Beginnt Improvisation normalerweise mit einer Akkordfolge?

Ich bin seit mehreren Jahren in einer 100% Impro-Jam-Band, das Skelett für ein improvisiertes Musiksegment muss überhaupt nicht harmonisch sein. Unsere gebräuchlichste Technik bestand darin, mit einzelnen Noten auf einem Instrument zu beginnen, was es dem zweiten und manchmal dritten Instrument ermöglichte, eine Art Akkordfolge mit einer Art kontrapunktischem Satz von Noten zu erzeugen.

In unseren Improvisationen kam die Akkordfolge also zuletzt . Es wurde erst gemerkt, als alles lief. Das wichtigste Element für uns war fast immer ein Rhythmus .

Die Improvisation muss überhaupt nicht den Praktiken der "westlichen" Harmonie gehorchen, daher sind Akkordfolgen niemals erforderlich. Wenn ich Ihr Lehrer wäre, würde ich sagen, dass man viel lernen kann, wenn man mit anderen Musikern improvisiert, wo niemand eine Akkordfolge spielen darf. Mit nur einzelnen Noten kann ein Musiker höchstens eine Tonart implizieren und noch lockerer Akkorde implizieren. Dies verteilt die Verantwortung für die harmonische Bewegung auf alle Musiker (ohne Perkussion ohne Tonhöhe mitgezählt) und ermöglicht es jedem Musiker, die harmonische Richtung zu ändern.

Hinter den meisten Improvisationen, insbesondere außerhalb des Jazz, steckt eine Akkordfolge. Die Gründe dafür sind ganz einfach: Akkordfolgen erzeugen einen harmonischen Rhythmus, strukturieren das/die Solo(s) und setzen das Solo in Beziehung zum Rest des Musikstücks. Eine Akkordfolge ist für eine gute Improvisation nicht unbedingt erforderlich, aber das Solospiel ohne jegliche Art von Akkordbegleitung/Comping ist ziemlich fortgeschritten (und erfordert ein gutes Gehör). Solospielen ohne jegliche harmonische Information ist sehr fortgeschritten, besonders wenn Sie vorhaben, dies mit einer Band zu tun, da die Verantwortung vollständig bei Ihnen liegt, die Band mit den Dingen zu versorgen, die Musik über das Niveau von unorganisiertem Lärm erheben.

Auf Ihre Frage, ist es normalerweise gut, mit einer Akkordfolge zu beginnen, müsste ich Ihnen die völlig nutzlose Antwort "vielleicht" geben. Solo über Akkorde zu spielen hat viele Vorteile, von denen ich die meisten oben besprochen habe. Es hat auch einige Nachteile: Es hat eine etwas paradoxe Wirkung auf die polyphone Improvisation, da das Vorhandensein von Akkordwechseln von Natur aus begrenzt, welche Noten Sie spielen können, ohne in ernsthaft dissonantes Gebiet zu geraten. Das heißt, wenn zwei (oder mehr) Musiker gleichzeitig Melodielinien spielen wollen, müssen sie aufpassen, dass sie sich nicht gegenseitig auf die Füße treten. Ohne Akkordwechsel ist das kein Problem und die Musiker haben praktisch viel mehr Spielraum, um sich gegenseitig auszuspielen. Es ist jedoch sehr,

Der Eindruck, den ich aus Ihrer Frage gewonnen habe, ist, dass Sie Musik schreiben wollen, über die improvisiert werden kann. Typischerweise hat Musik, über die improvisiert werden soll, sowohl eine Melodie als auch eine harmonische Progression, die die Improvisation beeinflusst, und ich würde anschließend empfehlen, dass diese Art des Songwritings ein guter Ausgangspunkt ist. Es ist sehr hilfreich, eine Melodie zu haben, die die Motive wiedergibt, über die Sie in Ihrer Frage gesprochen haben. Im Wesentlichen bietet die Melodie einen nützlichen Ausgangspunkt für die Solisten, und die Integration von Phrasen aus der Melodie ist eine bewährte und geschmackvolle Solotechnik. Es gibt viele Beispiele dafür, aber ein herausragender ist Thelonious Monk, der manchmal einfach die Melodie in seinem seltsamen, kantigen Stil spielte und es einen Tag nannte. Sie sind

Ich frage mich, ob es "normalerweise" gut ist, mit Akkordfolgen zu beginnen.

Ja, es ist gut.

Ein altes Klischee, aber nur allzu wahr:

Sie müssen die Regeln lernen, um sie zu brechen.

Charlie Parker zugeschrieben:

Lernen Sie die Änderungen kennen und vergessen Sie sie dann.

Das wirft natürlich die Frage auf: Wenn Sie sie vergessen sollen, warum sollten Sie die Änderungen überhaupt lernen?

Die Antwort: Es bedeutet nicht, die Änderungen vollständig zu vergessen/ignorieren – Änderungen geben Ihnen einen Rahmen, mit dem Sie arbeiten können. Was Sie „vergessen“ müssen, sind die traditionellen, scheinbar willkürlichen Einschränkungen, die durch die Änderungen auferlegt werden: Vergessen Sie sie und spielen Sie, was Sie hören, innerhalb des Rahmens, der durch die Änderungen vorgeschlagen wird.

Jeder, der Bird mit jemandem wie Albert Ayler oder Ornette Coleman oder Sun Ra verglichen hat, weiß, dass Bird sich der Änderungen sehr wohl bewusst war, aber er hat sie auf neue Weise durchgearbeitet, die die etablierten Regeln gebrochen haben.

Mark Levin erklärt es in seinem Jazz Theory Book (Sequences) gut: (Hervorhebung von mir)

Je mehr Sie das „Spielen mit den Änderungen“ beherrschen, desto mehr werden Sie sie wahrscheinlich als Blaupause verwenden und nicht als Gesetze, die Sie strikt befolgen müssen.

Um das künstlerische Niveau von Mulgrew [Miller] zu erreichen – der spielt, was er hört und richtig klingt, egal was das Akkordsymbol sagt – müssen Sie zuerst lernen, Akkordsymbole so zu spielen, wie sie geschrieben sind.

Aber denken Sie daran: Akkordsymbole sind ein Leitfaden, keine Zwangsjacke.

Meine persönliche Meinung, die auch die vieler angesehener Pädagogen und Wissenschaftler ist: Musik ohne Form und harmonische Organisation kann interessant sein – für eine Weile – aber sie wird bald langweilig und eintönig, selbst wenn die Spieler große Virtuosen sind. Menschen leben von Mustern und Organisation: Das ist Teil der Essenz des Menschseins. In der Musik bedeutet dies eine Struktur, die durch Akkordwechsel und/oder geregelte Melodien und Harmonien oder ein anderes Organisationssystem bestimmt wird . ( Stimmt: Viele werden anderer Meinung sein - sei es so. Musikalische Vorlieben sind eine Frage des persönlichen Geschmacks - subjektiv)

Nochmal meine persönliche, subjektive Meinung : Wenn man nicht schon alles über den Umgang mit Akkorden und Tonleitern weiß, ist der Drang, "einfach mal anfangen zu spielen und sich nicht um Akkordwechsel und -regeln zu kümmern", nur Faulheit - es macht Spaß, interessante Klänge zu machen, ohne es tun zu müssen arbeite zu hart daran.

In der klassischen Welt durchlief der vielleicht größte Komponist des 20. Jahrhunderts, Arnold Schönberg , zu Beginn des Jahrhunderts eine atonale Phase. Aber später gab er die Atonalität auf, nachdem er ihre Grenzen für Ausdruck und musikalische Entwicklung erkannt hatte. Infolgedessen entwickelte er eine sogenannte Zwölftontechnik, die später von anderen bemerkenswerten Komponisten übernommen wurde, die sich mit Atonalität beschäftigt hatten, darunter Schönbergs Hauptkonkurrent und Zeitgenosse Igor Strawinsky . (Stravinskys Einführung der 12-Ton-Technik war in dieser Welt so kontrovers und ikonoklastisch wie der Tag, an dem Bob Dylan „elektrisch wurde“ – Welten kollidierten. )

Die Zwölftontechnik verwendet keine "Akkordwechsel" und Harmonien im herkömmlichen Sinne, aber sie ist in der Tat mit Regeln und Einschränkungen strukturiert, die einen Rahmen für einen interessanten und ansprechenden musikalischen Ausdruck bieten.

Also ja:

Lernen Sie die Änderungen kennen, bevor Sie sie vergessen

Anmerkung 1: Das bedeutet nicht, dass interessante Musik nicht entwickelt werden kann, indem man einfach mit einer Melodie beginnt und darauf jammt. Aber anschließend sollte dieser Kern entwickelt und zu einem zusammenhängenden Musikstück strukturiert werden, was Ihr Ziel sein sollte. Meine Diskussion hier bezieht sich darauf, "Akkordwechsel ignorieren" zu Ihrem musikalischen Stil und Ihrer Methodik zu machen.

Anmerkung 2: Mein Ansatz bei dieser Frage ist, dass es nicht wirklich um "Akkordwechsel" an sich geht, sondern um strukturierte, formalisierte Musik vs. einen "freien Form" -Ansatz. Der Begriff "Chord Changes" spiegelt einfach die Art wider, wie die meisten Pop-/Rockmusiker die musikalische Struktur sehen.

Wie kann etwas improvisiert werden, ohne ein Skelett zum Aufhängen? Ja, natürlich gibt es völlig kostenlose Improvisationen, aber meiner Meinung nach ist das ziemlich bedeutungslos und endet normalerweise unmusikalisch. Nur dass ich mit einem guten klassischen Spieler sprach, der mir sagte, er habe Gruppen von Nichtmusikern, gab ihnen Instrumente und innerhalb einer halben Stunde spielten sie zusammen in einer bestimmten Stimmung. Ich glaube, er hat die fliegenden Schweine etwas vermisst.

Wenn es einen Plan gibt, wie bei einer Akkordfolge, improvisieren sie. intelligent gemacht werden können. Natürlich kann man den ganzen Tag mit Pentatonik basteln und dabei gar nicht mal so schlecht klingen, aber richtige Improvisation ist das wohl kaum. Improv. benötigen einen kohärenten Weg, dem Sie folgen können, da bestimmte Noten mit einem Akkord besser funktionieren, aber nicht mit einem anderen. Bei einem Gig vor ein paar Wochen improvisierte ich wie so oft, als die Akkordfolge (gespielt von einem Gitarristen) völlig tangential abging. Mein Spiel klang beschissen, da ich eine bestimmte Reihenfolge erwartete, die sich nun geändert hatte, und ich keine Ahnung hatte, was ich folgen sollte. Also, ja, eine Reihenfolge ist notwendig.

Es kann in viel klassischer (und populärster) Musik vorkommen. Dinge wie Rhythm Changes und 12-Takt-Blues sind gute Akkordfolgen für die Improvisation (ebenso wie La Folia und die Passaezzos für Klassik). Man kann jedoch mit einer Melodie (oder sogar ein paar Motiven) beginnen, wie in Bachs „Musikalischem Opfer“, wo Freds Thema erweitert wird.

Wenn Sie mit "normalerweise" "mehr als die Hälfte aller veröffentlichten Musiker" meinen, können wir die Antwort meines Erachtens nicht mit Sicherheit bestimmen. Einige der anderen Antworten haben bereits darauf hingewiesen, dass manchmal zuerst Melodien improvisiert werden und die Dinge gut werden. Aber wie oft ist das „manchmal“? Ich bin mir nicht sicher, ob wir genügend Quellen zitieren können, um das festzustellen.

Wenn Sie mich fragen, ob ich normalerweise mit dem Improvisieren anfange, indem ich zuerst Akkordfolgen festlege, ist die Antwort ein klares NEIN. Als anständiger Sänger, der fast nie an einem Instrument ist, improvisiere ich fast immer zuerst Melodien (gesungene) und finde später implizite Akkordfolgen heraus. Manchmal schränke ich meine Improvisationen durch Tonart, Metrum, Rhythmen, Genre und/oder Stil ein, aber keine davon bestimmt streng die Akkordfolgen. Ich improvisiere auf ähnliche Weise am Klavier (mit deutlich langweiligeren Ergebnissen, IMO - dort muss ich mir fast unmittelbar nach dem Spielen der Melodie explizite Akkordfolgen einfallen lassen, und meine Akkordfolgen werden weniger kreativ).

Sie sollten in der Lage sein, verschiedene Methodenbücher oder Lernvideos zu finden, die Ansätze zur Improvisation beschreiben. Letztendlich denke ich, dass dies die Orte sind, an denen man nach Antworten suchen muss.

Die Jazz-Methoden, die ich gesehen habe, beginnen alle mit einer bestimmten Akkordfolge und passen dann Tonleitern an die Akkorde an oder arpeggieren die Akkorde.

Die klassischen Ansätze, die ich kenne, zeigen entweder, wie man ein vorgegebenes melodisches Skelett verschönert oder den Keyboard-Part der rechten Hand über einen bezifferten Bass improvisiert. Generalbass ist eine Sache des 17./18. Jahrhunderts, die ungefähr einer Akkordfolge entspricht, aber älter als die moderne Harmonielehre ist. Um die Details zu beschönigen, würde die Improvisation mit der rechten Hand sowohl akkord- als auch skalenbasiertes Material beinhalten.

Im Pop-Stil Ihres Beispiels habe ich YouTube-Tutorials gesehen, die im Grunde das Spielen der Akkorde eines Songs mit verschiedenen gebrochenen Akkordmustern mit unterschiedlichen Rhythmen zeigen und mit Nicht-Akkord-Tönen verschönern.

Insgesamt würde ich sagen, dass die Verwendung von Akkordfolgen als Ausgangspunkt für die Improvisation ein gängiger Ansatz ist – und was mir wichtig ist – diese Ansätze werden in keiner Weise als künstlerisch unterlegen gegenüber anderen Ansätzen dargestellt. Einige dieser Methoden werden Ihnen sagen, dass Sie irgendwann aufhören werden , über die Akkordfolgen nachzudenken und intuitiver spielen, aber dies geschieht normalerweise nach viel Übung.

Ein weiterer Punkt, den ich für erwähnenswert halte, ist, wie Harmonie/Melodie (oder Akkord/Tonleiter) als zwei Seiten derselben Medaille angesehen werden können. Wenn Sie zum Beispiel in C-Dur einen absteigenden gebrochenen Akkord von G7 spielen und jedem Ton einen Vorschlag voranstellen, erhalten Sie G, F, E, D, C, B, A, G. ) Ist das ein verschönerter Dominant-Septakkord, oder eine Waage oder beides? Die Struktur, mit der wir beginnen, kann also auf Akkorden basieren, aber der Improvisationsansatz muss Akkorde versus Tonleitern sein. Es sollte eine flüssige Mischung aus beidem sein.