Wie komponiert man mit der chromatischen Tonleiter?

Twelve-Tone Tonality von George Perle kann nützlich sein.

Denken Sie daran, „welche Art von Struktur ein Stück haben würde“, dass Sie Musik nicht nur mit Tonhöhen, sondern auch mit Zeit strukturieren können. Ich halte Zeit für eine noch grundlegendere Überlegung als die Tonhöhe in der Musik. Also frag: Gibt es einen regelmäßigen Beat? In wie viele Teile kann man einen Beat unterteilen? Können Sie zwei Arten von Zeitdauern verwenden, um regelmäßig ein Muster zum Zählen größerer Zeiteinheiten zu bilden? Wie viele von jedem für jeden zählen? Wie wäre es, solche Zählmuster mit drei oder mehr Arten von Dauern zu bilden? verwendest du ein normales Messgerät? Wie oft wechselst du den Zähler? Wie viele Metereinheiten dauert jede Phrase? Variieren Sie Ihre Phrasen in der Länge? Können Sie in verschiedenen Teilen jeder Phrase regelmäßig unterschiedliche Tempi verwenden? können Sie es auf eine nicht regelmäßige Weise tun? Wie viele Sätze gibt es in jedem Abschnitt? Gruppieren Sie Phrasen in Abschnitte mit Tempo? Wie viele Abschnitte können Sie haben? Wie charakterisieren die unterschiedlichen Verwendungen von (Unterteilungen und Mustern von) Beats, Metren und Phrasen Ihre Abschnitte?

Vor allem, wie fühlen sie sich für Sie an? Das prägt, „wie man komponiert“.

Welche (physischen, also klanglichen) Ressourcen verwenden Sie? Das macht Ihr Schreiben zu mehr als nur dem Lösen eines Kreuzworträtsels. Planen Sie, all Ihre Ressourcen ständig zu nutzen? Das wäre langweilig, wenn nicht sogar ermüdend, oder? Als Schönberg absichtlich alle seine Tonhöhenklassen-Ressourcen regelmäßig nutzte, um Langeweile zu vermeiden, strukturierte er seine Zeit und benutzte seine Instrumente in vielen verschiedenen Mustern und Kombinationen (ich sagte dort Tonhöhenklasse statt Tonhöhe, weil er auch mit How to spielte die gleiche Tonklasse in verschiedenen Oktaven verwenden) MIT VIEL FREIHEIT.

Schönberg war mit seiner Technik sehr (aber nicht vollständig) diszipliniert, um sicherzustellen, dass er 12 Tonhöhenklassen mit der gleichen Regelmäßigkeit verwendete, aber er erfand andere Aspekte seiner Musik ohne explizite Regeln. deshalb spricht er einige Leute an, während die „Total-Serialisten“ andere ansprechen.

Wen möchtest du als Zuhörer deiner Musik? DAS hat einen großen Einfluss darauf, wie Sie komponieren.

Um auf die Frage „Wie komponieren Sie mit der chromatischen Tonleiter“ zu antworten: Zuerst müssen Sie entscheiden, ob Sie ein Tonikum möchten. Wenn Sie nur 5 oder 7 Tonhöhen (Klassen) verwenden, können Sie einen „No Tonic“-Effekt maximieren, indem Sie 1) die Oktave gleichmäßig statt ungleichmäßig teilen, sodass Ihr Verstand weniger Anhaltspunkte hat, um sich daran zu erinnern, wie oft Sie jede Tonhöhe (Klasse) verwenden. , 2) vergewissern Sie sich, dass es kein regelmäßiges Muster (dh eine Folge von einigen oder mehr Tonhöhen) für Ihren Verstand gibt, um vorherzusagen, welche Tonhöhe als nächstes erscheinen wird, 3) verwenden Sie jede Tonhöhe (Klasse) so häufig wie alle anderen, und 4) stellen Sie sicher Tonhöhendauern sind so unregelmäßig, dass Ihr Verstand aus solchen Sequenzen von Dauern keine Beats oder Phrasen formulieren kann (weil die Formulierung von Beats und Phrasen einem Verstand hilft, Vorhersagen zu treffen).

Aber das ist keine Musik, sagen Sie? Denken Sie daran, dass das auch von anderen Faktoren (nicht der Tonhöhe) abhängt, also lassen Sie uns vorerst nicht über diesen Punkt streiten.

Lassen Sie uns fortfahren und sagen, Sie möchten 12 Tonhöhen verwenden, die die Oktave gleichmäßig aufteilen. Mal sehen, wie sich das auf die Leichtigkeit auswirkt, einen „no tonic“-Effekt zu erzielen. Da es mehr mögliche Tonhöhen gibt, die im Auge behalten werden müssen, stellen die menschlichen kognitiven Grenzen sicher, dass Sie nicht auch 2), 3) und 4) tun müssen, um es zu erreichen. Das heißt, Sie müssen Tonhöhen nicht auf eine Weise sequenzieren oder nebeneinanderstellen, die genauso schwer vorherzusagen ist, und der Zuhörer wird dennoch nicht in der Lage sein, eine Tonika in seinem Kopf zu erzeugen. Wenn jedoch eine Tonhöhe merklich häufiger als andere verwendet wird oder ein Muster merklich regelmäßig auftritt, kann der Verstand vorhersagen, welche Tonhöhe erscheinen wird (z. B. am Ende einer Phrase oder eines Abschnitts oder an ein bestimmtes rhythmisches Motiv gebunden usw.) , die Zuhörer werden ihr Tonikum haben.

Auf Umwegen habe ich gerade definiert, was ein Tonic ist und wie man vorgehen kann, um eines zu machen (oder genauer gesagt, wie man seinen Zuhörern helfen kann, eines zu machen). Ob Sie ein Tonic möchten oder nicht, bleibt Ihnen überlassen. Wenn Sie möchten, können Sie Muster und Regelmäßigkeiten (in der Strukturierung der Zeit, in der Reihenfolge oder im Nebeneinander von Tonhöhen) verwenden, um hier und da Tonika in Ihrer Musik zu erzeugen. Sie können dort widersprüchliche Hinweise geben, so dass mehr als eine Tonhöhe in der Vorstellung Ihres Zuhörers zu Kandidaten für Tonika wird. Sie können auch verschiedene Stärkungsmittel zu verschiedenen Zeiten wählen. Das Intervall oder die Beziehung zwischen verschiedenen Tonika erzeugt Dinge wie Supertonika oder Mediante usw. im Kopf Ihres Zuhörers.

Auf die Frage „Gibt es Ähnlichkeiten zwischen ihnen (Art der Struktur)?“ natürlich! Leute, die vor Ihnen Musik geschrieben haben, haben wie Sie die Musik anderer gehört. Diese Musik hat ihren Geist geprägt. Die Gestaltung kann je nach Person „intuitiv“ oder „instruktiv“ sein, aber die „Art der Struktur“ in denselben Musikstücken wirkt sich auf ähnliche Weise auf die Gedanken verschiedener Zuhörer aus. Wenn solche Zuhörer Musik schreiben, würde die Erfahrung, solche Musik gehört zu haben (etwa zu der Zeit oder dort zuvor), zu beobachtbaren Ähnlichkeiten der Struktur zwischen ihren Werken führen. Dasselbe gilt auch für Sie (das gilt nicht nur für Zeit und Instrumentierung usw., sondern auch für die Tonhöhe: Die meisten Europäer schreiben Musik mit höchstens 12 Tonhöhenklassen,

Darüber hinaus gab (und gibt) es Menschen (insbesondere Musikschriftsteller), die sich bewusst über Musik selbst oder andere Gedanken machen (z. B. analysieren), um theoretische Beschreibungen von Musik oder Verfahren zum Schreiben von Musik zu erfinden. Manchmal, wie im Fall der von Schönberg erfundenen Beschreibungen und Verfahren, wurden solche theoretischen Konstrukte (dh nicht Musik) öffentlich zugänglich gemacht; manchmal waren sie es nicht und blieben beim Erfinder. Dennoch können Sie „Strukturen“ in einem Musikstück entdecken, auch wenn es keine „Theorie“ darüber gibt, indem Sie es studieren oder direkt anhören. Wie viele Theorien Sie selbst erfinden wollen (oder können) und wie viele Theorien anderer Sie verwenden möchten, liegt bei Ihnen (die Konsequenzen dieser Wahl liegen jedoch nicht ganz bei Ihnen).

Das ist eine recht weit gefasste Frage.

Sicherlich gibt es extreme, formalisierte, strukturierte Möglichkeiten, die chromatische Tonleiter einzusetzen; Rein Henrichs Verbindung zu Schönbergs Zwölftonsystem ist eine hervorragende Quelle für den Einstieg; Ich möchte Sie auch auf die Seite über Serialismus verweisen .

Im Allgemeinen verwenden Komponisten die Chromatik jedoch als Werkzeug oder als Möglichkeit, ein Musikstück zu kolorieren, ohne sich auf einen streng seriellen, formalisierten Ansatz festzulegen.

Selbst in unserem traditionellen System tonaler Harmonie finden wir oft chromatische, nicht harmonische Noten und chromatische Akkordwechsel. Für diese zahmere, eingebaute Chromatik ist diese Seite ein guter Ausgangspunkt.

Ein Beispiel : Während diese Passage von Mozart nicht unbedingt repräsentativ für Musik aus dieser Zeit ist, dient sie als Demonstration dafür, wie flüssig chromatische Linien ein hauptsächlich tonales Musikstück ergänzen können. Die Melodie, die von 2:04 bis 2:11 gespielt wird, bezieht sich zwar auf das allererste Thema, das wir im Satz hören, ist aber fast streng chromatisch, da sie elf der zwölf Noten der chromatischen Tonleiter verwendet.

Im Allgemeinen wird die Musik, die mit einer Zwölftonleiter komponiert wird, als atonal bezeichnet . Schönberg war ein bedeutender Befürworter der Zwölftontechnik (obwohl er selbst den Begriff „atonal“ ablehnte) und ein einflussreicher Musiktheoretiker. Wenn Sie lernen wollen, wie man Musik mit der chromatischen Tonleiter komponiert, fragen Sie im Grunde nach, wie man im Stil der Schönberg-Schule des 20. Jahrhunderts komponiert, wofür es umfangreiche Informationen gibt.

Wenn Sie bei Null anfangen, ist der beste Ratschlag, sich keine Gedanken über bestimmte Richtlinien, Regeln oder Skalen zu machen. Wenn du versuchst, eine kreative Perspektive zu behalten, wie man einen Song macht, dann liegt es ganz bei dir und wie der Song gehört werden soll. Man weiß nie, wie das fertige Produkt aussehen wird. Es mag etwas sein, nach dem Sie nie klingen wollten, aber vielleicht gefällt Ihnen, was Sie hören. Dies kann der beste Rat sein oder auch nicht, und ich bin sicher, dass andere Ihnen andere Ratschläge geben werden, die dem widersprechen, was ich gesagt habe, aber die Regelbrecher sind die Grundbrecher

Ich finde, dass chromatische Läufe in sehr kleinen Dosen am effektivsten sind. Wie ein einziger chromatischer Durchgangston. Es fügt der Phrase einen kleinen Tupfer "Farbe" hinzu. Sie können den Durchgangston (normalerweise mit einem chromatischen Medianten) harmonisieren, um die Größe des "Pinsels" zu erhöhen. Oder verlängern Sie die Passage über ein längeres Intervall und harmonisieren Sie ausgewählte Akzente so, dass sie wie ein tropfender, gesättigter Pinsel klingen. Aber die Anfangs- und Endnoten behalten ihren Platz im größeren harmonischen Kontext.

Aber darüber hinaus kann man die tonale Struktur verwerfen und landet bei Sachen wie Schönberg und Alban Berg und Prokofjews *Visions Fugitives".

Aber es gibt auch ein Jenseits. Stücke wie Stria haben eine nicht-euklidische Struktur, bei der die chromatische Tonleiter selbst nicht mehr existiert.