Wo kann ich mit meiner Improvisation anfangen?

Gute Frage, Edgar!

Ich schätze, wenn Sie etwas von Real Book gespielt haben und so, dass Sie von Jamey Aebersold gehört haben. Wenn nicht, müssen Sie ihn sich unbedingt ansehen, und die Bände 1, 2, 3 und 54 sind für Anfänger sehr verbreitet.

Wenn Sie jedoch den Weg von Jamey Aebersold erschöpft haben und sich immer noch nicht sicher sind, wohin Sie gehen sollen, ist mein bester Ratschlag, sich Jazzgrößen anzuhören, sie noch einmal anzuhören und dann noch mehr zu hören. Die besten Jazzmusiker hörten sich ständig Aufnahmen an und spielten dazu und/oder transkribierten (analysierten, wenn Sie den theoretischen Hintergrund dazu haben) die Soli. Während Sie zuhören, sollten Sie Ihre Lieblings-Licks ins Visier nehmen. Für mich ist das einer. Sie müssen herausfinden, welche Saxophonisten Sie am meisten inspirieren, und ihre Licks lernen (wie Charlie Parker). Nachdem Sie ihre Licks gelernt haben, lernen Sie sie in jeder Tonart. Dies ist ein gemeinsames Durchgangsrecht für alle angehenden Jazzmusiker. Was die Rechtmäßigkeit des Problems angeht, kann ich keinen vollständig informierten Kommentar abgeben, aber ich kann Ihnen sagen, dass es wahrscheinlich eine schlechte Nachricht wäre, das Lick eines anderen Spielers zu stehlen und es in einer aufgezeichneten kommerziell veröffentlichten CD zu verwenden. Die Kultur des Jazz ist jedoch so, dass einige Spieler dies tun könnten, und es würde als "Spitze des Hutes" für wen auch immer Sie zitieren, angesehen werden. Wenn Sie es sich nicht leisten können, eine ganze Jazz-Bibliothek zu kaufen, hat YouTube einige großartige Videos und Sie können Ihre Lehrer nach den besten Jazz-Saxophonisten fragen, die Sie sich jetzt anhören können, oder selbst das World Wide Web erkunden.

Während das Obige das Wichtigste ist, was Sie tun sollten, haben Sie andere Dinge, die Sie tun können, um Rohmaterial zu entwickeln. The Vol 3 of the Aebersold enthält eine Vielzahl von Übungen über die ii-VI-Progression (die eine der gebräuchlichsten ist, die Sie im Jazz sehen werden. Die Gesamtheit von "Autumn Leaves" ist eine Sammlung von ii-VI-Progressionen) dass Sie in jeder Tonart lernen sollten.

Nehmen Sie außerdem alle Jazz-Tonleitern, die Sie kennen, und spielen Sie sie in Terzen. Zum Beispiel (in Achtelnoten): Bb-DC-Eb-DF-Es-GFAG-Bb-AC-Bb. Bb-GAFG-Es-FD-Es-CD-Bb-CA-Bb. Sie können dasselbe Muster mit jeder der Tonleitern machen, die Jamey Aebersold in seinen Büchern enthält (obwohl ich denke, dass es auf der Blues-Tonleiter umständlich klingt).

Zu guter Letzt, nutzen Sie all Ihr neu gefundenes Wissen darüber, was Jazz idiomatisch ist, schreiben Sie Ihre eigenen Licks und lernen Sie sie in allen Tonarten. Es ist zwar unwahrscheinlich, dass Sie jemals jemanden „Herbstblätter in Gb-Moll!“ rufen hören. Bei einer Jam-Session ermöglicht es Ihnen Ihre harte Arbeit, all Ihre fantastischen Ideen zu nehmen und sie auf das Horn zu bringen.

Was alle diese Aktivitäten gemeinsam haben, ist, dass sie Muster in Ihre Finger bohren, sodass das Spielen dieser Lick- oder jener Tonleiter für Sie so automatisch und einfach wird, als wenn Sie eine Konzert-Bb-Tonleiter spielen würden. Ich kann nicht zählen, wie oft ich beim Improvisieren einen anderen Jazzkopf zitiert habe, weil ich ihn so oft gespielt habe. Leute, die „Wenn ich nur ein Gehirn hätte“ zitieren, wurden zu einem Insider-Witz in meiner Jazzband.

Ich werde noch etwas hinzufügen, und das ist Imitationsarbeit. Wenn Sie einen kooperativen Freund finden, der Material mit Ihnen spielen möchte, fordern Sie die andere Person heraus, indem Sie etwas spielen und sie Sie imitieren lassen, ohne Noten zu sehen oder zu lesen. Beginnen Sie einfach und werden Sie komplizierter, wenn Sie während der Sitzung Fortschritte machen. Das Ziel ist jedoch zu lernen, also wenn die Person das Lick nicht richtig verstanden hat, spielen Sie es noch einmal und betonen Sie, was sie verpasst hat. Mach weiter (und vereinfache wenn nötig), bis sie es verstanden haben. Verwenden Sie Ihr bestes Urteilsvermögen, wenn Sie Ihren Partner zu sehr herausfordern.

Also nach Wichtigkeit geordnet:

• Jazz hören! (Transkriptieren und analysieren Sie, wie Sie können)
• Lerne die Licks (in allen Tonarten!)
• Lerne die Tonleitern (und welche Akkorde dazu passen)
• Lerne die Lieder; Ich empfehle dringend, sie auswendig zu lernen)
• Mit Freunden spielen; Es ist eine großartige Möglichkeit, an neues Material zu kommen, und es macht viel mehr Spaß, als es selbst zu tun.

Für die Theorie wurde mir das empfohlen . Ich habe es ehrlich gesagt nicht gelesen und kann nicht persönlich dafür bürgen, aber es wurde mir weithin empfohlen und oft als „Die Bibel“ bezeichnet. Jazztheorie kann wahnsinnig kompliziert werden. Ich überlasse die Verfolgung Ihrem Ermessen. Denken Sie daran, dass Jazzmusik von einer akustischen Tradition ausgeht und sehr viele Jazzmusiker keine Musik gelesen haben. Buddy Rich gehört zu den neueren, die ich kenne. Das Lernen nach Gehör ist etwas, das ich voll und ganz unterstütze und so habe ich es gelernt. Die Musiktheorie entstand aus der Analyse der Werke von Leuten wie JS Bach und der Frage, was sie wo gemacht haben und warum sie es gemacht haben. Die Jazz-Theorie hat eine Geschichte, und viele Spieler spielten einfach mit dem herum, was sie hörten, bis es ihnen gefiel (insbesondere John Coltrane).

„Wenn es gut klingt, ist es gut“ – Duke Ellington

Andere Ideen, die helfen könnten:

Probieren Sie für all die verschiedenen Arten von Akkorden, die Sie spielen können, jedes der zwölf möglichen harmonischen Intervalle aus, die Sie über dem Grundton dieser Akkordart spielen können, und verstehen Sie die Art von Empfindungen und Emotionen, die jeder Klang hervorruft.

Sobald Sie entdecken, dass Sie die Klänge bestimmter harmonischer Intervalle lieben, die über einem bestimmten Akkordtyp gespielt werden, müssen diese Teil Ihres Vokabulars werden. Dies sind die Tonhöhen, die Sie beim Erfinden von Melodien ergreifen und halten können sollten. Ich selbst liebe besonders den Klang perfekter Quarten, die über Moll-Akkorden gehalten werden, und den Klang übermäßiger 4. Akkorde über Dur-Akkorden.

Sie sollten üben, wie Sie sich diesen Tonhöhen nähern und melodisch um sie herum oszillieren, indem Sie sowohl chromatische als auch diatonische Bewegungen verwenden.

Beginnen Sie für einen chromatischen Ansatz eine Phrase in einem bestimmten Abstand über oder unter einem Torabstand und bewegen Sie sich in einer Folge von Halbschritten, bis das Ziel erreicht ist, und halten Sie dann den Torabstand länger. Beginne für eine chromatische Oszillation auf einer Tonhöhe eines Akkords oder einer Tonleiter und bewege dich einen halben Schritt nach oben oder unten, bewege dich zurück zum Anfang, bewege dich dann um einen halben Schritt in die entgegengesetzte Richtung und bewege dich zurück zur Ausgangsposition. Sie können den mittleren Besuch des Heimplatzes auch auslassen und vor der Rückkehr von einer Seite des Heimplatzes zur anderen springen.

Bewegen Sie sich für einen diatonischen Ansatz in Richtung eines Zielplatzes und spielen Sie alle Tonleitertöne von einem Startpunkt darüber oder darunter, bis das Ziel erreicht ist. Bewegen Sie sich für eine diatonische Schwingung von einem Akkord- oder Skalenton zu seinem nächsten Skalennachbarn, bevor Sie zu Ihrer Ausgangstonhöhe zurückkehren.

Sie sollten versuchen, selbst zu kategorisieren, ob ein bestimmtes Intervall, das über einem Akkord gespielt wird, ein angespanntes oder entspannendes Gefühl erzeugt. Wenn ein Intervall Spannungen löst, ist es selbstverständlich, es als Ruhe- oder Haltepunkt in Ihren Zeilen zu verwenden. Wenn es die Spannung erhöht, werden Sie das Gefühl haben, dass es gefährlich ist, diese Tonhöhe zu halten, und Sie möchten schnell zu einem anderen Intervall wechseln.

Wenn Sie in diesen Begriffen denken, werden Sie feststellen, dass bestimmte Tonhöhen im Zusammenhang mit einem bestimmten Akkordtyp scheinbar magnetisch von anderen Intervallen angezogen werden. Wenn Sie einen bestimmten Intervalltyp hören, ist es wirklich befriedigend, ihn gefolgt von einem anderen bestimmten Intervall zu hören. Sie werden auch feststellen, dass Tonhöhen in einem Akkord von völlig anderen Tonhöhen angezogen werden, wenn sich die Akkorde in der Begleitung ändern.

Sie sollten ein Vokabular von Bewegungssequenzen zwischen zwei, drei und vier harmonischen Intervallen aufbauen, die innerhalb der Spannweite eines bestimmten Akkords gut klingen, und dann andere Sequenzen, die gut klingen, wenn Sie sich über Akkordgrenzen hinweg bewegen.

Für jedes harmonische Intervall, das Sie erstellen möchten, sollten Sie mehrere andere Intervalle kennen, die Sie verschieben können, um diesen Klang zu verlassen.

Wenn Sie von einer Tonhöhe zur anderen wechseln, wird ein charakteristisches melodisches Intervall gebildet. Sie sollten die Empfindungen und emotionalen Konnotationen jedes der verschiedenen melodischen Intervalle kennen, die Sie erzeugen können. Es ist die Kombination aus der Änderung des harmonischen Intervalls und der gleichzeitigen Änderung des melodischen Intervalls, die die Bedeutung jeder Note bestimmt, die Sie in einer Melodie spielen.

Wenn Sie eine Tonhöhe finden, die über einem bestimmten Akkord in einer Akkordfolge funktioniert, ist es hilfreich zu wissen, wie lange diese Tonhöhe dauert, während die Folge verfolgt wird. Wenn Sie eine Tonhöhe halten, während sich die begleitenden Akkorde ändern, erzeugt jeder Akkordwechsel ein anderes harmonisches Intervall zwischen dem Grundton des Akkords und der gehaltenen Tonhöhe.

Ihr Ohr wird Ihnen sagen, dass es nicht länger haltbar ist, eine bestimmte Tonhöhe zu halten, sobald ein bestimmter Folgeakkord ankommt. Jede Tonhöhe, die Sie halten, stößt fast immer auf eine musikalische Wand, wenn Sie sie lange genug halten, und Sie müssen wissen, welche Tonhöhen bei dem neuen Akkordwechsel gut klingen, und zu einer davon wechseln, wenn Sie Ihre Linie fortsetzen.

Rhythmisch sollten Sie schließlich wissen, wie es sich anfühlt, Ihre Linie an einer beliebigen Unterteilung eines Takts zu beginnen. Sie sollten wissen, wie es sich anfühlt, eine Phrase auf einem der Beats innerhalb eines Takts zu beginnen. Sie sollten wissen, wie es sich anfühlt, jeden Beat durch 2, 3, 4, 5, 6, 7 und 8 zu unterteilen und bei einer dieser Beat-Unterteilungen zu spielen. In der Lage zu sein, die Startpunkte der Phrasen, die Sie erfinden, zu variieren, macht eine Aufführung interessanter.

Melodische Phrasen in der Musik bewegen sich normalerweise am Anfang schnell, halten eine konstante Geschwindigkeit und werden dann langsamer oder pausieren für eine längere Dauer, um ihr Ende zu markieren. Sie sollten verschiedene Möglichkeiten studieren, um eine Linie in Bewegung zu setzen und verschiedene Möglichkeiten, darin anzuhalten oder anzuhalten.

Es ist interessant, mit Abfolgen unterschiedlich großer Phrasen zu experimentieren. Erfahrene Improvisatoren wissen, wie man lange Phrasen mit kürzeren Phrasen ausbalanciert. Oft klingen die Phrasenfolgen eines guten Improvisators aufgrund der Vielfalt und Ausgewogenheit der Phrasenlängen, die sie verwenden, umgangssprachlich.

Es ist interessant, mit dem Abstand zu experimentieren, den Sie zwischen den Phrasen lassen. Große Improvisatoren haben ihre eigenen überraschenden Möglichkeiten, während des Spiels anzuhalten oder zu pausieren.

Improvisation beginnt mit Verzierungen. Verbessern Sie eine auswendig gelernte Melodie, indem Sie die Noten nach Ihren eigenen Vorlieben überarbeiten. Heben Sie das vollständige Jazz-Solo auf, nachdem Sie eine Melodie personalisieren können.

Als Ergänzung zu den anderen Antworten schauen Sie sich Hal Crooks Buch „ How To Improvise “ an.