Wie haben Komponisten ihre Musik "getestet"?

Nicht alle Komponisten schreiben heutzutage mit Computern. Viele schreiben immer noch von Hand mit Tinte oder Bleistift.

Werke mit mehreren Instrumenten (Kammer, Orchester usw.) wurden entweder als sogenannte „Klavierpartitur“ oder als „Kurzpartitur“ geschrieben. Viele, viele Komponisten sind / waren Pianisten und konnten ihre Musik durch das Durchspielen des Klavierauszugs überprüfen. Sobald sie mit der Musik zufrieden sind, orchestrieren sie sie auf die Größe des Ensembles, für das sie schreiben.

Um dies zu lernen, war es damals üblich, die Musik bekannter Komponisten von Hand zu kopieren. Aus dieser Praxis würden sie lernen, was für verschiedene Arten von Instrumenten funktioniert. Zu dieser Zeit waren Blech- und Holzblasinstrumente noch nicht so technologisch fortgeschritten wie heute, so dass viele der Bläserstimmen (insbesondere Blechbläser) nicht besonders kompliziert waren (obwohl es offensichtlich Virtuosen auf diesen natürlichen Instrumenten gab, wenn man an Hadyns Trompetenkonzert oder Mozarts denkt Hornkonzerte).

Abgesehen von diesen Überlegungen wurden im letzten Jahrhundert viele Sounds entwickelt, die nicht verwendet wurden. Fortschritte in der Technologie haben es Komponisten zum Beispiel ermöglicht, zu experimentieren mit: Sampling, Aufnahme, Live-Sound-Manipulation, elektronischer Musik, Noise-Musik, Performance-Kunst und Multimedia-Kunst, um nur einige zu nennen. Als Folge der Wissenschaft (z. B. Elektrizität) existierten viele dieser Technologien nicht und daher existierten die Klänge / Ausdrucksmittel nicht. Das bedeutet eine andere Experimentierebene, was bedeutet, dass die Dinge standardisierter sind, was bedeutet, dass die Dinge nicht so oft überprüft werden müssen.

Wenn man sich intensiv genug und lange genug mit Musik beschäftigt, wird man sehr vertraut mit den Instrumenten, ihren Techniken und den Klängen, die von ihnen ausgehen, was mich zu meinem letzten Punkt bringt:

Erfahrung. Ich habe Horn gespielt, obwohl ich mich nicht als Hornisten bezeichnen würde. Wenn ich für Horn schreibe, sagt mir meine Erfahrung durch mein geistiges Ohr, wie das Horn in seinem gesamten Bereich auf verschiedene musikalische Gesten reagiert. Ich muss nicht jedes Mal zu einem Hornisten rennen, wenn ich etwas für Horn schreibe. Das heißt, wenn ich etwas schreibe und mir nicht sicher bin, wie es herauskommen wird, wende ich mich an einen Hornisten um Hilfe; ein ganzes Orchester wird nicht benötigt.

Andere Komponisten haben dasselbe getan / tun / werden es tun: Verwenden Sie frühere Erfahrungen (Fehler) als Leitfaden und stellen Sie Fragen an einzelne Spieler, wenn sie diese benötigen. Viele Universitätsprogramme bieten Orchester-"Lesungen" für Studenten an, die auch ein unschätzbares Feedback bieten können.

Je mehr du Musik hörst und mit ihr arbeitest, desto mehr „hörst du sie in deinem Kopf“. Nachdem Sie das Transkribieren beherrschen, ist es durchaus möglich, eine ausgeschriebene Melodie zu sehen und sie in Ihrem inneren Ohr zu „hören“.

Dasselbe für 2, 3 ... n Stimmen zu tun, ist im Grunde dasselbe, nur mehr davon (und erfordert natürlich mehr Übung und Erfahrung).

Tatsächlich variiert die wirkliche Antwort auf diese Frage je nach Komponist. Einige hatten mehr oder weniger ein eigenes Orchester oder einen Chor, mit dem sie arbeiten konnten (wie Bach für einen Großteil seiner Karriere). Manche wie Beethoven konnten (irgendwann) nicht einmal hören und doch schreiben. Einige arbeiteten hauptsächlich am Klavier, andere (wie anscheinend Tschaikowsky) waren nicht besonders gut darin, irgendetwas zu spielen.

Es ist auch manchmal aufschlussreich, sich Partituren (nicht nur klassische) anzusehen und zu sehen, wie viel oder oft wie wenig passiert. Manchmal gibt es viele miteinander verwobene Teile, aber manchmal passiert, obwohl es ein Orchester gibt, nicht viel Kontrapunkt. Dann liegt die Kunstfertigkeit eher darin, eine melodische Idee zu haben, die sich entwickelt und interessant bleibt, und Geschick in der Orchestrierung. Weniger ist (manchmal) mehr.

Auf jeden Fall kommt es vor allem auf das „innere Ohr“ an. Ohne dies ist es unwahrscheinlich, dass Sie etwas schreiben, das viel besser klingt als zufällig als Ausgangspunkt.

Zunächst möchte ich anmerken, dass jeder erfahrene klassische Komponist wahrscheinlich die Grundlagen kannte, wie man alle Instrumente spielt, für die geschrieben wurde. Der Komponist hat möglicherweise keine große Fähigkeit, auf allen Instrumenten zu spielen, aber jeder gute Komponist muss verstehen, wie verschiedene Instrumente Klang erzeugen, wo Schwierigkeiten bei der Ausführung auftreten (z. B. schwierige Fingersätze, Noten, die stärker verstimmt sind usw.). , sowie die Möglichkeiten des Ensembles, für das geschrieben wird.

Das soll nicht heißen, dass Komponisten Teile auf diesen Instrumenten immer selbst ausprobieren würden. (Sie könnten es tun, besonders für schwierigere Passagen, vielleicht sogar einen Solopart mit einem erfahrenen Solisten auf einem bestimmten Instrument ausprobieren.) Aber erfahrene Komponisten, wie in anderen Antworten erwähnt, waren in der Regel in der Lage, Musik in ihrem Kopf zu "hören". . Es ist nicht unähnlich, wie die meisten Menschen heute gewöhnlich geschriebene Wörter lesen, ohne zu sprechen. Beachten Sie, dass dies historisch nicht immer der Fall war: Es gibt Hinweise darauf, dass das stille Lesen im alten Wort ungewöhnlich war und in einigen Fällen als bemerkenswert angesehen wurde. Aber offensichtlich können die meisten Menschen mit etwas Übung lernen, Texte zu lesen und zu verstehen, ohne sie laut auszusprechen. Ebenso kann man Noten lesen – nicht nur einzelne Melodielinien, sondern sogar große Partituren mit vielen Instrumenten – und sie verstehen,

Ich möchte nur hinzufügen, dass ein starkes Element davon die Beherrschung der traditionellen Musikausbildung ist, die viele Regeln für die Produktion von Musik aufstellte, die „gut klingt“, indem sie technischen Prinzipien folgte. Wenn man beispielsweise die detaillierten Regeln des Renaissance-Kontrapunkts kennt (wie sie von Komponisten wie Palestrina praktiziert und in Abhandlungen wie denen des historischen Musiktheoretikers Zarlino beschrieben werden), ist es viel einfacher, Musik zu schreiben, die einfach wie gute Renaissance-Musik klingt indem man sich an die Regeln hält. Das soll nicht heißen, dass es keine anderen Elemente gibt, um die Musik künstlerisch und interessant klingen zu lassen, aber das einfache Befolgen von Formeln und Regeln wird automatisch etwas produzieren, das wahrscheinlich vage wie „korrekte Musik“ in diesem Stil klingt.

In ähnlicher Weise wurden den Komponisten bei anderen Instrumenten und Orchestern Prinzipien der Orchestrierung beigebracht: Welche Instrumente harmonieren gut miteinander, welche Instrumente kontrastieren, wie man innerhalb eines Ensembles ein Gleichgewicht (dynamisch, klanglich usw.) herstellt, wie man eine gute Stimme erzeugt Akkorde mit verschiedenen Instrumenten usw. Die meisten dieser Prinzipien wurden zunächst informell von Lehrern an Schüler weitergegeben, aber Anfang des 19. Jahrhunderts schrieben einige Lehrer detaillierte Bücher über Orchestrierung.

Auch diese Prinzipien können nicht garantieren, dass das, was Sie schreiben, interessant sein wird, aber das Befolgen dieser Ideen und das Verstehen dieser Konzepte wird es einem erfahrenen Komponisten ermöglichen, orchestrale Mischungen und Interaktionen zwischen den Instrumenten zu schaffen, die im Allgemeinen kompetent klingen. Heutzutage verwenden Orchestratoren für Dinge wie Film-Soundtracks oft noch ähnliche Konzepte: Der eigentliche „Komponist“ für einen Film kann die Ideen von Melodien, Themen, allgemeiner Instrumentierung und dann eine Skizze des Gesamtstücks skizzieren, aber Orchestratoren können ausfüllen im Detail nach einheitlichen Grundsätzen. Orchestratoren sind in diesem Fall oft Spezialisten, die sich um die tatsächlichen Details der realen Leistung kümmern. Das Zusammenspielen von Trompeten und Flöten in einer computerisierten Partitur mag gut erscheinen, aber in der realen Welt können Sie die Flöten möglicherweise überhaupt nicht hören. Oder was ist mit der Tatsache, dass Bläser atmen müssen? Es'

Tatsächliche Komponisten müssen daher auch heute noch in der Lage sein, Musik außerhalb von Computersimulationen zu bewerten, insbesondere wenn sie für große Ensembles schreiben. Meine Erfahrung bei der Arbeit mit vielen Studenten, die in der Ära des computergestützten Musikschreibens aufgewachsen sind, ist, dass sie dazu neigen, eine Menge Zeug zu schreiben, das auf dem Bildschirm und bei der Wiedergabe gut aussieht, aber niemals in einem praktischen Sinne funktionieren könnte. In einigen Fällen klingen Dinge, die auf dem Computer ziemlich gut klingen, ganz anders (oder sogar schlecht), wenn sie von echten Künstlern auf echten Instrumenten ausgeführt werden.

Dennoch „testeten“ Komponisten ihre Musik in der Aufführung. Heute haben wir ein stärkeres Gefühl für ein fertiges „musikalisches Werk“, als es historisch oft der Fall war. Komponisten in der Vergangenheit überarbeiten ein Werk möglicherweise eher aufgrund ihrer Erfahrung (und aufgrund von Dingen, die ihnen aufgefallen sind, dass sie nicht so gut funktionierten), aber auch aufgrund des Ereignisses, des spezifischen Ensembles, einschließlich der verfügbaren Spieler/Sänger usw. Schauen Sie sich zum Beispiel die vielen Versionen von Händels Messiah an, wo das Stück häufig von Jahr zu Jahr geändert wurde, je nachdem, welche Art von Solisten anwesend sein könnten. In der realen Welt können die Besonderheiten der Leistung – sogar die spezifischen verfügbaren Spieler – den Unterschied machen, was am erfolgreichsten ist.

Und nicht nur historische Komponisten mussten ihre Musik „testen“. Wenn Sie heute eine Filmmusik für einen Hollywood-Film orchestrieren, ist die Studiozeit mit einem ganzen Orchester unglaublich teuer. Sie können es sich nicht leisten, mitten in einer Studio-Session zu erkennen: „Hoppla, diese Mischung klingt überhaupt nicht so wie auf meinem Computer“ oder „Wow, die Obertöne dieses Instruments stehen im Widerspruch zu den anderen Instrumenten in den Höhen registrieren" oder "Ich wusste nicht, dass ein Fagott wirklich Schwierigkeiten haben wird, diesen bestimmten Triller zu spielen, gefolgt von diesem Sprung." Solche Fehler können buchstäblich Hunderte oder Tausende von Dollar an verlorener Zeit kosten. Das heißt nicht, dass sie nie passieren – Studio-Sessions werden während der Aufnahme Änderungen vornehmen.

Einige schreiben mit einem Klavier, um Rhythmen und Akkordfolgen auszuprobieren. Manche haben einfach alle Klänge in ihren Köpfen.

Aber zu Ihrem Punkt über Orchesterwerke: Ich hatte das Vergnügen, Stücke vor der Veröffentlichung bei Sommermusikcamps oder anderen Veranstaltungsorten zu spielen, oft unter der Leitung des Komponisten. Nach solchen „Probeaufführungen“ ändert der Komponist oft die endgültige Fassung. In der Tat, wenn Sie genügend „Liner Notes“ lesen, werden Sie feststellen, dass viele klassische Komponisten Symphonien oder Opern nach den ersten veröffentlichten öffentlichen Aufführungen neu arrangierten.