Wie kann ich komponieren lernen?

Bleiben Sie nicht hängen an „Theorie lernen“ oder „Theorie nicht lernen“. Was Sie tun möchten, ist , sich Wissen über Musik anzueignen , damit Sie dieses Wissen nutzen können, um Musik zu produzieren. Auf dem Gebiet der Musik wird ein Teil dieses Wissens unter die Überschrift „Theorie“ gepackt und ein Teil nicht … aber na und?

Welche Aspekte der Musiktheorie sollte ich zuerst lernen?

Nur ein bisschen Theorie zu lernen, kann „gefährlich“ sein – wir haben viele Leute auf dieser Seite, die ein bisschen Theorie gelesen haben und sehr verwirrt sind. Das liegt zum Teil daran, dass viele Aspekte der „normalen“ Musiktheorie wohl keinen Sinn ergeben! Die Art und Weise, wie Musiktheorie allgemein gelehrt wird, neigt dazu, echte musikalische Grundlagen, kulturspezifische Terminologie und Notation und stilspezifische musikalische Ratschläge in einem großen Topf zu vermischen. Außerdem gibt es (wie bei den meisten natürlichen Sprachen) viele Begriffe, die ziemlich unsichere Bedeutungen oder mehrere Bedeutungen in verschiedenen Kontexten oder unterschiedliche Bedeutungen für verschiedene Menschen haben.

Ich würde Ihnen raten, so viel wie möglich und so schnell wie möglich zu lernen und sich in keinem Aspekt zu sehr zu verzetteln. Wahrscheinlich müssen Sie das alles ein paar Mal durchgehen, bevor es wirklich anfängt, sich in Ihrem Kopf zu fügen.

...damit ich die Noten kenne?

Es gibt viele Möglichkeiten, die Noten zu kennen. Sie können sie kennen als Positionen auf einem Gitarrengriffbrett, Frequenzen in Hz, Punkte auf einer Partitur, Midi-Notennummern, Klaviertasten, Frequenzverhältnisse relativ zu einem Grundton ... letztendlich werden Sie all diese Möglichkeiten lernen.

Taktarten

... sicherlich etwas, das Sie lernen werden. Hängen Sie sich aber nicht an ihnen auf ... sie sind nur eine Möglichkeit, eine tiefere "Wahrheit" über Musik auszudrücken, die Sie auch lernen werden.

oder lerne ich ein Instrument?

Da die Musik, die Sie sagten, Sie inspiriert, traditionelle Instrumentalmusik ist, würde ich sagen, ja, probieren Sie es aus! Probieren Sie ein paar aus und sehen Sie, ob einer davon zu Ihnen passt. Und wenn nicht, und Sie trotzdem komponieren möchten, kein Problem!

Komposition ist etwas, das man nie vollständig lernen kann – es gibt zu viel zu wissen. Gleichzeitig kann auch ein Musikneuling eine ansprechende Melodie auf einem Instrument heraussuchen, und vielleicht mit ein bisschen Trial-and-Error eine Begleitlinie hinzufügen und eine ansprechende Komposition finden. Es wird also eines dieser Dinge sein, die „eine Reise, kein Ziel“ sind.

Allerdings ist ein Komponist meiner Meinung nach jemand, der seine Stücke tatsächlich in die Welt hinausträgt! Auch wenn Sie vielleicht nicht das Gefühl haben, dass jedes Stück etwas ist, das Sie teilen möchten, sollten Sie vielleicht überlegen, ob Sie nicht für jemand anderen als sich selbst schreiben möchten – und wenn ja, an wen und wie Sie Ihre Musik bringen werden ihre Ohren ? Musik zu schreiben, die sonst niemand hört, kann eine schwierige Angewohnheit sein.

Ich habe angefangen, dies in Absätzen zu schreiben, und es ist inkohärent und sortiert geworden (wie die meisten meiner Texte ...), also habe ich es in ein paar Aufzählungszeichen komprimiert, aber ich schlage vor, meine vollständige Erklärung durchzugehen.

Ich würde folgendes vorschlagen:

• Klavier ist ein großartiges Instrument zum Erlernen, da Sie nicht über das Anfängerniveau hinausgehen müssen, damit es Ihnen beim Komponieren hilft.
• Lerne die Notenschrift, damit du Melodien in deinem Kopf niederschreiben und sie mit anderen Musikern teilen kannst.
  • Kennen Sie die Notenzeile, die Taktarten und den grundlegenden Rhythmus und die Notendauer, und Sie können die meisten grundlegenden Ideen aufschreiben.
• Beginnen Sie mit Monophonie oder einer einzelnen, unbegleiteten Melodie.
  • Die meisten Harmonien erfordern ein grundlegendes Verständnis der Musiktheorie, und das könnte Sie in die Irre führen, bevor Sie überhaupt Noten zu Papier gebracht haben.
  • Außerdem können Sie jederzeit zurückgehen und jedem monophonen Stück Harmonie hinzufügen.
• Musescore ist eine kostenlose Software, die bei der musikalischen Komposition hilft und einen Blick wert ist, obwohl ein grundlegendes Verständnis der Theorie erforderlich ist, um nicht frustriert zu werden.

Und der vollständige Text:

"Musiktheorie" ist eine super breite Kategorie. Sie können einfache und sogar etwas komplexe Melodien schreiben, ohne viel davon zu wissen. "Musiknotation" ist jedoch spezifischer, und damit würde ich beginnen.

Alle großen Komponisten, die ich kenne

• Spielen Sie mindestens ein Instrument oder kennen Sie es zumindest aus
• Wissen, wie man die Lieder in seinem Kopf in mindestens der einen oder anderen Form notiert

Davon abgesehen...

Komponieren ist die Kunst, Melodien im Kopf niederzuschreiben. Du kannst Melodien in deinem Kopf haben und sie sogar spielen oder singen, und schon hast du den ersten Schritt nach unten. Das Schöne an der Notenschrift ist es, diese Melodien zu bewahren, damit sie nie vergessen werden.

Abgesehen davon würde ich vorschlagen, dass Sie Grundkenntnisse über das Notensystem haben (wobei die Tonhöhen in Standard-Notenschrift notiert sind, was ich zu lernen vorschlage, weil Sie sich für Orchestermusik zu interessieren scheinen), Taktart (den Takt und sogar, man könnte sagen, "chronologischer Bereich" der Musik) Notendauer (wie viel des "chronologischen Bereichs" jede Note einnimmt).

Mit diesen grundlegenden Werkzeugen können Sie die Songs in Ihrem Kopf aufschreiben. Nun, wie bekommst du diese Songs in deinen Kopf?

Es ist ein Fehler, anzunehmen, dass es beim Komponieren nur um Formeln geht. Natürlich gibt es viele, die Sie verwenden können, aber ich bevorzuge es, eine Melodie auszuwählen, die Ihnen in den Sinn kommt. Einfach irgendeine alte Melodie, die dir in den Sinn kommt. Nun, für Ihre Zwecke und da es für Sie einfacher wäre, Musiktheorie nach Bedarf zu lernen, würde ich zunächst bei der Monophonie bleiben (einzelne Melodie, ohne Begleitung). Das Schöne daran ist, dass Sie jederzeit später zurückkehren und Akkorde oder Gegenmelodien einfügen können, wenn Sie das Bedürfnis danach haben, aber es ist befriedigend, die Noten abzulegen und etwas Kohärentes zu hören.

Ein letztes Argument für das Erlernen der Musiknotation ist, dass, sobald eine Melodie niedergeschrieben ist, jeder Musiker ( die meisten Musiker) in der Lage sein wird, sie durch Lesen zu spielen, was bedeutet, dass Sie nicht umständlich sagen müssen: „Nun, es geht so Dies..."

Nun, was das Erlernen eines Instruments betrifft, schlage ich vor, dass Sie sich Grundkenntnisse der Klaviertastatur aneignen, weil es so einfach ist, aber es hilft Ihnen enorm, die Welt der Noten zu verstehen. Ich spiele kaum Klavier (kaum über das 3. Kinderbuch in meinem Studium hinaus ;-P), aber ich kann die richtige Körperhaltung/Technik verwenden, um Melodien in meinem Kopf zu schlagen, und die Visualisierung der Tastatur hilft bei vielen Konzepten, die ich würde nicht anders fassen können.

Musescore ist eine großartige KOSTENLOSE Software, die Sie beim Komponieren unterstützt, obwohl sie eine Menge Terminologie verwendet und ein grundlegendes Verständnis der Musiktheorie erfordert. Aber es ist KOSTENLOS! und daher einen Blick bzw. Download wert...

Willkommen bei Musik: Praxis & Theorie!

Ich stimme dem größten Teil dessen zu, was TopoMorto in seiner Antwort gesagt hat, und ich möchte Ihnen nur einige weitere Informationen und Ideen sowie einige meiner eigenen Erfahrungen als Tipp geben.

• Die Melodie

Fast immer ist die Melodie der entscheidende Teil jeder Musik. Ich schätze, du hast immer irgendwelche Melodien im Kopf! Ich weiß ich tue! Da fange ich natürlich an, wenn ich eine Melodie habe. Ich nehme das Klavier oder die Gitarre, wenn ich sie zur Hand habe, und fange an, die Melodie zu spielen, finde diese Noten in meinem Kopf und die Intervalle. Oder ich fange einfach an, diese Noten in Guitar Pro zu schreiben, wenn ich kein Instrument an meiner Seite habe. Wenn meine Melodie zu mir passt, lasse ich sie so wie sie ist, ansonsten denke ich darüber nach, sie an einigen Stellen zu ändern, um sie interessanter zu machen.

• Die Harmonie

Nachdem ich die Melodie fertig habe (so könnte übrigens der Text klingen), fange ich an, gute und interessante Akkorde zu finden. Ich spiele sie auf unterschiedliche Weise in verschiedenen Variationen. Auf einem Live-Instrument gehen Melodie und Harmonie normalerweise zusammen. Manchmal beginne ich mit dem Rhythmus, wenn ich mir nicht sicher bin, was ich am Ende haben möchte.

• Der Rhythmus

Wenn ich eine Harmonie und eine Melodie habe, denke ich normalerweise an einen Rhythmus. Ich denke darüber nach, wie das Lied gehen soll, wie schnell oder langsam, was betont werden soll und welche Art von Percussion es geben könnte.

• Die Anordnung

Das ist für mich der interessanteste Teil. Wenn ich eine grundlegende Harmonie, einen Rhythmus und eine Melodie bereit habe, beginne ich mit dem Arrangieren meines Stückes. Ich nehme andere Instrumente und spiele Noten, Akkorde, Riffs usw., um dem Song Elemente hinzuzufügen. Ich füge manchmal eine zweite Harmonie und einen zweiten Rhythmus hinzu und suche nach Klängen und Ideen, die den Song interessant machen. Nachdem ich einige andere Instrumente hinzugefügt habe, schaue ich mir normalerweise meine zuvor gespielten oder komponierten Parts noch einmal an und ändere sie manchmal.

• Die Effekte

Dies ist optional, aber manchmal verwende ich gerne Effekte in meiner Musik. Oft beginne ich die ganze Idee eines Songs mit einem Effekt.

Im Grunde dreht sich alles um eine gute Melodie und ein schönes Arrangement. Ich höre oft verschiedene Musik, die ich mag, und analysiere sie. Als ich komponieren lernte, habe ich anfangs hauptsächlich meine Lieblingsbands und -komponisten kopiert.

Ein Stück zu komponieren ist nicht komponieren ... Sie sollten das Stück, das Sie komponieren möchten, bereits haben. Und es ist normalerweise einfach, wenn Sie wissen, was jedes Instrument spielen soll. Grundsätzlich ist es am schwierigsten zu wissen, wie man die Noten und die Elemente auf die Claves und den Stab schreibt. Zu wissen, wie man dem Spieler zeigt, was er spielen soll. Ich meine, Sie müssen nicht nur die richtigen Noten schreiben, die Sie spielen, sondern auch die Betonungen, die Sie machen, und die Effekte wie Tremolo und Vibrato und Fade-In/Fade-Out-Effekte sowie viele, viele andere.

Ich gebe Ihnen ein Beispiel dafür, wie ich Musik schreibe:

Ich beginne mit einer Gitarre oder einem Klavier (das sind meine Hauptinstrumente). Ich fange an, eine Melodie zu singen oder zu summen und einfach zu spielen (improvisieren) und nach einer interessanten Akkordfolge zu suchen, wenn ich keine Ahnung im Kopf habe. Wenn ich einen habe (vielleicht einen Text), fange ich an, die Melodie oder den Text zu singen und gleichzeitig nach einer Harmonie zu suchen! Sobald ich die Grundharmonie gefunden habe, ist die Melodie okay. Ich fange an, in verschiedenen Stilen zu spielen und zusätzliche Akkorde und Noten hinzuzufügen. Ich beginne damit, hauptsächlich einfache Akkorde zu spielen und keine Arpeggios oder was auch immer. Wenn ich ein paar gute interessante Akkorde habe, nehme ich das normalerweise auf. Nachdem ich es aufgenommen habe, spiele ich es ab und höre es mir an... und improvisiere in meinem Kopf weiter. Wenn ich das Gefühl habe, einen interessanten Moment entdeckt zu haben, höre ich auf und spiele diese Rolle mit der neuen Idee. Nachdem ich' Ich habe das Stück für die Melodie und die Harmonie eines Instruments gut aussehen lassen. Ich fange an, ein zweites Instrument zur Musik zu spielen und erstelle ein Arrangement. Ich klopfe einen Rhythmus und denke an eine Basslinie und so weiter. Während des ganzen Prozesses wechsle ich vielleicht mehrmals mein Hauptinstrument, wenn irgendwo eine Note stört oder mit anderen Instrumenten nicht richtig klingt. Das alles mache ich oft sehr lange. Sobald ich den größten Teil der Musik geschrieben habe, fange ich an, über ein Solo und einen Effekt nachzudenken, wenn ich will. Normalerweise nimmt ein Solo viel Zeit in Anspruch, wenn ich es wirklich interessant machen möchte und nicht nur eine einfache Improvisation. Ich könnte sogar die Harmonie an einigen Stellen entsprechend einem Solo ändern, das ich baue. Am Ende bekomme ich endlich ein schönes, gutes Arrangement, das meine ganze Band spielen kann. Die meisten meiner Arrangements befinden sich in meinem Speicher im gp Guitar Pro 7-Format. Ich fange an, ein zweites Instrument zur Musik zu spielen und erstelle ein Arrangement. Ich klopfe einen Rhythmus und denke an eine Basslinie und so weiter. Während des ganzen Prozesses wechsle ich vielleicht mehrmals mein Hauptinstrument, wenn irgendwo eine Note stört oder mit anderen Instrumenten nicht richtig klingt. Das alles mache ich oft sehr lange. Sobald ich den größten Teil der Musik geschrieben habe, fange ich an, über ein Solo und einen Effekt nachzudenken, wenn ich will. Normalerweise nimmt ein Solo viel Zeit in Anspruch, wenn ich es wirklich interessant machen möchte und nicht nur eine einfache Improvisation. Ich könnte sogar die Harmonie an einigen Stellen entsprechend einem Solo ändern, das ich baue. Am Ende bekomme ich endlich ein schönes, gutes Arrangement, das meine ganze Band spielen kann. Die meisten meiner Arrangements befinden sich in meinem Speicher im gp Guitar Pro 7-Format. Ich fange an, ein zweites Instrument zur Musik zu spielen und erstelle ein Arrangement. Ich klopfe einen Rhythmus und denke an eine Basslinie und so weiter. Während des ganzen Prozesses wechsle ich vielleicht mehrmals mein Hauptinstrument, wenn irgendwo eine Note stört oder mit anderen Instrumenten nicht richtig klingt. Das alles mache ich oft sehr lange. Sobald ich den größten Teil der Musik geschrieben habe, fange ich an, über ein Solo und einen Effekt nachzudenken, wenn ich will. Normalerweise nimmt ein Solo viel Zeit in Anspruch, wenn ich es wirklich interessant machen möchte und nicht nur eine einfache Improvisation. Ich könnte sogar die Harmonie an einigen Stellen entsprechend einem Solo ändern, das ich baue. Am Ende bekomme ich endlich ein schönes, gutes Arrangement, das meine ganze Band spielen kann. Die meisten meiner Arrangements befinden sich in meinem Speicher im gp Guitar Pro 7-Format. Ich klopfe einen Rhythmus und denke an eine Basslinie und so weiter. Während des ganzen Prozesses wechsle ich vielleicht mehrmals mein Hauptinstrument, wenn irgendwo eine Note stört oder mit anderen Instrumenten nicht richtig klingt. Das alles mache ich oft sehr lange. Sobald ich den größten Teil der Musik geschrieben habe, fange ich an, über ein Solo und einen Effekt nachzudenken, wenn ich will. Normalerweise nimmt ein Solo viel Zeit in Anspruch, wenn ich es wirklich interessant machen möchte und nicht nur eine einfache Improvisation. Ich könnte sogar die Harmonie an einigen Stellen entsprechend einem Solo ändern, das ich baue. Am Ende bekomme ich endlich ein schönes, gutes Arrangement, das meine ganze Band spielen kann. Die meisten meiner Arrangements befinden sich in meinem Speicher im gp Guitar Pro 7-Format. Ich klopfe einen Rhythmus und denke an eine Basslinie und so weiter. Während des ganzen Prozesses wechsle ich vielleicht mehrmals mein Hauptinstrument, wenn irgendwo eine Note stört oder mit anderen Instrumenten nicht richtig klingt. Das alles mache ich oft sehr lange. Sobald ich den größten Teil der Musik geschrieben habe, fange ich an, über ein Solo und einen Effekt nachzudenken, wenn ich will. Normalerweise nimmt ein Solo viel Zeit in Anspruch, wenn ich es wirklich interessant machen möchte und nicht nur eine einfache Improvisation. Ich könnte sogar die Harmonie an einigen Stellen entsprechend einem Solo ändern, das ich baue. Am Ende bekomme ich endlich ein schönes, gutes Arrangement, das meine ganze Band spielen kann. Die meisten meiner Arrangements befinden sich in meinem Speicher im gp Guitar Pro 7-Format. t mit anderen Instrumenten richtig klingen. Das alles mache ich oft sehr lange. Sobald ich den größten Teil der Musik geschrieben habe, fange ich an, über ein Solo und einen Effekt nachzudenken, wenn ich will. Normalerweise nimmt ein Solo viel Zeit in Anspruch, wenn ich es wirklich interessant machen möchte und nicht nur eine einfache Improvisation. Ich könnte sogar die Harmonie an einigen Stellen entsprechend einem Solo ändern, das ich baue. Am Ende bekomme ich endlich ein schönes, gutes Arrangement, das meine ganze Band spielen kann. Die meisten meiner Arrangements befinden sich in meinem Speicher im gp Guitar Pro 7-Format. t mit anderen Instrumenten richtig klingen. Das alles mache ich oft sehr lange. Sobald ich den größten Teil der Musik geschrieben habe, fange ich an, über ein Solo und einen Effekt nachzudenken, wenn ich will. Normalerweise nimmt ein Solo viel Zeit in Anspruch, wenn ich es wirklich interessant machen möchte und nicht nur eine einfache Improvisation. Ich könnte sogar die Harmonie an einigen Stellen entsprechend einem Solo ändern, das ich baue. Am Ende bekomme ich endlich ein schönes, gutes Arrangement, das meine ganze Band spielen kann. Die meisten meiner Arrangements befinden sich in meinem Speicher im gp Guitar Pro 7-Format. Ich könnte sogar die Harmonie an einigen Stellen entsprechend einem Solo ändern, das ich baue. Am Ende bekomme ich endlich ein schönes, gutes Arrangement, das meine ganze Band spielen kann. Die meisten meiner Arrangements befinden sich in meinem Speicher im gp Guitar Pro 7-Format. Ich könnte sogar die Harmonie an einigen Stellen entsprechend einem Solo ändern, das ich baue. Am Ende bekomme ich endlich ein schönes, gutes Arrangement, das meine ganze Band spielen kann. Die meisten meiner Arrangements befinden sich in meinem Speicher im gp Guitar Pro 7-Format.

Musik hören. Viel. Jede Art von Musik funktioniert – Klassik, Jazz, Rock – alles! Das kann Ihnen helfen, auf Ideen zu kommen, Ihren Geschmack zu finden, Sie zu inspirieren usw. Je mehr verschiedene Komponisten Sie kennen, desto leichter wird Ihnen der Einstieg fallen. Sie können auch damit beginnen, ein Musikstück zu nehmen und Variationen dafür zu schreiben – Noten hinzufügen/löschen/ändern, das Tempo ändern, Instrumente hinzufügen und andere Dinge, die Ihnen einfallen. Schließlich können Sie sich so weit vom Originalstück entfernen, dass es nicht mehr wiederzuerkennen ist!

Das Spielen eines Instruments wird auch helfen, da Sie Ihre Kompositionen spielen und ändern können, wenn Ihnen der Klang nicht gefällt. Dies wird Ihnen helfen, das Schreiben von Musik zu vermeiden, die unmöglich zu spielen ist, zB 12-Noten-Akkorde für Klavier. Ein weiterer Vorteil des Instrumentalspiels besteht darin, dass Sie sich die Grundlagen des Notenlesens und der Musiktheorie aneignen müssen, sodass Ihnen das Komponieren Ihres ersten Stücks leichter fallen wird.

Das Wichtigste ist wahrscheinlich, Ideen zu bekommen. Wenn Sie eine Idee haben, aber nicht wissen, wie Sie sie aufschreiben sollen, ist das besser, als Musiktheorie zu kennen und einen leeren Kopf zu haben. Sie können Musiktheoriebücher kaufen, einen Kurs belegen oder sich Videolektionen ansehen – obwohl ich empfehlen würde, tatsächlich mit einem echten Lehrer zu sprechen, damit er Ihre Fragen beantworten kann.

Viel Glück und hab Spaß!

OK, ich habe vor etwa 45 Jahren angefangen, mir selbst Komposition beizubringen. Ich habe Holzbläser gespielt, also war ich nicht ganz auf See, aber meine ersten Harmonieversuche verbrauchten viele Sekunden, die nicht sehr erfolgreich waren. Ich suchte nach Common Practice Harmony, um das in den Griff zu bekommen, und als junger Mann in den frühen 70er Jahren schaute ich auch etwas über CP-Harmony hinaus.

Ich habe angefangen, am Kontrapunkt zu arbeiten. Die Argumentation hier war sehr ähnlich zu der, warum ich Kurse zum Aktzeichnen an der Universität besuchen wollte, obwohl ich in erster Linie ein abstrakter Künstler war: Indem ich unter bestimmten, wohlverstandenen Einschränkungen arbeitete, konnte (und tat) ich lernen, meine Materialien dazu zu bringen, das zu tun, was ich wollte Sie. Das ist der eigentliche Sinn akademischer Ausbildung – kein Regelwerk, das befolgt werden muss , sondern kompositorische Gymnastik. (Außerdem bieten Ihnen die "Regeln" praktikable Lösungen für Probleme, die ziemlich häufig auftreten. Manchmal lohnt es sich nicht, das Rad neu zu erfinden.)

Bestimmten Zwängen kann man sich jedoch nicht entziehen. Wenn Sie für Orchester schreiben, müssen Sie wissen, wo die Grenzen der Instrumente liegen und wie sie sich gegenseitig ausbalancieren. Dafür ist das Erlernen eines Instruments gut: Man lernt tief in den Knochen, dass Instrumente sehr unterschiedliche Stärken und Grenzen haben, und man lernt, für die Instrumente, die man nicht spielt, nach gründlicher Recherche mit einer gewissen Umsicht und Respekt zu schreiben. Wenn Sie zum Beispiel etwas so Extremes tun, wie einen staccatissimo Sechs-Noten-Akkord für eine Hand am Klavier zu schreiben, sollten Sie verdammt noch mal sicherstellen, dass es für mindestens einen Finger machbar ist, zwei (weiße) Tasten zusammen zu spielen, oder Niemand wird dem Pianisten die Schuld dafür geben, dass er mit einem verdammt großen Stock hinter Ihnen her ist. :D

Das Ideal ist, dass du lernst, das herauszuholen, was in deinem Kopf vorgeht, und dass das, was du schreibst, sowohl die Künstler als auch das Publikum erreicht. Das ist das Ideal - Sie werden es vielleicht nie ganz erreichen, aber die Idee ist, auf dem Weg Spaß zu haben. Wenn Sie die Reise nicht genießen, lohnt es sich nicht.

Ich werde Ihnen nicht sagen, dass Sie mit Monophonie beginnen sollen (ich habe es selbst nicht getan), aber ich werde Ihnen auch nicht sagen, dass Sie es nicht tun sollen - versuchen Sie zu schreiben, was in Ihrem Kopf ist, und versuchen Sie dann, die Lücken zu schließen, die Sie daran hindern dies zu erreichen. Wenn das, was Sie in Ihrem Kopf hören, einfach ist, dann schreiben Sie einfach; Wenn nicht, seien Sie ehrgeizig und versuchen Sie es. Möglicherweise müssen Sie Skizzen beiseite legen, bis Sie musikalisch reif genug sind, um damit umzugehen. Du wärst nicht die erste Person, die das tut, also keine Sorge, wenn das passiert.

Lesen Sie Bücher und Partituren wie Billy-be-damned, und denken Sie daran, dass keines davon Ihnen einen Zauberstab geben wird, um all Ihre musikalischen Probleme zu lösen. Versuchen Sie eine sequenzerorientierte Ausgabe zu vermeiden - es gibt gelegentlich Fälle, in denen Sie aus praktischen Gründen auf Performer verzichten müssen, Sequenzen aber nicht wachsen können; eine Partitur, die von Interpreten interpretiert werden kann und tut. Ich verwende Sequenzen sehr streng als grobe Richtlinie für Interpreten, wie ein Stück klingen wird. Ich sage mit Bedacht "rau": Sequenzen wachsen nicht nur nicht, sie atmen auch nicht sehr gut.

Üben, üben, üben.

Das Erlernen eines Instruments wird das Komponieren viel einfacher machen, zum Teil, weil Sie lernen werden, wie Musiknotation funktioniert. Es setzt Sie auch viel Instrumentalmusik aus. Als Amateurkomponist (und Highschool-Bandmitglied) würde ich vorschlagen, vor dem Komponieren ein Instrument zu lernen. Ich spiele nur zwei Instrumente, daher kann ich Ihnen mit meinen begrenzten Kenntnissen diesen kleinen Tipp geben: Wenn Sie sich für das Saxophonspiel interessieren, lernen Sie zuerst Klarinette. Klavier spielen zu lernen würde dir sehr helfen, aber ein Instrument zu lernen, das Teil einer Blasorchester/Orchester ist, wird dir mehr Wissen darüber vermitteln, wie große Ensembles funktionieren.

Wie die meisten Komponisten darin übereinstimmen, ist Musiktheorie sehr wichtig. Ich würde ein Buch über Musiktheorie vorschlagen. Sie können mit nur begrenztem Wissen über Musiktheorie viel anfangen, aber je mehr Sie lernen, desto fortgeschrittener werden Ihre Werke. Der Grund, warum ich ein Buch empfehle, ist, dass der Autor sehr einfach beginnt und später fortgeschrittenere Konzepte enthüllt. Dies macht es sehr einfach, was man zuerst lernen sollte.

Wenn Sie mit dem Komponieren beginnen, haben Sie keine Angst davor, Wiederholungen in Ihrer Musik zu verwenden. Es ist nichts falsch daran, etwas zu wiederholen, das dir gefällt. Hören Sie sich einfach dieses Stück aus Disney Pixars Up an . Sie sollten damit beginnen, einfache Klavierstücke zu komponieren. Mein erstes Stück war ein einfaches Klaviersolo. Es hatte keine Akkorde, eine einfache Melodie, die den Kontrapunkt nutzte (mangels musikalischer Ideen), und viele Wiederholungen.

Mein letzter Ratschlag lautet: Lassen Sie sich nicht entmutigen! Wenn Sie in einem Lied auf einen Teil stoßen, den Sie nicht spielen können, verlangsamen Sie es und nehmen Sie es Note für Note auf, spielen Sie es jeden Tag schneller, bis Sie es so gut wie möglich hinbekommen. Wenn Sie an einen Punkt kommen, an dem Ihr Geist völlig leer ist von musikalischen Ideen, ist das in Ordnung! Das ist mir schon oft passiert. Und meistens fällt es mir später auf. Ich bin kein professioneller Komponist, aber ich habe einige anständige Stücke geschrieben. Der beste Weg, sich inspirieren zu lassen, besteht darin, Komponisten zuzuhören, deren Werke Sie bewundern. Einige der größten modernen Filmkomponisten sind John Williams, Hans Zimmer und Michael Giacchino.

Ich empfehle dringend, das ziemlich kurze Buch zu lesen: „ Musical Composition “ von Reginald Smith Brindle. Es ist eine hervorragende Einführung in alle Elemente, die der Komponist wissen und berücksichtigen muss. Es ist eines der wenigen Kompositionsbücher, die meines Erachtens die Zeit überdauern und auch im digitalen Zeitalter relevant bleiben.

Das Komponieren von Musik ist im Grunde der Prozess des Externalisierens und Dokumentierens der Musik, die in Ihrem Kopf/Ihrer Vorstellungskraft spielt... Das Entwickeln eines gewissen Niveaus an Fähigkeiten auf dem Keyboard/Klavier (oder der Gitarre, wenn Sie eine Abneigung gegen das Keyboard haben) wird sich als geeignet erweisen ein äußerst hilfreiches und nützliches Tool. Ich empfehle die Tastatur aus mehreren Gründen.

1. Es ist einfacher zu spielen (es wurde so konzipiert, dass es einfach und bequem zu spielen ist – die Gitarre erfordert viele umständliche und unbequeme Manöver und Aktivitäten mit Ihren Fingern – einschließlich der Entwicklung von Schwielen!)

2. Die Tastatur bietet auch eine visuelle Schnittstelle/Gaumen, die sehr hilfreich sein kann, um Ihr Lernen und Verstehen der zugrunde liegenden Mechanik oder „Grammatik“ der Musik (auch bekannt als Musiktheorie) zu erleichtern.

3. Wenn ein Keyboard mit einfacher (billiger/kostenloser) Software/virtuellen Instrumenten (oder anderer klangerzeugender Hardware) an einen Computer angeschlossen ist, kann es im Grunde JEDEN Klang erzeugen, den es gibt! Ich könnte noch viele weitere Gründe aufzählen, aber ich hoffe, das sollte genügen.

Mein Ratschlag zum Erlernen des Keyboardspiels lautet: Konzentrieren Sie sich auf eine Methode/Technik, die das „Spielen nach Gehör“ betont. Denn, wie ich gerade gesagt habe: Komponieren bedeutet, die Musik in deinem Kopf aufzuschreiben – was nur eine andere Art ist, „nach Gehör zu spielen“ – zu spielen, was du in deinem Kopf hörst. Persönlich hatte ich eine einzigartige Reihe von Umständen, die mich dazu gebracht haben, als ich jünger war. Kurz gesagt: Wir lebten in einer sehr isolierten und abgelegenen Gegend – kein potenzieller Lehrer oder sogar Bücher, die mich anleiten könnten. ABER wir hatten ein Klavier und ich hatte viel Zeit. Ich habe zuerst herausgefunden, wie man ein paar einfache Melodien spielt, und allmählich habe ich angefangen, herauszufinden, welche der anderen Noten richtig klangen oder gut mit der Melodie zu spielen waren. Damals war mir das nicht klar, aber im Grunde war ich dabei, die Grundlagen der Musiktheorie herauszufinden.

Später, als ich Musiktheorie- und Klavierunterricht nehmen konnte, konnte ich ziemlich schnell Fortschritte machen, weil ich wirklich nur die offiziellen Wörter, Begriffe und Techniken für die Konzepte lernte, die ich bereits formuliert hatte.

Im Grunde geht es darum, dass Sie so schnell und so viel wie möglich anfangen, Musik zu spielen und zu „machen“!!!

Ich würde Sie auch dringend bitten, sich einer Art Gemeinde- oder Kirchenchor/-band/-orchester anzuschließen (Sie werden sicherlich gut genug Schlagzeug spielen lernen können). Ein Chor ist wirklich ideal – du lernst viel über Musik, indem du sie lernst und aufführst – besonders in einem Ensemble! Ich denke, das ist der logischste und „einfachste“ Weg, um zu entdecken und wirklich zu verstehen, wie Musik zusammenkommt – Stück für Stück und Schicht für Schicht. Das wird auch ein intuitiver und effizienter Weg sein, sich mit den Grundlagen von „geschriebener Musik“ vertraut zu machen und wie man sie liest – aber ohne den langweiligen, komplizierten, abstrakten Rahmen eines Musiktheorieunterrichts oder eines „Lehrbuchs“ ...

Zusätzlich zum Beitritt zu einem Chor oder Instrumentalensemble möchte ich Sie bitten, auch einen Trommelkreis zu finden, zu dem Sie gehen und an dem Sie teilnehmen können. In den meisten Städten und sogar mittelgroßen Städten gibt es so etwas, das sich mindestens einmal im Monat trifft, wenn nicht wöchentlich. Ein Trommelkreis wird wie eine Schatzkiste mit einer völlig anderen Art von Informationen, Erfahrungen und Konzepten sein, die Sie sonst nirgendwo finden können! Nicht zuletzt hilft es, Ihre Kreativität anzuregen und zum Fließen zu bringen ... Unterschätzen Sie nicht die Qualität oder Quantität wertvoller Einsichten und Erfahrungen, die Ihnen durch öffentliche, improvisatorische und partizipative Veranstaltungen zur Verfügung stehen!

Ich hoffe, dies hat dazu beigetragen, Ihre Konzepte und Ideen darüber zu erweitern, wie Sie lernen könnten, originelle Musik zu erstellen. Ich hoffe, es ist mir gelungen, Ihnen zu vermitteln, wie wichtig es ist, sich sofort auf das „Musikmachen“ einzulassen.

Auf den ersten Blick ist der beste Weg, Komponieren zu lernen, mit dem Komponieren anzufangen! Holen Sie sich ein kostenloses/günstiges Notationsprogramm wie MuseScore oder MusicMasterworks und fangen Sie an zu experimentieren. Sehen Sie, was Sie sich einfallen lassen können. Ich garantiere Ihnen, dass Sie viel über tonale Beziehungen, Phrasierung, Melodie und Rhythmus lernen werden, indem Sie einfach herumspielen - und vielleicht fallen Ihnen auch einige coole Melodien ein!

Aber wenn/wenn Sie sich entscheiden, es ernst zu nehmen, beachten Sie Folgendes:

Komponisten sind nicht unbedingt Musiker, und Musiker sind nicht unbedingt Komponisten. Der Unterschied zwischen einem Komponisten und einem Musiker ist derselbe wie der Unterschied zwischen einem Schriftsteller und einem Redner. Einer ist an den anderen gebunden, verlässt sich tatsächlich auf den anderen, damit ihre Kunst Früchte trägt; aber die Fähigkeiten, die sie einsetzen, und die Talente, die sie haben müssen, sind eigentlich ganz anders. Scheint ziemlich offensichtlich zu sein, aber es ist gut, sich daran zu erinnern, denn die Grenze zwischen den beiden verschwimmt manchmal, wenn man an Musik denkt.

Sie müssen die Musiktheorie kennen, um Musik zu komponieren, aus den gleichen Gründen, aus denen Sie die Grammatikregeln kennen müssen, um zu schreiben. Man muss keine Musiktheorie lernen, um Musik zu machen, aber Komposition ist nicht dasselbe wie Aufführung.

Was ist eine Musikkomposition? Auf der grundlegendsten Ebene handelt es sich um eine Reihe von Anweisungen für Musiker. Was ist Musiktheorie ? Zum großen Teil ist es eine Definition von Begriffen, damit Musiker musikalische Ideen in gesprochener oder geschriebener Sprache kommunizieren können. Wie Sie sehen können, sind sie nicht dasselbe; aber sie sind verwandt.

Wenn Sie Musik machen, kommunizieren Sie Ihre musikalischen Ideen direkt mit Klang. Aber wenn es um Komposition geht, kommunizierst du deine musikalischen Ideen schriftlich. Eine Partitur ist schließlich nichts anderes als niedergeschriebene musikalische Ideen. Deshalb ist es besser, Musiktheorie zu kennen, wenn Sie Ihre musikalischen Ideen anderen Musikern vermitteln möchten.

Eigentlich ist es nicht zwingend erforderlich , ein Instrument zu lernen, wenn man Musik komponieren möchte, aber es ist ziemlich schwer vorstellbar, ohne es zu komponieren. Beim Komponieren wird ein Musikinstrument neben allem anderen zu einem Rechenwerkzeug. („Funktioniert dieses Intervall? Angenommen, ich komme aus dieser harmonischen Beziehung, kann ich zu dieser Harmonie gehen?) Theoretisch könnten Sie einfach Ihre Stimme verwenden, aber das wirft die Frage auf, wie Sie mehrere Töne, harmonische Beziehungen usw. testen würden.

Taktarten werden in fast der gesamten westlichen Musik verwendet, ob in gebräuchlichen Taktarten wie 2/4, 3/4 oder 4/4 oder komplizierteren Taktarten wie 7/8, 11/8, 13/8 15/8 17 /8 usw. Die gute Nachricht ist, dass die meiste westliche Musik in 2, 3 oder 4 ist. Die noch bessere Nachricht ist, dass praktisch alle Taktarten in Untergruppen von 2 und 3 unterteilt sind, also auch wenn es kompliziert klingt, ist es hübsch einfach (zumindest konzeptionell). Um ein guter Musiker zu sein, braucht man ein solides Verständnis von Rhythmus und Tempo. Als Komponist ist ein gutes Rhythmusgefühl nicht erforderlich, aber das Verständnis des Tempos (insbesondere Tempobeschränkungen bei verschiedenen Instrumenten) ist entscheidend.

Als Musiker ist es unerlässlich, Grundlagen der Perkussion zu studieren. In der Lage zu sein, pünktlich und im Tempo zu spielen, ist genauso wichtig wie in der Lage zu sein, in der richtigen Stimmung zu spielen. Kompositionstechnisch ist es unerlässlich zu lernen, was sowohl perkussiv als auch melodisch möglich ist. Sie werden auch Harmonie lernen wollen, einschließlich der Akkordstruktur. Wenn Sie schon dabei sind, lernen Sie die „Kirchen“-Tonleitern (ionisch, dorisch, phrygisch, lydisch, mixolydisch, äolisch, lokrisch) und die pentatonische Tonleiter.

Wenn Sie all dies lernen, können Sie Ihre musikalischen Vorstellungen prägnanter und klarer kommunizieren und auch viel schneller Musik komponieren. Ein letzter Punkt zum Musizieren und Komponieren: Man muss kein guter Musiker sein, um ein guter Komponist zu sein . Sie müssen verstehen, wie Instrumente funktionieren, wie Tempo und Rhythmus und der ganze Rest funktionieren, aber Sie müssen nicht gut spielen können. Sie müssen nur wissen, wie es funktioniert.

Wenn Sie Orchester lernen möchtenKomposition, da steckt wirklich einiges drin. Sie müssen an das Niveau der Musikalität denken, das Ihr Stück erfordert. Wenn Sie ein Stück schreiben, das viel Virtuosität erfordert, wird es (bestenfalls) ein leuchtendes Ziel für musikalisch Interessierte sein und (im schlimmsten Fall) fast nie gespielt, weil es nicht viele Leute gibt, die es spielen können. Auf einer genaueren Ebene müssen Sie sich des Tonumfangs jedes Instruments bewusst sein, für das Sie schreiben, wobei zu berücksichtigen ist, dass der Tonumfang sowohl von der Musikerkompetenz als auch von der Band- oder Orchesterkompetenz abhängt. (Der erwartete Tonumfang eines Nachwuchsorchesters unterscheidet sich zum Beispiel stark von dem des London Symphony Orchestra.) Mögliche Instrumentenvoicings werden je nach Veranstaltungsort erheblich variieren. und nuancierte Lautstärke-/Instrumentenwechsel innerhalb der Komposition könnten verloren gehen, wenn das Stück im Freien oder in einer akustisch ungünstigen Umgebung wie einer Indoor-Arena aufgeführt werden soll. Es ist nicht ungewöhnlich, Anfragen zu erhalten, bestimmte Stimmen für verschiedene Instrumente zu komponieren, das gesamte Stück für eine andere Art von Musikgruppe (z. B. Band/Orchester/Oktett/Quintett/Trio/Chor) neu zu arrangieren oder das Stück neu zu arrangieren anderer Schlüssel.

tl;dr: Holen Sie sich ein kostenloses Musikprogramm, spielen Sie herum und sehen Sie, was Sie tun können. Betrachten Sie es als den ersten Schritt auf der Reise von tausend Meilen.

Schnappen Sie sich ein Instrument und versuchen Sie, es zu spielen (vorzugsweise ein Akkordinstrument). Spielen Sie irgendeinen Unsinn, um sich aufzuwärmen. Wenn der "Unsinn" interessanter wird als das, was Sie zu lernen versuchen, dann sind Sie ein Komponist. Wenn Sie Ihre Kompositionen nicht selbst spielen möchten, müssen Sie natürlich entweder lernen, Musiknotation zu schreiben, oder lernen, mit so etwas wie einer Midi-App zu komponieren, die Ihre Komposition in Partitur umwandelt.

Der beste Weg, um zu komponieren, falls Sie bereits Musik kennen, ist, Ihren Lieblingskünstler zu hören, seine Texte und Songstruktur zu lernen und dann zu versuchen, eine Nachbildung zu machen. Der beste Weg, um zu komponieren, falls Sie bereits Musik kennen, ist, Ihren Lieblingskünstler zu hören , lernen Sie ihre Texte und Songstrukturen und versuchen Sie dann, eine Nachbildung zu erstellen. Dadurch können Sie sich wohler fühlen und mit der Erstellung Ihrer eigenen beginnen!

Ich fing eines Tages während meiner Mittagspause in der Schule buchstäblich an, in Apples kostenloser GarageBand-App auf meinem iPad herumzuspielen; Ich habe mich mit seinen Funktionen vertraut gemacht, indem ich das Hilfemenü durchgelesen habe, und ich habe angefangen, mit den verschiedenen verfügbaren Instrumenten und Dingen zu experimentieren, um zu sehen, was richtig klingt. Ich habe auch viele (kostenlose!) hilfreiche Ressourcen gefunden, indem ich eine einfache Google-Suche durchgeführt habe, wenn ich über ein bestimmtes Problem gestolpert bin. Allerdings empfehle ich es für alle Verwendungszwecke von GarageBand absolut nicht als primäres Werkzeug zum Komponieren; Verwenden Sie stattdessen ein Programm wie MuseScore – auf ihrer Website finden Sie sogar eine Reihe hilfreicher Lehrvideos, die die Grundlagen der Verwendung des Programms abdecken.

Das Problem beim Komponieren in GarageBand ist, dass die App kein Werkzeug zum Schreiben von Musik sein soll, sondern ein Werkzeug zum Musikmachen, das ich missbraucht habe. Das bedeutet, dass jedes Mal, wenn ich mir eine Kopie der Noten für einen Song ansehen wollte, den ich in der App komponiert habe, das bedeutete, alles von Hand zu transkribieren, weil die Software von Apple nicht immer mit anderen Computern funktioniert. Die Transkription kann sehr mühsam und zeitaufwändig sein, also wiederholen Sie meine Fehler nicht!

Meine Fähigkeit zu komponieren ist noch in Arbeit, aber das Wichtigste ist, dass der Fortschritt stattfindet. Schauen Sie, trotz all der technischen Aspekte, die Musik im Kern hat, dreht sich bei Musik wirklich alles um Gefühle, also vertrauen Sie ruhig Ihrem Instinkt und haben Sie keine Angst zu experimentieren.