Die meisten von uns, die die Grundlagen der Musiktheorie kennen und die „gemeinsame“ Musikkultur (westliche Mainstream-Popsongs, Massenmedien, „klassische“ Musik aus der gemeinsamen Übungszeit ) teilen, neigen dazu, an Musikstücke in erster Linie im Lead-Sheet- Schema zu denken . Grundsätzlich:
Du hast die Idee. Ich möchte dieses Merkmal hervorheben: In jedem Moment des Musikstücks können wir einen (impliziten) Akkord identifizieren. Nun, ich denke, es wäre fair zu sagen, dass die meiste zeitgenössische populäre Musik diesem Schema folgt, und sogar die meiste "klassische" Musik? (z. B. von Haydn bis Brahms; einschließlich Opern ab ca. XIX). Aber ich möchte einen Einblick in das Ausmaß dieser Art, ein Musikstück zu konzipieren, gewinnen. Haben Musiker und Komponisten in diesen Begriffen gedacht? Haben sie -zumindest in ihren Gedanken- eine Art "Lead Sheet" geschrieben? Ist dieses Schema für ältere Musik (Bach und früher) geeignet? (nämlich: kann ich immer angeben, was der "aktuelle Akkord" ist?) Was ist mit mittelalterlicher Musik (populär oder nicht) und Musik, die weiter von der zeitgenössischen westlichen Tradition entfernt ist?
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Meistens in der Klassik, aber nicht immer - manchmal ist der halbe Takt wichtiger (unregelmäßige Phrasenlängen).
Nicht immer in weiten Teilen der klassischen Musik. Man muss nicht lange suchen, um Stücke zu finden, in denen die inneren Stimmen absolut unverzichtbar sind, und zwar nicht nur als harmonischer Füller, sondern als Mittelpunkt – schauen Sie sich nur einige von Mozarts Streichquintetten an. Die inneren Stimmen gehen als harmonische Figuration mit, und dann erhebt sich ein oder zwei Melodien ziemlich verstohlen aus der Figuration, oft als Hauptmelodie, ebenso oft als Gegenmelodie (oder Gegenmelodien). Mozart wurde zu Lebzeiten eine zu beschäftigte innere Stimme vorgeworfen. (Dasselbe gilt für die späte Musik von Brahms, sogar für den frühen Schönberg.)
Tatsache ist, dass Harmonielehre bis Mitte des 19. Jahrhunderts nicht als eigenständiges Fach unterrichtet wurde. Haydn, Mozart, Beethoven, ja sogar Chopin wurden alle in erster Linie der Gattung Kontrapunkt , also der Kunst der Stimmführung, beigebracht. Chopin, der mit den schönen Melodien und Harmonien, ist dafür bekannt, dass er die neumodischen Harmoniekurse am Konservatorium kritisiert hat (aber Chopins Stimmführung war linearer, als die meisten Menschen glauben). Alle diese Leute sind mit Bach aufgewachsen (und früher sogar mit Froberger).
Wenn Sie zu Bachs Zeiten zurückkehren, gab es die Harmonie, wie sie heute gelehrt wird, nicht. Beim Improvisieren einer Begleitung trat an ihre Stelle der Generalbass, dh Intervalle (sowohl harmonische als auch nicht harmonische), die über einer Basslinie angezeigt werden, im Gegensatz zu den Akkorden eines Leadsheets unter einer Melodie. Sogar vollständig ausgeschriebene Musik (z. B. Solo-Keyboard) wirkte eher wie Intervalle , die über einem Bass realisiert wurden.
Die Idee von Akkorden auf den Stufen einer Tonleiter entstand erst mit den theoretischen Arbeiten von Bachs Zeitgenosse Jean-Philippe Rameau (und wir wissen, dass die Bach-Familie Rameau kannte und nicht viel zustimmte). Die Betonung der Generalbass-Harmonie lag darauf, wie man von Punkt A nach Punkt B gelangt, und nicht harmonische Noten könnten genauso wichtig sein wie harmonische Noten. Diese Betonung der Stimmführung geht einher mit einer Auffassung von Harmonie als Rahmen für Stimmen, was sinnvoll ist, wenn man bedenkt, dass kontrapunktische Formen immer noch einen großen Platz im Repertoire hatten. Ich glaube wirklich nicht, dass man sich eine Fuge in Bleiblattform vorstellen kann. (Ich weiß, dass ich es nicht tue.)
Ich vermute, es war auch Rameau, der die Idee von Modi als Skalen festlegte. Vor der vollständigen Dominanz von Dur und Moll konnten Modi am besten als Ansammlungen von Noten mit charakteristischen Tonumfängen, Finaltönen (entspricht einer Tonika), Tenören (entspricht einer Dominante, aber nicht unbedingt eine Quinte über der Finalton) und Hilfstonarten angesehen werden Noten ( Subtonium zur Erweiterung der unteren Lage in bestimmten authentischen Modi; Mediant zwischen Finale und Tenor, nicht unbedingt eine Terz über dem Finale; Teilnehmer, eine Hilfsnote, die von Modus zu Modus variierte). In bestimmten Modi war B / B ♭ eine veränderliche Note, eine Art bewegliches Mi-Fa, je nachdem, ob das Hilfssignal als oberer oder unterer Leitton fungierte. Das heißt, dass Modi dazu neigten, bestimmte melodische Formeln zu implizieren (so funktionieren sie in der Regel in nicht-westlicher Musik - denken Sie an Ragas).
Wenn Sie zu Bach kommen, sind Dur und Moll ziemlich vollständig vorhanden, aber Reste und Formeln des alten Modalsystems tauchen immer noch auf, und Bach behandelt Dur und Moll tatsächlich als Modi. Es ist wirklich umstritten, dass Bach den Moll-Modus als eine Mischung aus drei separaten Tonleitern betrachtete. Wahrscheinlicher ist, dass er die Veränderungen als veränderliche Hilfstöne sah. In vielen Fällen lohnt es sich immer noch, chromatische Akkorde eher als aus modalen Mutationen als aus transienten Modulationen stammend zu betrachten.
Der harmonische Rhythmus wird in der klassischen Musik der gemeinsamen Übungszeit kontrolliert . Es kann natürlich eine Harmonie pro Takt sein, aber ein Bereich von so kleinen Sechzehnteln bis zu 16+ Takten (das Ende von Beethovens 5. – 29 Takte reiner C-Dur-Dreiklang!) kann verwendet werden, mit Änderungen im Laufe des Stücks , je nachdem, was benötigt wird, um die Musik voranzutreiben oder zu verlangsamen. Es ist durchaus möglich, eine Mehrdeutigkeit von Ebenen im harmonischen Rhythmus zu erzeugen, indem man eine Mehrdeutigkeit von harmonischen/nicht harmonischen Tönen erzeugt, wie in „Haben wir einen langsamen harmonischen Rhythmus, wobei einige dieser schnelleren Noten nicht harmonisch sind, oder weil Diese schnelleren Noten machen an sich logische Fortschritte, sind sie harmonisch?" Die Antwort kann oft „Beides“ lauten..)
Kadenzpunkte markieren natürlich Abschnittsenden in der klassischen Musik, aber bestimmte Progressionen können kritisch sein oder auch nicht. Wiederholte Akkordfolgen definieren Formen wie die Chaconne, Passacaglia und Passamezzo (und die Passamezzo-Folge definiert immer noch viel Popmusik), und manchmal definiert eine Art Progression ein Stück (fallende Terzen in der Hammerklavier-Fuge zum Beispiel), aber hauptsächlich Die Form wird eher durch tonale Bereiche als durch spezifische Progressionen definiert.
Ich werde nicht sagen, dass es in der Klassik kein Lead Sheet-Denken gibt - viele Verismo -Opern scheinen dies anzudeuten -, aber um komplexere Texturen zu erreichen, muss der Komponist zumindest eine Vorstellung von den harmonischen Stimmen als Stimmen von Anfang an haben Anfang.
Interessante Idee! Es ist ein bisschen „Huhn und Ei“. Eine Folge von 4 oder 5 Noten kann mehrere Akkorde haben, die ihnen zugrunde liegen. In ähnlicher Weise kann eine Folge von Akkorden mit einer beliebigen Anzahl von Melodien überspielt werden - fragen Sie einen Jazzer! Für einige Notensequenzen gibt es einen übergeordneten Satz von Akkorden, der am besten passt. Ebenso umgekehrt.
Einige, wenn nicht die meisten. Komponisten werden irgendwann vor dem eigentlichen Komponieren eine Skizze angefertigt haben, entweder auf dem Manuskript oder nur in ihrem Kopf. Bei Orchesterwerken wird dies ziemlich kompliziert, bei Instrumentalmischungen usw. Aber ich denke, es ist einfacher, mit einer laufenden Melodie aufzuwachen durch den Kopf als eine Akkordfolge. Fügen Sie dieser Gleichung Texte hinzu, und es wird komplex. Oft kommen sie zuerst, zumindest die erste Strophe, die dann die Melodie hervorbringt, die vom Rhythmus dieser Worte geleitet wird, und die Akkorde kommen wahrscheinlich zuletzt. Aber ich stimme trotzdem zu, dass es wahrscheinlich oft eine „Blaupause“ in Form eines „Leadsheets“ gibt.
HINWEIS: Obwohl die Frage spezifisch klingt, führt sie zu einer viel breiteren Diskussion. Betrachten Sie meine Antwort als Anmerkungen zu diesem Thema.
"Melodie" singt über "Harmonie" Instrumentalmusik entsteht meistens aus der Nachahmung von Liedern mit Instrumenten, die bereits Liedformen haben. Die spätere Instrumentalmusik entwickelte komplexere Strukturen in Bezug auf die Instrumentierungs- und Orchestrierungstechniken und einige andere Fortschritte.
Liedform ist nicht die einzige Form, um eine Basis für die klassische Musikkultur zu sein. Zum Beispiel gibt es auch andere Formen in der klassischen Musik, die auf „Kontrapunkt“ und „Volkstanz“ basieren.
Zuerst hatten diese und ähnliche andere Techniken ihre spezifische Form, aber später wurden sie zu Kompositionstechniken, die austauschbar verwendet wurden, was zu noch komplexeren Formen führte.
Nach der klassischen Ära beginnen sich die Kunstbewegungen schneller zu verändern, was dazu führt, dass verschiedene neue Formen entstehen, die für jede Bewegung speziell sind. Impressionismus, Expressionismus, Minimalismus, Wiederholung ... etc ...
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts begannen Komponisten, nach Schreibtechniken und -formen zu suchen, die völlig gegensätzlich zu den in der Frage aufgeführten gewohnten Wegen waren. Sie entwickelten viele verschiedene Techniken, die auf Randomisierung, abstrakten Notationen, die die Interpretation den Interpreten überlassen, mathematischen Methoden, dem Mischen von Ensembles usw. Eigentlich ist dieses Genre als zeitgenössische Musik bekannt.
In der immer kleiner werdenden Welt werden auch viele Stile und Formen vermischt, die aus anderen fernen Kulturen stammen. Polyrhythmische Stücke in der zeitgenössischen klassischen Musik sind dafür hervorragende Beispiele.
Zeitgenössische westliche Popmusik basiert immer noch hauptsächlich auf Liedformen. Dies ist ganz natürlich, da es sich hauptsächlich um Vokalmusik handelt, die für einen Sänger und eine Begleitung geschrieben wurde.
Ich möchte ein wenig hinzufügen. (Das meiste davon basiert auf einigen von Steve Lathams Kommentaren in verschiedenen Foren im Laufe der Jahre.) Wir beginnen mit dem Gattungsleitblatt für Popmusik (oder dem, was ich gelernt habe, um einen Song aus dem Radio zu transkribieren). Es gibt eine Melodie auf einer Reihe von Akkorden. Schematisch:
|||||||| Ich denke nicht, dass dies ganz ausreichend ist (der Punkt des Beitrags), aber ich muss ein wenig abschweifen, um meine Erweiterung der Idee (die wirklich einfach und wahrscheinlich inzwischen offensichtlich ist) während der Renaissance (und zu anderen Zeiten) zu erklären Die Idee, mehrere unabhängige Linien (oder Stimmen) zu kombinieren, war beliebt (zumindest in "ernsten" Kompositionen). Vier Stimmen waren die beliebteste Konfiguration. (Ich verwende immer gerne einen Plural korrekt mit einem Verb im Singular.) Drei- und fünfstimmig waren ebenfalls beliebt.
usw. Die Stimmen mussten unabhängig voneinander sein, sich aber zu einer "schönen" Harmonie kombinieren, und die tiefste Stimme wirkte wie eine Basslinie. Es sorgt für großartig klingende Musik. Barocke (und spätere) Fugen verwenden dieses Muster. Gerade Akkorde (wie Hymnen) sehen so aus: |||||||| Ich habe einige populäre Transkriptionen gesehen, die dieses Konzept verwenden. Der Bass wird durch einen Schrägstrich angezeigt und für jede Melodienote wird ein separater Akkord verwendet. Ich persönlich finde, dass dies zu sehr komplexen Akkorden (melismatische Melodien über einem Walking-Bass) führt und die Struktur der Komposition verschleiert. Aber das Erweitern von Melodie plus Akkorde zu „Melodie plus Akkorde plus Bass“ vereinfacht die Dinge ziemlich. (Die Rhythmusgruppe, zumindest die mit ungestimmten Instrumenten wie Trommeln, Guiros, Kuhglocken usw., sitzt unabhängig, muss sich aber dennoch gut kombinieren.) Dies führt zu einer Struktur wie:
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Der Punkt ist, ein Lied (oder Arie oder Symphonie, alles mit überwiegend homophoner Struktur) als eine Melodielinie, eine Basslinie und einige Akkorde (sozusagen innere Stimmen) zu betrachten. Beim Skizzieren eines Musikstücks schreibe ich gerne Melodie und Bass separat ausgeben und später mit Akkorden füllen. Eine sich schnell bewegende Melodie über einem Walking-Bass zeigt die Bewegung von Melodie und Bass, benötigt aber keine separaten Akkorde für jede Melodienote. Melodien neigen dazu, sich im Vergleich zu harmonischen Bewegungen von Akkorden schnell zu bewegen, ebenso wie der Bass. (Nicht immer, aber meistens.) Ich habe festgestellt, dass es ziemlich einfach war, auf diese Weise an Stücke zu denken.
Beachten Sie, dass die obere „Melodie“-Linie kein einzelnes Instrument sein muss, und wenn Musik für ein großes Ensemble geschrieben wird, können sich Instrumente in die Melodielinie hinein und aus ihr heraus bewegen. Ähnlich für den Bass. Das ist vor allem eine Frage der Anordnung.
Die Melodie und der Bass müssen wirklich in einem guten zweistimmigen Kontrapunkt (jeder Art) geschrieben werden. Das hält die Musik in Bewegung. Da der Bass und die Melodie "freigelegt" sind (normalerweise sowohl höher als auch tiefer als die Begleitung), sind Fehler in diesen beiden leicht zu hören. Ich finde es nützlich, einfach den Bass und die Melodie als zwei Soli zu spielen (oder den Computer spielen zu lassen) und den Klang zu überprüfen. Die "Akkordlinien" werden oft von einer Gruppe von Instrumenten, Rhythmusgitarre, Klavier, Streicher- oder Bläsergruppen usw. gespielt, sodass ein weniger strenger Kontrapunkt erforderlich ist.
In letzter Zeit lande ich bei einer Struktur wie:
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Wo die oberste Linie entweder eine Flöte oder eine Klarinette oder eine Trompete oder eine Posaune ist (oder eine Stimme, wenn ich Texte habe), sind die Akkordlinien meistens Klavier, wobei ein beliebiges Instrument nicht die Melodie spielt und der Bass ein Akustikbass ist. (Meine Sachen machen dem Bassisten viel Arbeit.) Natürlich kann der Bass eine Melodie spielen (ab und zu im Duett mit einem anderen Instrument) und das Klavier übernimmt den Bass für diesen Abschnitt. Die Sternchen stehen für eine Reihe von Trommeln (normalerweise Congas, Bongos, Timbales, Cowbell, Maracas, Guiro, Claves oder eine Auswahl davon).
Michael Martínez