Ich erinnere mich, irgendwo gelesen zu haben, dass Handlungsstränge zwar Spannung haben sollten, aber zu viel Spannung den Leser ermüdet, also sollte es eine Atempause geben, wo der Leser die Möglichkeit hat, zu Atem zu kommen.
Leider haben die Autoren in ein oder zwei Büchern, die ich kürzlich gelesen habe, direkt nach einer angespannten Szene angefangen, über etwas Triviales zu sprechen, wie die Psychoanalyse der Kindheit des Helden oder die Midlife-Crisis eines Superhelden mittleren Alters. Das langweilte mich und ich warf die Bücher weg.
Ich verstehe zwar, dass eine Atempause benötigt wird, aber wie stelle ich sicher, dass diese Atempause nicht zu einer „langweiligen“ Pause wird?
Bearbeiten: Die Beispiele, die ich gegeben habe, stammen aus Action- / Thriller-Büchern, in denen sich all die Psychoanalyse und "Charakterisierung" wirklich fehl am Platz anfühlten. Ich verstehe, dass diese Szenen in einem literarischen Roman angemessen gewesen sein könnten.
Ich denke, der Ausdruck "Atempause" ist irreführend bis hin zum Schaden.
Wie passt es zusammen, jemandem „Raum zum Atmen“ zu geben, damit, eine Geschichte „unverzichtbar“ zu machen?
„Gang wechseln“ oder „Dynamisch schreiten“ ist vielleicht eine bessere Art, das gewünschte Erlebnis zu formulieren.
Beim Drehbuchschreiben beziehen sie sich auf jeden "Gang" oder jede Stimmung als "Beat". Wenn Sie einen Film haben, der ausschließlich aus einer Art von Beat besteht, wird es auf irgendeine Weise einfach verblüffend. Wie ein konstanter Metronom-Impuls ... denken Sie an Transformers 3, ja?
Um den Leuten eine fesselnde Fahrt zu bieten, müssen Sie Beats interpolieren, um einen faszinierenden Rhythmus von Ereignissen zu erzeugen. Sie haben also einen Action-Beat, dann einen emotionalen Beat, vielleicht noch einen Action-Beat, einen Plot-Twist-Beat, einen emotionalen Beat, einen weiteren Plot-Twist und so weiter und so weiter. Wenn Autoren dazu neigen, darin schlecht zu sein, glauben sie, soweit ich das beurteilen kann, sehr stark daran, dass sie dem Publikum eine Atempause geben. „Emotional Beat“ bedeutet im Kopf von jemandem, der lieber Actionszenen schreibt, übersetzt „Moment irrelevanter weinerlicher Selbstbeobachtung“. Es ist auch möglich, einen umgekehrten Fehler zu machen. Leute, die gerne verdrehte "Exposition als Action"-Szenen schreiben, können physische Actionszenen wirklich vollstopfen, indem sie sie überlange, eintönige, kakophonische Beschreibungen von emotionslosen aktiven Beschreibungen auf der Wäscheliste machen.
Hollywood-Drehbuchautoren glauben nicht daran, dem Publikum eine Atempause zu geben. Denken Sie daran, dass Drehbuchautoren Werke für das launischste, perverseste und bizarrste Publikum der Welt schreiben: Hollywood-Filmproduzenten. Wenn diese Typen Zeit zum Inhalieren haben, werden sie wahrscheinlich als Nächstes sagen, dass sie sich nicht für das Drehbuch interessieren.
Ich bin der Meinung, dass jede Szene , wie ein Drehbuch, den Leser am Halsband packen und miteinbeziehen sollte. Doch anstatt ihnen nur Lärm ins Gesicht zu schmettern, muss die Prosa dafür wie ein großer Schauspieler ein eigenes Metrum haben, mal leise, mal laut, mal clever, mal aufwühlend, mal hell, mal dunkel. Wie ein überzeugender Redner kann gute Prosa eine Vielzahl von Stimmungen beherrschen, aber eine konstante Intensität aufrechterhalten.
Vergiss "Atempause".
Zusammenfassen. Sie müssen einem Leser keine Atempause geben. Sie müssen ihnen Abwechslung bieten: eine Actionszene mit einem Sinn für echte Einsätze, in die der Leser emotional eingebunden ist; eine emotionale Szene mit einer rohen und charismatischen Intensität, die den Leser verführt und fasziniert; eine Szene der Offenbarung, die dem Leser das Gefühl gibt, dass er weiß, wohin die Geschichte führt. Wenn Sie nur eines dieser Dinge immer wieder wiederholen, werden Sie am Ende langweilig; laut und frech; manipulativ und zynisch; unsicher, was Sie sagen wollen.
All das ist natürlich leicht gesagt, es zu tun ist die Herausforderung.
Ich glaube nicht, dass Sie irgendetwas schriftlich "zusichern" können. Ich denke, jedes Buch, das jemals geschrieben wurde, hat Menschen, die es lieben (zumindest der Autor) und Menschen, die es hassen. Was Sie langweilig fanden, fand jemand anderes wahrscheinlich faszinierend.
Ich denke, es ist großartig, an sein Publikum zu denken und zu versuchen, das zu schreiben, was es lesen möchte, aber man muss auch an sich selbst denken und in Bezug auf das Schreiben und Lesen überlegen, was DU willst. Lesen Sie also Ihre eigene Arbeit mit einem kritischen Auge und sehen Sie, ob Sie sie als Leser interessant finden würden.
Etwas konkreter:
Bauen Sie die Spannung auf, erreichen Sie einen Höhepunkt und beginnen Sie dann erneut, die Spannung aufzubauen. Analysieren Sie die Kindheit des Helden nicht psychologisch, es sei denn, das erhöht die Spannung . Die Spannung könnte erhöht werden, weil wir anfangen, uns mehr um den Charakter zu kümmern, oder weil es uns Hinweise auf die aktuelle Situation oder was auch immer gibt, aber wenn es völlig unabhängig ist, sollte es nicht da sein. Der Spannungsanstieg mag subtil sein, aber er sollte da sein.
Das heißt, wenn Sie nicht die Art von Leser sind, die gerne eine Charakterisierung in eine Actiongeschichte einfügt, dann schreiben Sie diese Art von Geschichte nicht. Ich denke, Leser können erkennen, wenn Autoren es vortäuschen, also sollten Sie die Art von Buch schreiben, die Sie gerne lesen würden, und darauf vertrauen, dass Sie nicht einzigartig sind; es gibt andere da draußen, die das Gleiche mögen, und sie sind dein Publikum.
Ich habe kürzlich ein Buch mit dem Titel The Poison Throne (Teil der Moorehawke-Trilogie) von Celine Kiernan gelesen, in dem ich fand, dass dies unglaublich gut gemacht wurde. Sie würde die Spannung aufbauen, indem sie die Atmosphäre des Misstrauens zwischen den Charakteren aufbaute und auf die kommende Gewalt hinwies, die in dieser Gewalt ihren Höhepunkt erreichen würde. Dann gab sie den Lesern eine Pause mit einer Szene oder einem Kapitel, die im krassen Gegensatz zu dieser Atmosphäre stehen, in der sich die Charaktere in der Privatsphäre ihres eigenen Zimmers befinden und man die sehr reale, zugrunde liegende Liebe und das Vertrauen zwischen ihnen so oft sehen kann muss ausgeblendet werden. Es war eine gute Möglichkeit, den Leser zu Atem zu bringen, und weit davon entfernt, ihn einzuschlafen, machte es die Szene emotional stärker. Dann würde die Szene eine weitere Runde des Spannungsaufbaus starten.
Ich denke, was diese Arbeit ausmachte, war der Kontrast. Die Spannung kommt von den Charakteren, die nicht wissen, wem sie vertrauen können, und wissen, dass ein einziger Fehltritt in einer Welt, in der jeder ein Messer hinter seinem Rücken zu verstecken scheint, sie nicht nur ihr Leben kosten könnte, sondern auch das ihrer Lieben. Dann gibt sie dem Leser Einblicke in ruhige Zeiten, in denen die Charaktere wissen, dass sie allen anderen im Raum voll und ganz vertrauen und ihre Wachsamkeit aufgeben können.
Natürlich wird Ihre Geschichte nicht genau die gleichen Szenarien haben, aber Sie könnten kontrastierende Techniken ausprobieren und sehen, ob sie für Sie funktionieren.
Ein Analogon:
Ich hatte einen Freund im College, der Choreograf war. Sie hatte kürzlich ein Stück präsentiert, das begeisterte Kritiken hervorrief, und war amüsiert, dass einer der Momente, die die positivste Aufmerksamkeit erregten, eine lange, langsame, ausladende Bewegung war (ich erinnere mich nicht, wie der Tanzbegriff dafür war).
Sie sagte mir: „Dieses Ding, das sie lieben – es war direkt nach einer großen, komplizierten, schwierigen Sequenz .
Du weißt vielleicht, dass du eine ruhige Szene einbaust, um dem Leser eine Verschnaufpause zu gönnen. Aber die ruhige Szene muss einen Zweck haben. Es muss zur Geschichte beitragen. Finden Sie einen Grund für die ruhige Szene, und der Spannungsabbau erledigt sich von selbst. Wenn Sie keinen Grund für eine zurückhaltende Szene finden, brauchen Sie vielleicht auch keinen.
Kate S.