Warum hat die „reine“ Fotografie die Bildhaftigkeit so vollständig verdrängt?

Wir sind also alle auf derselben Seite, hier ist eine Definition von Piktorialismus :

Typischerweise scheint ein Bildfoto keinen scharfen Fokus zu haben, ist in einer oder mehreren anderen Farben als Schwarzweiß gedruckt (von warmem Braun bis zu tiefem Blau) und kann sichtbare Pinselstriche oder andere Manipulationen der Oberfläche aufweisen. Für den Bildkünstler war ein Foto, wie ein Gemälde, eine Zeichnung oder ein Stich, eine Möglichkeit, eine emotionale Absicht in die Vorstellungswelt des Betrachters zu projizieren.

Ein Beispiel:

Die schwarze Schale, 1907. George Seeley. Quelle

Mein Take: Eine neue Technologie, ein neues Medium des Geschichtenerzählens, versucht, sich durch die Nachahmung von etwas anderem, das bereits existiert, in diesem Fall von Gemälden, durchzusetzen. Irgendwann ist das neue Medium akzeptiert und muss niemandem mehr nacheifern.

Ich glaube nicht, dass wir mehr als das brauchen, um den Aufstieg des Piktorialismus („Siehst du, wir können ein Foto fast wie ein Gemälde aussehen lassen“) sowie den Niedergang zu erklären („egal, konzentrieren wir uns darauf, was die Fotografie so kann Malerei kann nicht").

Es könnte sogar erklären, warum das Malen zur Selbstverteidigung abstrakt wurde :)

Wikipedia zur abstrakten Kunst :

Die westliche Kunst war von der Renaissance bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts geprägt von der Logik der Perspektive und dem Versuch, eine Illusion der sichtbaren Realität zu reproduzieren.

Die Fähigkeit, Perspektive und Realität von Hand zu reproduzieren, wurde wohl weniger wertvoll, als Fotografen dies einfach per Knopfdruck besser machen konnten. So verteidigte die Malerei ihr Terrain, indem sie den Aspekt der „Reproduktion der Realität“ abschwächte und den Aspekt der „künstlerischen Interpretation“ durch Impressionismus, Expressionismus, Kubismus usw.

Zunächst versuchte die Fotografie nachzuziehen, da die Malerei noch immer der König der Kunstwelt war. Hier kam die Bildsprache ins Spiel.

Wikipedia beschreibt die direkte Fotografie als eine ästhetische Bewegung, die sich von etwa 1880 bis 1970 erstreckt. In den 1930er Jahren wurde es definiert als

Reine Fotografie ist so definiert, dass sie keine technischen, kompositorischen oder ideellen Qualitäten besitzt, die von einer anderen Kunstform abgeleitet sind.

Straight Photography könnte also als Unabhängigkeitsbewegung der Fotografie beschrieben werden, die im Wesentlichen behauptet, dass Fotografie eine Insel ist, die ganz für sich ist und keinen stinkenden Einfluss von anderen Kunstformen braucht.
Ich denke, der Erfolg war zum Teil die Erkenntnis, dass es ziemlich sinnlos war, der Malerei nachzujagen, besonders als sich die Malerei auf höhere (abstraktere) Ebenen zurückzog; teilweise Erkenntnis, dass es in der grundlegenden Fotografie viel unerforschtes Gebiet gab; Teil der Absteckung eines verteidigungsfähigen Heimrasens basierend auf den natürlichen Stärken der Fotografie im Vergleich zur Malerei. Und natürlich ist direkt von der Kamera weitaus weniger Arbeit als schwere Manipulation, insbesondere angesichts der Werkzeuge der Zeit.

Im digitalen Zeitalter gibt es meiner Meinung nach nicht viel Resonanz mit der bildhaften Botschaft als solcher. Die Bildkünstler versuchten zu einer Zeit, als das Malen der Höhepunkt künstlerischen Strebens war, zu tun: „Wir können wie ein Gemälde aussehen, wenn wir wollen“.

Im digitalen Zeitalter ist die Fotografie bereits akzeptiert und hat ihre Eigenständigkeit bewiesen, und es gibt Genres der Malerei, bei denen der Einfluss in die entgegengesetzte Richtung geht, wie der Fotorealismus in den 1960er -Jahren und der Hyperrealismus in den 2000er-Jahren .

Im digitalen Zeitalter wird ein künstlerischer Fotograf wahrscheinlich etwas anderes machen wollen als früher, genauso wie ein zeitgenössischer Maler wahrscheinlich nicht versuchen wird, die Malerei des 19. Jahrhunderts nachzuahmen. Es bringt nicht viel Ruhm, Ansel Adams 50 Jahre später zu kopieren. Heutige Fotografen haben Werkzeuge, um Dinge zu tun, die Ansel Adams nicht tun konnte, und es wäre dumm, sie nicht zu benutzen.

Ich gehe davon aus, dass sich die Fotografie in Zukunft stark an Kunstformen wie Film, Video und Computergrafik anlehnen und möglicherweise mit diesen verschmelzen wird. Es ist eine natürliche Entwicklung: Wenn wir Fotografie als Geschichtenerzählen akzeptieren, können mehr Werkzeuge, um eine Geschichte so zu erzählen, wie wir sie haben wollen, nur eine Verbesserung sein.

Ich denke, es ist wichtig zu erkennen, dass die reine Fotografie nichts Besonderes ist: Es war eine bestimmte stilistische Bewegung mit großer historischer Wirkung, aber nichts sagt, dass es die einzige Art ist, Fotografie zu machen. Vergleichen Sie es mit der Malerei, die im Laufe der Jahrhunderte Hunderte von Stilrichtungen durchlaufen hat, von denen jede im Zuge des Wandels von Technologie, Gesellschaft und Geschmack in Mode kommt und wieder aus der Mode kommt. Es geht nicht um mehr oder weniger Recht, sondern nur um mehr oder weniger Mode an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit.

Nichts davon macht die reine Fotografie ungültig, genauso wenig wie abstrakte Kunst oder Fantasie den Realismus ungültig machen. Sie sind einfach unterschiedliche Ausdrucksformen, unterschiedliche Genres und können sehr wohl friedlich nebeneinander existieren.

Lassen Sie uns die große offene Frage gleich von Anfang an aus dem Weg räumen: Die Idee, dass "Straight Photography" (was auch immer das bedeuten soll) die einzige legitime Verwendung für die Werkzeuge der Fotografie ist, ist genauso albern und kurzsichtig wie die Idee, dass der Abstrakte Expressionismus die einzig legitime künstlerische Verwendung von Farbe ist. Beide erheben das bloße Medium zur Kunst und beanspruchen dann Exklusivität gegenüber diesem Medium. Der Abstrakte Expressionismus räumt der Farbe und ihrer Art des Auftragens Vorrang ein; "Straight Photography" schwelgt in der Idee, dass die Menschheit vor fast 200 Jahren einen Weg gefunden hat, Schatten mehr oder weniger dauerhaft zu machen. Große, haarige Sache damals. Die Neuheit sollte inzwischen abgeklungen sein.

Alle Kunst erzählt Geschichten. Und weisst du was? Manchmal kann die Geschichte so einfach sein wie: "Ich habe das gesehen und es hat mich sehr bewegt." Oder sogar „das hat existiert“. Es ist nichts grundsätzlich falsch an einer Ode über die Farbe Rot, ein Ausdruck dafür, wie großartig oder kompliziert die Natur sein kann, oder einfach daran, eine Erinnerung daran festzuhalten, wie Ihre Tochter im Alter von sechs Jahren aussah. Aber Dokumentarfilm ist nur ein rudimentärer Gebrauch der Sprache der Fotografie, und diese Sprache hat sich vom Pidgin zum Kreolischen entwickelt. Es steht heute ein viel größerer Wortschatz zur Verfügung als je zuvor, und die Grammatik bietet uns viel mehr als eine kontextgebundene, telegrafische Gegenwartsform. Wir können Gedichte spinnen, Romane schreiben und „Was wäre wenn“ erforschen – warum sollten wir uns also auf selbst meisterhaft geschriebenen Journalismus beschränken?

Die ursprüngliche Inkarnation des Pictorialismus (und seiner Nachkommen in der silberbasierten Welt) wurde in vielerlei Hinsicht behindert. Die technischen Schwierigkeiten, die damit verbunden sind, etwas zu schaffen, das es nie gegeben hat, sind den meisten Menschen heute nur oberflächlich klar (bis Sie tatsächlich Zeit damit verbracht haben, mit nadelspitzen Bleistiften, einem 6-0-Zauberpinsel oder einem Pasche-Turbo-Airbrush unter einer Lupe zu arbeiten, haben Sie keine Ahnung), und der Akt des Zusammensetzens der Elemente war im Vergleich zum Akt des Erfassens fast einfach. Das meiste, was produziert wurde, war technisch schlecht, und der einzige Grund, warum vieles davon überhaupt Aufmerksamkeit erregte, war die Unkenntnis der Leute mit dem Medium: Sie wussten einfach nicht, wie man ein Foto „liest“. (Können Sie sich vorstellen, dass sich heute noch jemand in die Cottingley Fairies oder Ektoplasma verliebt??) Um es richtig zu machen, waren Set-Bau, Kostüme, kooperative Beleuchtung, enorme Mengen mühsamer Postproduktionsarbeit (ohne Fehler) und weitgehend im Bereich des physikalisch Möglichen zu bleiben (Posen, an denen festgehalten werden konnte mehrere Sekunden usw.). Als solches befasste es sich hauptsächlich mit "ernsthafter Kunst" und "großartigen Ideen", hatte aber das Vokabular eines Pidgin und eine Grammatik, die sich hauptsächlich auf Anspielungen stützte (wie das Tamarian der Star Trek TNG-Episode Darmok). Wenn Sie nicht wussten, was die Kostüme und die Assemblage als Ikonen bedeuteten, und die Hintergrundmalerei nicht als, sagen wir, die Elysian Fields erkannten, dann konnten Sie die Arbeit nur nach ihrem eigenen ästhetischen Wert beurteilen – die zugrunde liegende Botschaft ging verloren . Es war fast so, als würde man die frühmittelalterliche Malerei betrachten, ohne die Ikonographie der Gesten zu kennen oder dass der Adler da drüben der heilige Johannes der Evangelist ist.

Nun, viel mehr als Menschen und Pferde starben im Ersten Weltkrieg. Die Weisheit der Ältesten, die Klassiker (auf denen die Esel gesäugt wurden, die die Löwen in den Tod führten), die Götter selbst, alle starben im Schlamm von Nr Land des Mannes. Die Bedeutung verlor ihre Bedeutung¹, und wir begannen, die eigentliche Natur der Bedeutung in Dada, Surrealismus, Semiotik und all den anderen Ansätzen zu erforschen, die schließlich in die Postmoderne übergingen. Die Welt wandte sich dem Unmittelbaren zu, dem Jetzt, mit dem Gefühl, dass die Vergangenheit keinen Sinn mehr machte und das Morgen vielleicht nie kommen wird. Wo die Natur Bestand hatte, kehrte die Romantik mit neuer Dringlichkeit zu ihren Wurzeln zurück: Die Natur war das Ewige, das zu beenden wir die Macht hatten; wir waren für seine Rettung verantwortlich, weil wir sonst sein Tod wären, und mussten lernen, es mit Ehrfurcht zu betrachten. (Und machen Sie sich nichts vor, Ansel Adams war kein klinischer Realist; alles, was er tat, hielt er zurück und übertrieb, um seiner Ehrfurcht Ausdruck zu verleihen, so wie sein Klavierspiel unter einem Übermaß an Dynamik und Rubati litt. Er war ein hoffnungsloser Romantiker.)

Vieles davon fiel zufällig mit bedeutenden technologischen Fortschritten zusammen. Praktische Doppel-Gauss-Designs haben Petzval-Objektive weitgehend verdrängt, und sogar spätere Designs haben die Fähigkeiten der Kamera verändert. Es entstanden Platten und Filme, die einigermaßen empfindlich waren, Details einigermaßen aufnehmen konnten und entweder orthochromatisch oder panchromatisch mit großem Bereich waren. Sie konnten nicht nur ein Foto machen, das sowohl „echt“ als auch „jetzt“ war, es wurde viel schwieriger, eine überzeugende Fälschung herzustellen. Die Arbeit würde sich zeigen und wäre offensichtlich. Mit genügend Mühe konnte man das "Unmögliche" als Set bauen und bliebe mit einer für die damalige Zeit minimalen Retusche ( Dali Atomicusfällt mir ein), oder Sie könnten es mit Assemblage versuchen (was im Allgemeinen eher wie ein Gemälde als wie ein Foto aussah; ich finde „rein fotografische“ Ausdrücke des Konzepts, wie Jerry Uelsmanns Arbeit, die meiste Zeit absolut nicht überzeugend). Trotzdem war ein bisschen Flunkerei oder ein bisschen Geschichtenerzählen in die Reportage immer eine gute Sache. Es gibt einen Grund, warum jeder Ansel Adams und Edward Weston kennt, aber verdammt wenige haben von Minor White gehört (der mit beiden als Kameramann und Dunkelkammertechniker den Boden wischen könnte).

Ungeachtet der Legitimität der „Straight Photography“ verfügen wir jetzt über die Werkzeuge, um verschiedene Arten von Geschichten auf wirklich überzeugende Weise zu erzählen. Einige dieser Geschichten sind Fantasy, Mythos oder Science-Fiction; manche erforschen eher das „Warum nicht“ als das „Warum“. Müssen wir wirklich riesige Sets bauen oder unsere Motive (und eine Lastwagenladung mit Ausrüstung) an einen Ort schleppen, in der Hoffnung auf das richtige Licht, das richtige Wetter und den Mond im Steinbock, um den Ausdruck legitim zu machen? Oder ist es einfach unzulässig, den Realismus der fotografischen Reproduktion der verschiedenen Elemente zu verwenden, die fotografiert werden könnten , um diese Geschichte auszudrücken?

Lassen Sie sich nicht von der Tatsache stören, dass 90 Prozent der Versuche Mist sind. Das ist nur Störgesetz in Aktion. (Ehrlich gesagt denke ich, dass der alte Theodore da etwas zu großzügig war.) Mindestens 90 % der „Straight-Fotografie“ (und ich meine „seriöse Hetero-Fotografie“) ist auch Mist, und Digital Plus „P for Professional“ ist es nicht. da hilft man überhaupt nicht. Der Mist ist also fokussiert und gut belichtet (für einen gewissen Wert von gut belichtet). Gut erzählte Geschichten werden immer noch auffallen; elegante Poesie wird immer noch tiefer schwingen als ein vage frecher Limerick. Jamie Baldridges Arbeit ist als bearbeitete Fotografie verstörender und zum Nachdenken anregender, als sie es jemals als Gemälde sein würde; Die stillen Betrachtungen von John Paul Caponigro flüstern leiser, aber mit mehr Ausdruck.

Am Ende sind die Geschichten, die Sie erzählen möchten, Ihre eigenen. Die Idee, dass Sie ein neues Wort oder einen neuen Satz nicht prägen können, wenn es erforderlich ist, oder ein Wort aus einer anderen Sprache ausleihen, ist eine künstliche Zumutung, ob extern oder intern auferlegt. Niemand zwingt Historiker, Science-Fiction zu schreiben, aber kein Historiker hat das Recht zu sagen, dass Science-Fiction irgendwie ein illegitimer Ausdruck menschlichen Denkens ist.

^{¹ Wie vollständig war der Tod der klassischen Allegorie und Anspielung? TS Eliots The Waste Land war für die meisten seiner Kollegen und Zeitgenossen lesbar; Kinder, die es heute in der Schule studieren, brauchen Fußnoten und Referenzen, um die biblischen und mythologischen Anspielungen nachzuschlagen, und müssen möglicherweise ganze Bücher lesen, um die Bedeutung zu verstehen.}

Entwicklung der Fotografie - von der Wissenschaft zur Kunst

In der Fotografie gibt es zwei Arten von Menschen. Diejenigen, die fotografieren wollen, und diejenigen, die Kunst schaffen wollen. Als die Fotografie noch jung war, gab es nur die erstgenannten Personen. Es war nicht im Konzept, dass Fotografien in der Kunst verwendet werden könnten. Bis solche Leute, die auch etwas sagen wollten, um Kunst zu schaffen, die Fotografie interessant fanden.

Piktorialismus hat nichts mit Kunst an sich zu tun. Es war ein Versuch , zu einer Zeit, als Fotografie noch neu war, zu definieren, was Kunst in der Fotografie ist . Aber Kunst ist das, was wir fühlen, nicht die verwendeten Werkzeuge, und die Fotografie wurde früh genug (nur 100 Jahre) als Werkzeug zur Schaffung von Kunst akzeptiert, wodurch die Idee hinter der Bildsprache nutzlos wurde. Die Frage ist also, was sich in der Fotografie geändert hat, um sie zu einem Werkzeug für die Kunst zu machen.

Dokumentarisches Werkzeug beginnt, Schönheit zu sehen

Denken Sie noch einmal darüber nach, was vor der Zeit der Kamera und Fotografie war. Es war die Zeit der Maler, insbesondere der Porträtmaler. Der erste "Krieg" war nicht zwischen Fotografen, sondern zwischen Malern und Fotografen. Maler lebten von Porträts reicher Leute. Als die Fotografie begann, Teil des Porträtgeschäfts zu werden, war das Geldverdienen eines Malers auf dem Spiel.

Eines der Argumente der Maler war, dass ein reines Foto das Motiv nicht besser aussehen lassen könne. Dass nur ein Maler in der Lage ist, dem Motiv zu schmeicheln und ihn für immer in positiver Weise in Erinnerung zu behalten, da nur Maler Bilder nach Belieben drehen und wenden können. Die Fotografie suchte nach Wegen, auf diese Herausforderung zu antworten, und so sehe ich, wie diese Bildsprache entstanden ist. Aber heterosexuelle Fotografen mussten nur lernen, wie sie ihre Motive gut aussehen lassen, ohne „künstlerische“ Manipulationen.

Weg in die erwachsene unabhängige Fotografie

..die bildkünstlerische Bewegung als solche starb in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Waren die heterosexuellen Fotografen einfach so erfolgreich darin, ihre Botschaft zu übermitteln, dass die Bildkünstler irrelevant wurden?

Der Piktorialismus war der Weg, um die Fotografie als Mittel zur Schaffung von Kunst zu akzeptieren. Mit anderen Worten, es suchte Akzeptanz mit stillschweigenden Entschuldigungen für das Eindringen in die Nachbarschaft der Kunst mit einem dokumentarischen Werkzeug.

In diesem Fall war die Nachbarschaft gemalte Kunst. Das Medium Fotografie ist dem Gemälde so nahe, dass ein New-kid-on-the-block-Effekt unvermeidlich war. Du musst deinen Wert beweisen. Wie bei den Porträtgemälden im Vergleich zu den Porträtfotografien ist es im Allgemeinen so, als würden die Maler sagen: „Das kannst du nicht“ und vom Fotografen die Antwort „Ja, ich kann“ bekommen , und es folgt eine Angeberei. Das ist Bildhaftigkeit, oder besser gesagt, das ist das „Warum“ hinter allem anderen. Und es gibt auch die Antwort auf "Warum ist der Piktorialismus so schnell gestorben?". Es passiert früher oder später,Und was ist das? Es ist reine Fotografie! Ein reines, pixelscharfes Abbild der Realität. Und so wird die Fotografie zum erwachsenen Erwachsenen und führt ihr eigenes unabhängiges Leben, ohne sich mehr beweisen zu müssen.

Alt wird immer von den Jungen herausgefordert

Aber ist Piktorialismus heute noch da? Ja, wenn wir an die jüngeren Fotografen denken, die sich gegenüber den alten Fotografen bewähren. Ich würde es jedoch nicht als Bildhaftigkeit bezeichnen. Menschen, die nur digital gearbeitet haben, können sich oft nicht vorstellen, welche Schwierigkeiten es beim Fotografieren auf Film gab. Vor nicht allzu langer Zeit war (und ist es immer noch?) das Bedürfnis, sich bei den Filmkollegen zu beweisen. Die Debatte zwischen Alt und Neu ist ewig und was jetzt neu ist, wird entweder alt werden oder die Debatte verlieren und jung sterben.

In der Fotografie heißt das Schlüsselwort „Lernen“. Die Idee ist etwas ähnlich wie Q&A ist schwer, lass uns einkaufen gehen in dem Sinne, dass es schwierig ist, hohe Fähigkeiten und Talente zu erlangen, um Ihr Motiv in der direkten Fotografie gut aussehen zu lassen, aber relativ einfach, nach besserer Ausrüstung und leistungsfähiger Software zu suchen um Ihre Fotos zu ändern, um die Lücke zwischen einem Rohfoto und Ihren Erwartungen zu schließen.

Was kommt als nächstes, Fotografie?

..bedeutet die Leichtigkeit, mit der Software Fotografien in manipulierte "digitale Kunst" verwandelt, dass die reine Vision für reine Fotografie für die Fotografie als eigenständige Kunstform am wichtigsten ist ?

Ich bin mir nicht sicher, ob ich das verstehe. Fotografie ist eine Form der Kunst, egal ob sie manipuliert und verzerrt ist oder schlicht und ergreifend Fotografie. Was ist eigentlich digitale Kunst?

Was ich als digitale Kunst betrachte, ist etwas, das so offensichtlich nicht nur ein Foto ist, dass jeder es sehen kann. Es mag ein Foto geben, auf dem die Arbeit gemacht wurde, aber es würde immer noch als digitale Kunst und nicht als Fotokunst betrachtet werden.

Zwei Beispielfotos:

Dies ist ein Foto . Direkt von der Speicherkarte der Kamera, ich habe keinerlei Anpassungen vorgenommen. Wir können es ein "reines" Foto nennen, wenn wir nicht die Magie zählen, die eine Digitalkamera vollbringt, wenn sie die Pixelinformationen vom Bildsensor bezieht.

Nächste:

Dies ist digitale Kunst , die von meinem 11-jährigen Sohn gemacht wurde, der mir seinen Eindruck von dem Foto vermitteln wollte, das ich von seiner zweijährigen Schwester gemacht habe. Sicher, es gibt dort ein Foto, aber offensichtlich fällt es in die Kategorie der digitalen Kunst.

Ist nur unverändertes Foto gerade?

Wo genau die Grenze ziehen? Es gibt schöne Beispiele für die Leistungsfähigkeit der Nachbearbeitung unter Gute Beispiele für die Vorteile von RAW gegenüber JPEG und insbesondere eine der Antworten mit einem Paar Fotos von @EtienneT. Warum sollte das angepasste Foto nicht Fotokunst statt digitale Kunst sein? Für mich ist es immer noch ein Foto, selbst mit all den Anpassungen, die daran vorgenommen wurden.

Haben wir diese Anpassungsarbeiten an unseren Fotos nicht von Anfang an gemacht? Schauen Sie sich dieses Video an, in dem ein Schwarzweißdruck erstellt wird, in dem das Mädchen bei 9:00 Minuten mit dem „Original“ beginnt und den „Anpassungsprozess“ für die nächsten vier Minuten des Videos erklärt. So etwas gibt es schon ewig. Nur ist es jetzt eine Computersoftware, die die Arbeit erledigt. Schließlich gibt es kein unverändertes Foto.

Fotografie wird digital

Nun, im digitalen Zeitalter, in dem jeder ein Fotograf ist und technisches Geschick durch hervorragende Automatikmodi geebnet wird, schwingt die Botschaft der bildkünstlerischen Bewegung wieder mit?

Gute Frage. Was ist das Alte und was ist das Neue heute? Die Digitalfotografie ist der New-Kid-on-the-Block und hat versucht, so gut auszusehen, wie es die Filmfotografie je war. Aber gleichzeitig ist die digitale Fotografie auch das Alte. Vielleicht sind es die alten Fotografen, die sich über die neue mühelose (sogar nonchalante?) Art und Weise ärgern, wie die jungen Fotografen an die Fotografie herangehen. Ähnlich wie einst die Maler über die Fotografie dachten.

Wenn neue Wege entstehen, Kunst zu schaffen, bedeutet das nicht, dass alte Wege und Werkzeuge an Bedeutung verlieren. Das ist kein Nullsummenspiel.

Ich denke, es war wirklich die Entwicklung der fotografischen Ästhetik. Das frühe Werk war vielleicht ausschlaggebend für seine Definition, aber es wurde schnell entdeckt, dass Komposition und Auswahl des Motivs mehr Einfluss darauf haben, wie das Bild eine Geschichte erzählt, als die mühsameren Aspekte einer sorgfältigen Fotobearbeitung. Es war einfach mehr Aufwand, den richtigen Aspekt dessen auszuwählen, was sich vor der Linse befindet, als zu versuchen, die Entwicklung so streng zu kontrollieren. Es kann auch sein, dass Fotos aufgrund ihres gesteigerten Realismus nicht die gleiche Resonanz fanden wie ähnliche Konzepte, die auf die Malerei angewendet wurden.

Das heißt, mit dem Aufkommen digitaler Tools, die Fotografen ein weitaus größeres Maß an Kontrolle und die Möglichkeit geben, ihre Arbeit zu verfeinern. Ich denke, wir sehen eher eine andere Art der Rückkehr zu einigen der Konzepte hinter Photo-Secession. Es geht weniger darum, das einzufangen, was sich vor der Linse befindet, als vielmehr darum, das zu verbessern, was sich vor der Linse befindet, oder sogar etwas zu erfinden, das nicht existiert, da es durch fotografische Werkzeuge angezeigt wird. Es scheint immer noch eine gemischte Sache in Bezug auf die Popularität zu sein, aber es scheint ein wachsender Trend zu sein.

Anmerkung der Kuratoren:

Die Gelehrsamkeit dieses Stücks wurde möglicherweise nicht erkannt. Oder darf.
Der folgende Kommentar zu dieser Frage scheint einigen Köpfen und vielleicht sogar einer beträchtlichen Mehrheit unzugänglich zu sein. Dies sind möglicherweise nicht die, die Sie möchten, machen Sie weiter.
Ansonsten wie das erste der "does"es von

• Nun, im digitalen Zeitalter, in dem jeder ein Fotograf ist und technisches Geschick durch hervorragende Automatikmodi geebnet wird,
  schwingt die Botschaft der bildkünstlerischen Bewegung wieder mit?
  Oder bedeutet umgekehrt die Leichtigkeit, mit der Software Fotografien in manipulierte "digitale Kunst" verwandelt
  , dass die reine Vision für reine Fotografie für die Fotografie als eigenständige Kunstform am wichtigsten ist?

vom Befragten als selbstverständliche Wahrheit, wenn nicht sogar als regelrechte Tautologie angesehen wird, und da das zweite der „does-es“ ihr ähnlich ist, aber das „bedeutet, dass“ geleugnet wird, versucht er, in einem Vielleicht zu kommentieren aufgeklärte, aber wahrscheinlich nur obskure Art und Weise über die zugrunde liegenden Beweggründe, die diese Katastrophe zum Leben erweckt haben, während sie die Vermutung, dass bloße technologische Exzellenz der Motor hinter dem Verfall ist, von der Hand weisen.

Der obskure Hinweis auf das Motto des Clackmannanshire County (nämlich „Schaut euch an“) ist bloße Affektiertheit. Das neue Motto (ab 2007) „Mehr als Sie sich vorstellen können“ wird selbst als Hinweis darauf gesehen, dass sich die Fäulnis nicht auf die Verunstaltung der fotografischen Form beschränkt, sondern sich auf Bezirksslogans und andere bisher unantastbare Ausdrucksbereiche ausgeweitet hat. So ...

Pictorialism Wars - Das Instagram schlägt zurück!

Ich versuche immer noch herauszufinden, was:
genetische Modifikationen
und/oder Gehirnoperationen
und/oder mentale oder optische Filter und Verzerrungen
und/oder Apps/Modi/Plugins/...
ich kaufen/beschaffen/anpassen/installieren/hochladen/herunterladen/patchen muss / ...
zu meinen Wetware-Systemen (oder anderen Systemen)

mir zu ermöglichen, die Welt und Instagram-Bilder so zu sehen, wie andere sie offensichtlich sehen,
damit auch ich mit Hingabe / Freude / Genuss / Zufriedenheit an einer bisher hauptsächlich sinnlos verzerrten Munged-Zerstörung des guten alten optischen Alltags-Brainfeeds teilnehmen kann.

Photoshop zur Rettung - daran arbeite ich noch ...

Ansell Adams: Ist vielleicht etwas weit in die andere Richtung gegangen. Kann an einem schlechten Tag vielleicht durch einige Maßnahmen ein wenig geschummelt haben. Vielleicht nicht.

Betreff

Nun, im digitalen Zeitalter, in dem jeder ein Fotograf ist und technisches Geschick durch hervorragende Automatikmodi geebnet wird, schwingt die Botschaft der bildkünstlerischen Bewegung wieder mit?

Offensichtlich ja. Sieh dich an.
Aber nicht, denke ich, aus den Gründen, die Sie aufführen. Oder nicht als vorherrschender Faktor.

Ich vermute, es ist eher eine postmoderne, post-postmoderne, post-post-moderne, wo-haben-wir-zu-generieren-was-immer-nach-was-immer-Tendenz zu post-sofortiger Befriedigung, post-live-for-the- Tag, Post [Achtung: Vorrat an „-“s ist aufgebraucht] wenn es geliert Essen mach es, Post junge Generation was ist aus der Welt geworden, in meiner Zeit bergauf zur Schule hin und her Boden eines Sees Karton keine Schuhe , murmel grummel.... , egal.

Letztendlich ist erfolgreiche Kunst alles, was eine vernünftige Anzahl von Menschen als angenehm, bewegend, faszinierend empfindet – fügen Sie hier Ihr positives Adjektiv ein. Jede gelungene Kunst erzeugt eine Emotion oder ein Gefühl in einer Person und weckt den Wunsch, die Kunst zu betrachten oder zu erleben.

Nach dieser Metrik haben digitale Bilder (die aufgrund übermäßiger Manipulation die Grenze von Fotografien überschritten haben) jedes Recht und jede Möglichkeit, Kunst zu sein. Sie müssen nur erfolgreich sein.

Persönlich muss eine solche Arbeit erstaunlich sein, bevor sie mich besonders anspricht. Meine Lieblingskunst ist realitätsbasiert. Eine wunderschöne Tom-Thomson-Landschaft hat mich immer lauter angesprochen als alles Abstrakte. Das soll nicht heißen, dass abstrakte Kunst keine Kunst ist – sie kann es absolut sein – aber sie spricht mich nicht besonders an.

Aus diesem Grund war ich fotografisch immer im bildhaften Lager. Es kommt vor, dass Ansel Adams einer der Fotografen ist, die ich am meisten respektiere. Es kommt vor, dass ich auch heute noch, im digitalen Zeitalter, einen großen Teil meiner Arbeit auf Film drehe, nicht weil Film unbedingt überlegen ist (in einigen Dingen ist er es und in einigen anderen nicht), sondern weil Film etwas ausdrückt meine fotografische Vision gut. Ich fotografiere auf die gleiche Art und Weise digital – mein Ziel ist es, die Realität zu zeigen und zu interpretieren. Ich kann Farbfilter für Schwarzweißfilme und Superweitwinkelobjektive für meine digitale Arbeit verwenden, aber die Szenen, die ich aufnehme, bleiben realistisch. Du würdest sie als real erkennen – aber vielleicht bekommst du eine neue Perspektive auf ihre Realität, wenn es mir gelungen ist, meine Vision zu verwirklichen. Wenn ich versagt habe, dann deshalb, weil ich meine Bilder bis zur Ablenkung manipuliert habe.

Zwinge ich mich? Ich glaube nicht. Ich ziehe es vor, Hunderte potenzieller Hobbys und Ablenkungen zu ignorieren, weil ich mich auf das konzentriere, was mir gefällt und Spaß macht. Und außerdem ist die Realität sehr interessant.

Ich habe in den letzten Wochen meine früheren Ausgaben eines britischen Schwarz-Weiß-Fotomagazins gelesen. Die bewegendsten Fotos, die ich bisher darin gesehen habe, waren eine Reihe von Fotos eines Waldes. Ich habe viele Bäume gesehen - aber diese Fotos waren wunderschön. Sie waren auch realistisch. Der Fotograf hat seine Vision absolut an mein Auge genagelt.

Ich hatte die übliche visuelle Genauigkeit satt – und gab der Vorstellung nach, dass das Scharfstellen genauso eine Illusion ist wie meine linsenkorrigierten Augen. Jetzt verbringe ich mindestens die Hälfte meines Lebens damit, die Welt astigmatisch zu betrachten – weil die weichen Bilder mich gleichzeitig unbehaglich und friedlich machen. Ich kann einfach nicht so über ein Bild denken, das aus genauen Details gesammelt wurde. Es überlässt weniger meiner Vorstellungskraft und gibt mir weniger "Gefühl". Natürlich ist dies meine eigene Erfahrung und andere haben ihre eigenen Methoden – aber Piktorialismus, Impressionismus – was für eine großartige Art, die Frage „Wie fühle ich mich dadurch“ ohne all den anderen … Kontext zu stellen.