren, aber das ist alles Spekulation.