Das „Leerseiten-Syndrom“ überwinden und Absichten projizieren

Ich stimme der anderen geposteten Antwort weitgehend zu, aber aus der Perspektive von jemandem, der zumindest in bescheidenem Maße mit elektronischer Musik herumgespielt hat. Ich habe viele VST-Synthesizer (genug, dass ich definitiv die meiste Zeit richtungslos bleibe), aber wenn ich mich zum Schreiben inspiriert fühle . . . 'etwas' . . .Ich finde es sehr hilfreich, ganz einfach anzufangen.

Zuerst finde ich einen Synthesizer, der mir gefällt (was auch immer das damals bedeutet), dann spiele ich herum, bis ich einen Sound gefunden habe, der mir gefällt. Dann werde ich mit diesem Sound spielen, bis er im Wesentlichen seine eigene Melodie zu schreiben scheint. Mit ein wenig Konzentration kann dies zu einer Melodie von 4, 8, 16 Takten oder einem 10-minütigen richtungslosen Jam im Stil unzähliger Indie-Acts führen, die durch College-Städte touren.

Nehmen Sie nun dieses kleine Formular und kopieren/fügen Sie es ein paar Mal ein, wahrscheinlich mit einigen Lücken zwischen mindestens ein paar Iterationen.

Wiederholen Sie diesen Vorgang mit einer Bassline oder Harmonien zu Ihrem Originalteil. Füllen Sie die Dinge weiter aus, wenn die Inspiration zuschlägt. Wenn es für eine Weile keine Inspiration gibt, fangen Sie an, Dinge zu löschen. Oder fang einfach hundertmal von vorne an.

Es gibt keine magische Lösung, aber der Trick besteht darin, den Prozess selbst als das angestrebte Ziel zu betrachten. Am wichtigsten ist, dass Sie alle Regeln über Bord werfen, wie Musikkomposition Ihrer Meinung nach sein sollte.

Wie würden Sie eine Sammlung funktionierender Noten finden, die nicht einfach so klingen, als würde ein Kind auf einem Klavier herumstochern?

Das ist es einfach. Mein Feld ist etwas anders (klassisch), aber die Art und Weise, wie ich Inspiration erzwinge, entspricht ungefähr dem "Stupsen eines Klaviers". Ich habe noch nie an einem Klavier gearbeitet (nicht einmal für Klavierstücke - ich überprüfe sie, wenn ich fertig bin), aber die Methode ist ähnlich: Ich lege Noten an und sehe, was sie implizieren, sozusagen "Nein, dieser Rhythmus ist". Richtig - ich brauche ein paar schnellere Noten, damit es funktioniert"; "Wenn ich die Melodie zu dieser Note nehme, verliert sie an Spannung. Was passiert, wenn ich sie dorthin nehme ?"; oder "Das Thema scheint auf diese Taste zu drängen. Wenn ich es dort loslasse ... Bingo!"

Es ist nicht anders als beim Modellieren in Ton: Beginnen Sie mit einem fast amorphen Klumpen, fügen Sie dann Ton hinzu, drücken Sie ihn an einigen Stellen zusammen, kratzen Sie etwas ab, und nach einer Weile bekommen Sie eine wirklich gute Vorstellung davon, was dieser Klumpen aus Ton ist will sein. Spielen Sie mit Ihren Materialien, wie es das Kind am Klavier tun würde, aber tun Sie es mit einem kritischen Ohr, der Art, die verlangt: "Aber was, wenn ich ...?"

Ich werde Ihr "kurz gesagt" beantworten: "Wie mache ich Notizen?" mit einem viel einfacheren Ansatz - einer, der für mich funktioniert, wenn ich Melodien für Songs komponiere, für die ich Texte schreibe.

Entscheiden Sie zunächst, welchen Schlüssel Sie verwenden möchten. Ihre Wahl der Tonart könnte durch das Spielgefühl beeinflusst werden, das Sie erzeugen möchten. Viele Komponisten verwenden zum Beispiel Dur-Tonarten für fröhliche Lieder, Moll-Tonarten für traurige Lieder.

Unabhängig davon, welche Tonart Sie wählen, haben Sie einen grundlegenden Satz von Parametern für eine Akkordfolge. Ich spiele mit den verfügbaren Akkorden für diese Tonart herum (basierend auf I, ii, iii, IV, V, vi usw.), bis ich zu einer Akkordfolge komme, die zu der Stimmung zu passen scheint, nach der ich suche.

Wenn Sie, wie Ihre Frage besagt, von einem bestimmten Track inspiriert sind und etwas mit demselben Feeling erstellen möchten , suchen Sie die Akkorde, die über den Noten in diesem Track gespielt werden könnten. Von dort aus können Sie die Akkordfolge notieren (z. B. IV IV ii I usw.), falls Sie in eine andere Tonart transponieren möchten.

Sobald ich meine Akkordfolge unten habe, bin ich bereit, die Noten für die Melodie auszuwählen. Innerhalb jedes Akkords gibt es drei oder vier Noten mit jeweils möglichen Oktaven. Diese Noten funktionieren alle gut über diesem bestimmten Akkord in der Progression. Um den Gaumen potenzieller Noten zu erweitern, die über diesem Akkord gespielt werden können, würde ich aus den Noten in der Pentatonik auswählen, die dem Akkord entsprechen, den ich an diesem Punkt in der Progression spiele.

Wenn Sie sich an die Noten der Pentatonik halten, verringert sich die Wahrscheinlichkeit, dass eine Folge von Noten entsteht, die kollidieren. Natürlich können Sie mit jeder Note in der Tonleiter für den Akkord herumspielen, über den Sie spielen, wenn Sie möchten - aber für mich wäre das eher ein Trial-and-Error-Prozess, als wenn ich meine Auswahl auf die pentatonischen Noten beschränke.

Wenn Sie es vorziehen, dass Ihre Komposition nicht akkordbasiert klingt, dann nehmen Sie einfach die Akkorde heraus, nachdem Sie die Melodie aus Noten konstruiert haben.

Ich dachte, ich würde meine Kommentare aus Ihrer anderen Frage ziehen und hier in einer Antwortform weiterschweifen ...

Es kommt natürlich darauf an, was ich anstrebe…

Wenn ich Ton zu Bild mache, beginne ich damit, den Film einmal durchzusehen, ohne irgendetwas anzufassen; dann wieder zurück durch mit einem geraden Klavierklang auf der Platte. Kein Anhalten, ich spiele einfach linkshändige 4-Noten-Akkorde, wie & wann ich fühle. [fast immer 4 Notengruppen, weil sonst Struktur vorhanden ist, aber kein 'Geschmack']
Ich bin ein mieser Spieler, daher kann es manchmal zu Überraschungen und Fehlern kommen (da ich spiele, ohne zu beobachten, was ich tue, eigentlich zu beschäftigt den Film ansehen und meine Haupttastatur ist zu meiner Linken), die ich zurückgehe und später entweder verschönere oder repariere.
Ein dritter Durchgang, um mir anzuhören, was ich getan habe, und mit der Optimierung der Grundideen zu beginnen.
Es ist keine sehr disziplinierte Methode, aber mein Kopf neigt dazu, in den besten Zeiten ziemlich „schmetterlingsartig“ zu sein, also anstatt einen Ausgangspunkt zu haben, „rate ich nur ein bisschen“ und höre dann zurück, um zu sehen, ob etwas von meinem zusammenhangslosen Geschwafel ist bei der Wiedergabe sinnvoll.

Danach hole ich meine „Werkzeugkiste“ heraus und fange an, einige Teile zu orchestrieren, andere zu „synthetisieren“, um zu versuchen, ein kohärentes Stück aus dem Durcheinander zu ziehen. Das kann am Anfang sehr einfach sein und ich mache keine vollständigen Arrangements, bis ich die Genehmigung des Regisseurs habe.

Normalerweise würde ich diese frühen Ideen einreichen, um ein Feedback darüber zu erhalten, wie der Regisseur denkt, dass es läuft. Einige Leute können nicht von kleinen Arrangements auf den Klang mit einem Orchester extrapolieren, aber zum Glück können viele es jetzt.
Macht die Anfangsphase viel einfacher – es gibt nichts so Entmutigendes wie eine ausgewachsene Partitur, die jemand „glücklicher“ haben möchte oder „Ich muss die Schmetterlinge spüren, wenn sie das sagt“ [das war ein echter Kommentar eines Regisseurs]
, zu dem es gekommen ist als "Ich muss mehr Gelb hören" bekannt sein, wenn es darum geht, wie Regisseure versuchen, Musikern ihre Gedanken zu erklären.

Wenn ich etwas mehr auf Dance/Pop basierendes mache, beginne ich ziemlich oft damit, die Presets durchzugehen, um zu sehen, was herausspringt, aber normalerweise habe ich bereits eine Klanglandschaft im Kopf, wenn nicht sogar einen richtigen Song.
Allerdings nicht immer - manchmal, wenn ich uninspiriert bin, schlage ich einfach auf ein paar Noten, während ich durch die Presets flitze, und schaue, was ein nettes Geräusch machen könnte. Auf diese Weise komme ich selten zu dem, was ich zu erreichen glaubte, also ist es nicht gut, wenn ich für ein Briefing schreibe.

Wenn ich ein knappes Briefing habe, aber keine Ahnung, wie ich dorthin komme, beginne ich mit dem Rhythmus-Track – bring einen Groove in Gang und schaue, ob er etwas andeutet. Wenn nicht, geht es zurück zu den Presets und zu den Dingen, die auch nur den geringsten Sinn ergeben.

Wenn ich echte Songs mit Texten schreibe, schreibe ich zuerst die Texte und murmele eine Melodie, während ich sie schreibe, dann finde ich die Akkorde, die zu dem passen, was ich murmele.
Bei Liedern und Texten neige ich oft dazu, die Begleitung auf der Gitarre anstatt auf Synthesizern zu setzen, aber es hängt davon ab, in welchem ​​​​Genre ich arbeite.

Ich denke, wie auch immer Sie es machen, die „Magie“ passiert nicht in den frühen Stadien. Es geht mehr darum, was Sie aus den ursprünglichen Ideen machen, als aus diesen Ideen selbst. Irgendwo zwischen dem ersten Fummeln an einem neuen Stück und dem endgültigen Arrangement wird etwas hinzugefügt [mehr als nur mehr Noten], das das Endergebnis „besonders“ machen kann.

Leider hat dieser 'Zauberfeenstaub' kein Rezept, sonst würde ihn jeder einfach in sein Produkt einrühren & verkaufen;-)

Ich glaube nicht, dass es einen magischen Trick gibt, mit dem Sie an der Wand vorbeikommen können, vor der Sie stehen. Leider musst du einfach viel Musik schreiben, und deine ersten Songs werden nicht sehr gut sein.

Gute Musik zu schreiben ist schwierig und erfordert Erfahrung. Ich bin selbst Programmierer, und ich kann Ihnen sagen, dass der Schwierigkeitsgrad mit dem Programmieren vergleichbar ist. Als Sie anfingen, Computerprogramme zu schreiben, mussten Sie unzählige schlecht formatierte, ziemlich hackige Spielzeugprogramme schreiben, bevor Sie zu Programmen mittlerer Größe übergehen konnten. Das lag nicht daran, dass Sie nicht schlau waren, sondern daran, dass das Programmieren einfach viel Übung erfordert. Das Schreiben von Musik ist sehr ähnlich: Ihre ersten Songs werden nicht sehr gut sein, weil Sie etwas Erfahrung sammeln müssen.

Aus diesem Grund besteht die einzige Möglichkeit, die Wand, vor der Sie stehen, zu überwinden, darin, sich zum Schreiben von Musik zu zwingen, auch wenn Sie mit den Ergebnissen zunächst nicht zufrieden sind. Sobald Sie den gesamten Prozess des Schreibens einiger Songs durchlaufen haben, werden Sie ein viel besseres Gefühl dafür haben, wie Sie die richtigen Noten auswählen, und Sie werden schnell feststellen, dass sich die Qualität der von Ihnen geschriebenen Musik verbessert.

Ich habe gute Nachrichten für Ihre spezielle Situation. Da Sie viel Erfahrung mit dem Musizieren, kritischem Musikhören und Musiktheorie haben, vermute ich, dass Sie sich als Produzent viel schneller verbessern werden als die meisten Menschen. Allerdings wirst du dich immer noch dazu zwingen müssen, ein paar Songs zu schreiben, mit denen du nicht zufrieden bist, bevor du in der Lage bist, alles andere, was du gelernt hast, wirklich zu nutzen.