Wie kann man das Feeling eines Songs dramatisch verändern, während die Melodie weitgehend gleich bleibt? Nehmen wir an, wir haben einen fröhlichen, optimistischen Popsong und möchten ihn in einen traurigen Song verwandeln (oder umgekehrt). Ist es generell möglich? Hängt das Feeling eines Songs mehr von der Melodie oder der Harmonie ab?
Wenn es möglich ist, gibt es allgemeine Regeln oder gemeinsame Muster, denen wir folgen können? Wer Zeit hat, kann unendlich viele Möglichkeiten erkunden, aber allgemeine Regeln können als gute Ausgangspunkte dienen und denen mit wenig Kompositionserfahrung helfen.
Es wäre schön, wenn Sie ein Beispiel für zwei Passagen mit derselben Melodie, aber gegensätzlichen oder sehr unterschiedlichen Gefühlen geben und kurz die strukturellen Unterschiede der beiden Passagen erläutern könnten.
Klarstellung : Das Transponieren der Melodie von Dur und ihrem relativen Moll ist eine zu große Veränderung für mich. Wenn möglich, möchte ich die relative Tonhöhe der Noten in der Melodie beibehalten (aber vielleicht andere Dinge wie die Harmonie radikal ändern).
Es gibt einige sehr einfache Möglichkeiten, die Stimmung eines Songs durch leichte Änderungen in der Melodie, der Harmonie oder beidem zu verändern.
Eine Transposition der Melodie ins relative Moll (z. B. von C-Dur nach a-Moll) oder ins parallele Moll (z. B. von C-Dur nach c-Moll) sind beides sehr einfache Möglichkeiten, das melodische Material beizubehalten, während der Klang drastisch verändert wird .
Es gibt ein lustiges Stück von Mozart, 12 Variationen über „Ah, vous dirai-je, maman“ KV 265 , das dieses Konzept veranschaulicht. Die Melodie ist „Twinkle Twinkle Little Star“. Bei der achten Variation transponiert er nach parallel Moll. Wenn Sie all die zusätzlichen Verzierungen durchhören, die Mozart hinzufügt, finden Sie das einfache Thema.
Bei Verwendung des relativen Molls könnte man einfach die Harmonie ändern und die Melodie vollständig intakt lassen. Nehmen Sie zum Beispiel Amazing Grace. Wenn Sie das Lied in G-Dur spielen, würde man im Allgemeinen mit I, IV und V (G-Dur, C-Dur und D-Dur) harmonieren. Verwenden Sie stattdessen das i, iv und v an den entsprechenden Stellen aus dem relativen Moll (E-Moll, a-Moll und h-Moll.)
Kreatives und cleveres Schreiben kann einen großen Beitrag zu dem leisten, worüber Sie sprechen. Im Allgemeinen werden Sie positive Ergebnisse erzielen, wenn Sie die rhythmische und intervallische Identität der ursprünglichen Melodie intakt halten.
Es ist sicherlich machbar und wird beispielsweise häufig in Spielen verwendet, um dem Zuhörer Stimmungsänderungen zu signalisieren und gleichzeitig die ursprüngliche "Idee" des Songs zu vermitteln.
Nehmen Sie als Beispiel den Soundtrack zu Final Fantasy VI (Final Fantasy III in den USA). Das Hauptthema von Terra - einem der Protagonisten - ist ein starker, aber melancholischer Song mit Betonung auf der eingängigen Melodielinie. Diese Linie wird in verschiedenen Momenten des Spiels erforscht, wie in Metamorphosis , wo die Stimmung dunkel und bedrohlich ist, oder in Awakening , wo sie friedlich und beruhigend ist.
Die Interpretation für die Stimmungen der Songs ist meine eigene, aber ich denke, wir können uns größtenteils einigen. Was macht diese Songs nun so anders?
Percussion und Rhythmus: Die rhythmischen Abschnitte sind für jede Melodie sehr unterschiedlich. Im ersten haben wir "marschierende" Trommeln, im zweiten nur eine langsame Art von Rockbeat und im dritten haben wir überhaupt keine Percussion, nur einen langsamen, schleppenden Rhythmus, der von den Instrumenten, insbesondere den Streichern, angedeutet wird. Meiner Meinung nach ist dieser Aspekt einer der prägendsten in der Stimmung des Songs. Ein "vollerer" und schnellerer (kein schnelleres Tempo, nur ein Rhythmus mit mehr Noten. Ich weiß nicht, ob es ein besseres Wort gibt, um dies zu bezeichnen) macht einen Song fröhlicher und energischer, während langsamere und restriktivere dunkler vermitteln oder ruhigere Gefühle.
Begleitung: Diese Songs haben dasselbe Thema, aber sehr unterschiedliche Begleitungen. Im ersten sind es meistens einige Akkorde, die zusammen mit dem Rhythmus "marschieren". Der zweite ist sehr komplex und missbraucht die chromatische Skala, um etwas Spannung zu erzeugen, während die Melodielinie nicht ankommt. Schließlich verwendet der dritte die Streicher und einige Arpeggios, um die Dinge "ruhig" zu lassen und der Melodielinie etwas Raum zu geben. Ich glaube nicht, dass es hier eine Faustregel gibt, Sie müssen sich Songs anhören, die die gewünschten Gefühle vermitteln, und auf ihre Begleitung achten.
Instrumente: Wie Sie sehen können, verwendet jeder Song einen anderen Satz von Instrumenten, in Spielen ist dies sehr üblich. In diesem Bereich wird es sehr subjektiv und vielleicht kulturell, aber es ist offensichtlich, dass allein das Wechseln der Instrumente zu unterschiedlichen Stimmungen führen kann. Noch einmal, ich empfehle, zu experimentieren und verschiedene Stücke zu studieren, die die gewünschten Gefühle vermitteln.
Modi: Ich kann dies in diesen drei spezifischen Songs nicht genau bestimmen, weil ich weder Transkriptionen noch Partituren für sie angeschaut habe, aber das Erkunden von Modi der Tonleitern, die Sie verwenden, kann auch verwendet werden, um unterschiedliche Stimmungen auszudrücken. Indem Sie die Melodie einfach auf einen anderen Teil der Tonleiter verschieben, geben Sie dem Zuhörer effektiv das Gefühl, dass etwas anders ist, obwohl er denkt, dass das Lied größtenteils gleich ist. Die Leute neigen dazu, Aeolian als traurig, Ionian als glücklich, Locrian als böse und so weiter zu betrachten ... aber auch hier ist Subjektivität der Name des Spiels. Sie müssen die Modi und Songs mit ihren Variationen studieren, um die gewünschten Gefühle zu finden. Eine Anregung zum Studium sind diese beiden Super Mario World-Songs: Overworld und Castle. Das Thema ist geteilt, aber die Noten und Stimmungen sind leicht unterschiedlich.
Um das Ganze abzurunden. Es gibt kein einziges Regelwerk, um diese Art von Änderungen in Songs vorzunehmen, Sie müssen verschiedene Songs anhören, nachahmen, verstehen und studieren. Am wichtigsten ist, folgen Sie Ihrem Gefühl als Komponist und haben Sie keine Angst davor, innovativ zu sein und die "Regeln" zu brechen, um die Songs so zu bekommen, wie Sie es möchten.
Sie haben eine Vielzahl von Möglichkeiten. Manche von ihnen:
Diese Optionen können (und sollten wahrscheinlich) kombiniert werden.
Einige Beispiele, die mir in den Sinn kommen:
Neben der Verschiebung ins relative Moll gibt es noch andere Transformationen, aber es hängt davon ab, mit welcher Art von Melodie Sie es zu tun haben.
Wenn die Melodie nur einen kurzen Bereich der Tonleiter abdeckt, können Sie alle Noten ändern, die sie nicht berührt. Wenn die Melodie nur über 1-2-3-4-5 der Tonleiter reicht, können Sie sie auf 4-5-6-7-8 des aufsteigenden melodischen Molls verschieben (im Wesentlichen durch Abflachen der 6 und 7 der Melodie). sowieso nicht verwenden).
Sie können die Akkordfolge in das relative Moll ändern, während die Melodie gleich bleibt. Versuchen Sie, Twinkle-Twinkle- in C zu spielen, aber mit einem donnernden a-Moll darunter; Wechseln Sie zu F, wenn die Melodie das hohe A trifft; dann e-Moll, d-Moll, G-7, a-Moll für die Wende. Keine der Melodienoten wurde verändert, aber ihre Funktion in der Tonleiter wurde geändert. Und Sie können dies mit jedem Modus tun.
Strawinskys Orchestrierung von The Star-Spangled Banner wäre ein gutes Beispiel dafür, wie weit man damit gehen kann. In jedem Moment klingt es wohlklingend, aber die Kadenzen sind alle seltsam.
Es gibt auch Reimänderungen. Wenn Ihre Melodie im 3/4-Takt ist, können Sie sie auf 4/4 ausdehnen, indem Sie eine Viertelpause einfügen oder eine der Melodienoten verlängern.
Ein Beispiel ist das Thema von Mission: Impossible. Ursprünglich in 5/4, wurde es für die Disco-Version auf 8/4 gestreckt, als der erste Film herauskam. Alles, was sie tun mussten, war, den Rest in der Melodie zu dehnen und die 3/8-Figuren im Rhythmus zu verdoppeln. Puh! Disko!
Dies kann durch Tempo- und Stilmoderationen erreicht werden. Im Animationsfilm „Pinchcliffe Grand Prix“ (norwegischer Originaltitel: „Flåklypa Grand Prix“) findet sich dafür ein Beispiel. Das Theodore-Thema kommt zweimal in verschiedenen Stilrichtungen vor, mit derselben Melodie, aber mit unterschiedlichem Feeling. Das erste Vorkommen ist, wenn Theodore es sehr melancholisch spielt:
Am Ende desselben Films wird dasselbe Thema in einem sehr fröhlichen und leichten Modus gespielt. Das Tempo wird etwa verdoppelt, und die Noten sind leichter und federnder. Es tut mir leid zu sagen, dass ich keinen Online-Soundtrack dafür gefunden habe, um es Ihnen zu zeigen ...
Eine solche thematische Variation kommt in den meisten Filmen vor, die in den letzten fünfzig Jahren produziert wurden. Wählen Sie einfach eine aus, die Ihnen gefällt, schalten Sie das ablenkende Video aus und hören Sie zu. Das Thema von Darth Vader ändert sich jedes Mal. (Dieser Trick stammt vom Filmtheoretiker Michel Chion .)
Der Urvater ist natürlich Richard Wagners Vier-Opern-Zyklus Der Ring des Nibelungen: vierzehn Stunden Musik, die sich aus Dutzenden von miteinander verwobenen „Leitmotiven“ zusammensetzt. Studiere das und du wirst belohnt.
Ein paar Beispiele..
Vergleicht man Marilyn Mansons Version von „Sweet Dreams“ mit der ursprünglichen Eurythmycs-Version, bekommt man ein ganz anderes Gefühl für dieselbe Melodie.
In „Fill my little world“ von The Feeling gibt es ein Stückchen gegen Ende, wo die Leadstimme „that I’m passing you by“ in einem völlig anderen Stil als der Rest des Songs singt. Der größte Teil des Songs klingt fast nach Aufmerksamkeit bettelnd, aber diese Zeile ist durchsetzungsfähig und ungeduldig.
Es gibt einige Tricks, die mir in den Sinn kommen, aber ich würde zögern, das Wort "Regeln" zu verwenden, da die Musik sie ständig bricht (was viel Lächeln hervorruft!). Also ... ohne die Melodie oder Tonart zu ändern usw.:
Rhythmus: Sie können den Takt eines Songs halbieren und das Tempo gleich halten, sodass Melodie und Timing gleich bleiben (man könnte es so sehen, dass nur die Trommeln mit halber Geschwindigkeit spielen), was einer Melodie ein schwammigeres Gefühl verleiht und es machen kann im Kontext einer fröhlichen Melodie traurig oder ernst klingen.
Art des Instruments: Wenn Sie von einer schrillen Akustikgitarre zu einer stark verzerrten Gitarre wechseln, klingt es wütend. Wenn Sie zu Geigen wechseln, kann es traurig klingen (oder es kann beschwingt klingen - abhängig von der verwendeten Melodie und den verwendeten Oktaven).
Gesangsstil: Ich denke, das ist sehr kraftvoll, um eine Stimmung zu behaupten. Fröhlicher zwitschernder Gesang (wenig angestrengt/nach einer Note greifend, sehr gestimmt) vs. stimmungsvolles Gemurmel kann den Charakter eines Songs komplett verändern, wenn alles andere gleich bleibt
Timing : Nicht so sehr die Taktart, sondern die Länge der Noten und wie "faul" sie klingen - ob Sie sie ineinander übergehen lassen (faul / wütend / energisch) oder sie vielleicht stoppen, bevor die nächste Note beginnt (im Allgemeinen ein hüpfender, poppiger Sound) oder etwas dazwischen. Ein gedämpftes Chuggy-Riff (ich denke an eine Gitarre) kann ziemlich "up" und fröhlich klingen, aber dasselbe ohne Dämpfung gespielt kann wütend oder sorglos klingen, während einzelne Noten mit Vibrato unheilvoll und traurig klingen können.
Lautstärke: Ein Lied zu beruhigen, es von der Fülle zu befreien (dh die Anzahl der Instrumente zu reduzieren) und es sanfter zu singen, kann es intim und traurig klingen lassen. Es gibt ein großartiges Beispiel dafür gegen Ende von „Romeo und Julia“ von Dire Straits – die letzten paar Verse.
Effekte: Wenn Sie einige der traditionellen „Pop“-Effekte wie Exciter, Kompression, Chorus usw. auf einer Gesangsspur entfernen, klingt sie relativ flach und „down“ (weil all diese Effekte dazu gedacht sind, eine Stimme aufzuhellen und zu verbessern). Zusätzlicher Hall kann auch dazu führen, dass eine kleinere Stimme in einem leeren Raum einsam klingt oder eine kraftvollere Stimme gewaltig und imposant klingt.
Es gibt wahrscheinlich noch jede Menge andere Tricks! Bin gespannt was andere posten :-)
Es kann passieren und es passiert. Ich denke, die Hauptregel ist, welche Art von Song du versuchst zu machen. Wenn sich das Gefühl eines Liedes ändert, ist es häufiger bei Liedern wie in Filmen, Theaterstücken, Videospielen... Das Lied ändert sich, um mit der Szene oder Handlung zu gehen.
Was Sie tun können, indem Sie dieselbe Melodie beibehalten, lassen Sie mich Ihnen ein Beispiel geben. Nehmen wir an, Sie haben eine Melodie in der Dur-C-Tonleiter, um ein fröhliches Gefühl zu haben, und um eine Änderung in ein trauriges oder schlechtes Gefühl zu erreichen, gehen Sie zu einer Moll-C-Tonleiter und behalten dieselbe Melodie bei, ersetzen aber die Dur-Note durch die Moll-Note. Ich hoffe mein Beispiel hilft weiter
Ich würde nicht sagen, dass es eine Frage des Gefühls ist, sondern die PURE ESSENZ der Melodie.
Ich erkannte die Schlüsselrolle der Harmonie gegenüber dem Gefühl der Lead-Melodien, weil Julias Gesangsmelodie von den Beatles mit etwa 20 „G“-Noten über der C-Am-Em-Progression beginnt. Versuchen Sie es jemand anderem vorzusingen, ohne den Text auszusprechen und ohne diese schiefe Harmonie, um zu sehen, ob er es erkennt xD
Dennoch würdest du nie sagen, dass du monoton singst. Denn das Zeichen des Liedes ist die Harmonie hinter diesen Noten, und es bleibt für immer in deinem Kopf, wenn du es einmal gehört hast. Wenn die Hintergrundakkorde anders waren, kann man bei diesem Song leicht erkennen, dass es ein komplett neuer Song wäre.
Es passiert mehr als oft. Vielleicht sind modale Lieder leicht zu identifizieren und weniger abhängig von der Harmonie, wenn sie alleine gesungen werden, insbesondere wenn sie eine kleine harmonische oder modale Mischung haben, da sie die Harmonie etwas vertikal durch die Linie ziehen (z. B. Greensleeves).
Mechanische Schnecke
Robbie Goodwin