Ich bin Pianist und komponiere auch Songs in DAWs . Meine Hauptbeschäftigung in meiner Freizeit ist das Improvisieren am Klavier, und das schon seit einigen Jahren.
Schon bevor ich irgendwelche Instrumente erlernte (als ich ein Kind war), analysierte ich immer Musik in meinem Kopf und versuchte vorherzusagen, wie sich die Rhythmen, Melodien und Akkorde spielen würden, bevor sie es tatsächlich taten. Das machte das Üben viel schwieriger, da ich bereits ein gutes Gefühl dafür hatte, was ich gerne hörte.
Ich habe immer hauptsächlich nach Gehör gespielt und vor einigen Jahren angefangen, mir selbst das Improvisieren beizubringen; Ich versuche nur, das zu spielen, was ich in meinem Kopf hören konnte. Meine Technik reicht nicht aus, um mit den Symphonien in meinem Kopf mithalten zu können, aber ich denke, ich mache es jetzt ganz gut - und meine Nachbarn sagen oft, dass sie es genießen, wenn ich spiele (ich wohne in einer kleinen Wohnung mit sehr dünnen Wänden ).
Im letzten Jahr wurde ich jedoch frustriert, nachdem ich ein paar Minuten Musik gespielt hatte, die nicht gut genug war, um mich zufrieden zu stellen. Also höre ich einfach auf und fange stattdessen an, Musik zu hören, die mir gefällt. Es wird zu einer schlechten Angewohnheit, und es ist eine Schande, da ich immer noch große Ambitionen für das Komponieren habe.
Diesen Sommer war ich auf einem Songwriter-Kurs, nur so zum Spaß. Eine Sache, die mir dort geraten wurde, war zu lernen, den inneren Kritiker loszulassen und einfach zu versuchen, ein einfaches Lied zu komponieren, das gut genug ist, um dich zufrieden zu stellen . Ich dachte, es wäre ein guter Rat, aber ich habe es in der Woche, in der ich dort war, nicht geschafft.
Ich versuche immer noch, den Ratschlag heute anzuwenden, aber wenn ich etwas komponiere und plötzlich etwas treffe, das mir Spaß macht, werde ich aufgeregt und habe das Gefühl, endlich einen Song zu komponieren, mit dem ich zufrieden bin. Kurz darauf wird es entweder zu vorhersehbar oder zu besonders, und dann werde ich plötzlich ungeduldig und sehne mich danach, wieder in die Stimmung zu kommen, die ich gerade erlebt habe. Nachdem ich ein paar Minuten versucht habe, wieder auf den richtigen Weg zu kommen oder einfach mit etwas Neuem anzufangen, gebe ich normalerweise auf oder bekomme zumindest das Gefühl von Traurigkeit und Entmutigung.
Gibt es einen allgemeinen Ratschlag für Komponisten, die durch ihren Mangel an praktischen Musikerkenntnissen entmutigt sind?
Ich meine, „weiter üben“ ist hier die offensichtliche Antwort, aber was ist mit dem mentalen Teil und Übungen, die sich besser für schnellere Verbesserungen auszahlen ?
Ich hatte das gleiche Problem, aber ich habe es geschafft, es größtenteils loszuwerden.
Mein erster Schritt war, in der Lage zu sein, meinen Stil zu akzeptieren, wenn man spielt, muss man wissen, dass man nicht die Musik spielen wird, die man hört, und wenn man nicht an die Idee gewöhnt ist, kann es einen dazu bringen finde es schlecht, nur weil es nicht nach dem klingt, was du gerne hörst.
Mein zweiter Schritt war, mich selbst aufzunehmen und es mir zur Gewohnheit zu machen, eine Analyse dessen zu machen, was ich gespielt habe, nicht um zu sehen, ob ich gut gespielt habe, sondern hauptsächlich, um das Songwriting zu verbessern und wie ich eine Rolle hätte besser machen können, indem ich einfach die Art und Weise geändert habe, wie sie gespielt wird .
Der dritte Schritt war, die Fehler zu akzeptieren, die ich beim Spielen machen kann, und keine große Sache daraus zu machen, um gut zu spielen, muss man entspannt spielen.
Auch das Spielen mit anderen Menschen kann inspirierend sein und Ihnen helfen, Ihren eigenen Stil zu mögen, wenn Sie ihn als Teil eines Ganzen hören.
Das fehlende Können ist nicht das Problem, was Sie zuerst verbessern sollten, ist Ihr Gefühl, wenn Sie zumindest objektiv mögen, was Sie tun, werden Sie mehr Freude am Improvisieren finden und dann Ihre Fähigkeiten verbessern können.
Ich bewundere Ihre Hingabe, an Ihren Improvisationsfähigkeiten zu arbeiten, denke aber, dass Ihre Spielfähigkeiten vielleicht nicht Ihr Hauptproblem sind.
Diejenigen von uns, die schreiben (Autoren, nicht Komponisten), können auf das gleiche Problem stoßen, wenn unser erster Entwurf nicht großartig ist, wir die Geschichte oder Idee aufgeben.
Der beste Rat, der mir gegeben wurde, war, einfach etwas zu schreiben. Es ist viel besser, die Idee lange genug leben zu lassen, um einen Versuch zu überstehen, sie zu bearbeiten, oder Sie sogar einen Tag lang von ihr weggehen zu lassen, bevor Sie sie töten.
Obwohl es leichter gesagt als getan ist, können Geduld und Fleiß Ihr ohnehin schon angeborenes Talent, sich die Musik in Ihrem Kopf vorzustellen, erheblich verbessern.
Viel Glück beim Komponieren!
Üben ist nicht Musik hören. Ja, Sie müssen beim Üben zuhören, aber Sie tun dies ausdrücklich , um Fehler und Ungereimtheiten zu erkennen und zu korrigieren. Sie können nicht erwarten, dass Sie aus Freude am Zuhören spielen können, ohne vorher zu lernen, wie man spielt!
Improvisation ist immer gut, besonders wenn Sie spielen, was Sie in Ihrem Kopf hören (im Gegensatz zu spielen und dann zu hören, was Sie gespielt haben). Wenn Sie ein Ungleichgewicht zwischen Kopfkreativität und körperlicher Technik haben, dann sollten Sie wirklich daran arbeiten, Ihre improvisatorische Kopfkreativität so weit zu beherrschen, dass sie sich in Ihrer Zone der nächsten Entwicklung Ihrer körperlichen Technik befindet. Sobald Sie wissen, wo sich diese Zone befindet, können Sie einen Plan für die Erweiterung Ihrer körperlichen Technik bis zu dem Punkt erstellen, an dem sie mehr mit Ihrer Kopfkreativität synchron ist. Hier kommt echte Übung ins Spiel – mein innerer Monolog könnte so klingen:
Okay, ich höre ein Riff in meinem Kopf, das ich nicht sofort spielen kann, aber ich kann es transkribieren und nach ein paar Minuten Übung spielen. Nun, lasst uns es in eine fixe Idee verwandeln, es immer und immer wieder in verschiedenen Rhythmen spielen, dann dasselbe in allen 12 Tonarten tun, es dann in ein paar verschiedenen Modi spielen, es dann invertieren, dann die Tonhöhen neu anordnen ...
Da gibt es viele Möglichkeiten. Sie müssen sie nicht alle machen, aber diejenigen, die Ihnen als nützlich und relevant für Ihre Kopfmusik erscheinen, können Ihnen stundenlanges Üben bringen, das Techniken entwickelt, die Sie vorher nicht hatten.
Verstehe, dass dein musikalisches Gehirn aus all der Musik besteht, die du jemals gehört hast, bevor sie neu gemischt und von anderen nicht-musikalischen Stimuli beeinflusst wurde. Das bedeutet, dass die Musik, die Ihnen in den Sinn kommt, in bestehenden Literaturstücken verwurzelt ist und Techniken mit ihnen teilt.
Hier ist die Notation praktisch (und ich sehe, Sie haben erwähnt, dass Sie hauptsächlich nach Gehör spielen, aber haben Sie etwas Geduld) - Sie können diese vorhandenen Musikstücke verwenden, um die Technik zu entwickeln, die Sie benötigen, um die Musik selbst zu spielen Kopf kommt mit. Identifizieren Sie, welche Literatur Ihren kreativen Geist beeinflusst, und lernen Sie dann, wie man sie spielt! Die Alternative zum Lernen aus vorhandenen Notenblättern besteht darin, zu lernen, nachdem alles transkribiert wurde – entweder indem Sie die Noten tatsächlich aufschreiben, bevor Sie sie spielen, oder indem Sie sie nach Gehör spielen. Transkribieren ist eine unglaublich wertvolle Fähigkeit, aber wenn Sie es tun, verbringen Sie Zeit damit, Ihr Gehör zu trainieren, um das Stück herauszufinden, das Sie der Entwicklung der Technik zum Spielen des Stücks widmen könnten. Wenn Sie effizienter üben möchten, müssen Sie die richtige Balance für das finden, was Sie erreichen möchten.
Aus diesem Grund ist das Erlernen des Notenlesens eine erforderliche Fertigkeit für virtuoses Spielen in der westlichen klassischen Tradition. Ausnahmen können für bestimmte mündlich überlieferte Traditionen gemacht werden; Sie werden einige großartige Jazz- und Folkmusiker mit virtuosem Talent finden, aber diese Traditionen sind in erster Linie nicht auf Notenblätter angewiesen, UND in fast allen Fällen sind dies Menschen, deren kreative Köpfe im Einklang mit ihrer Technik aufgewachsen sind. Wir müssen etwas strategischer vorgehen.
Musik zu komponieren ist GROSSARTIG, aber es kann eine entmutigende Aufgabe sein. Es ist klug, einfach die Stunden einzuplanen – selbst wenn Sie eine Stunde am Tag damit verbringen, Motive auf Papierfetzen zu schreiben, die Sie am Ende wegwerfen oder nie verwenden, ist das immer noch etwas. Das Schreiben vieler kleiner Stücke wird Ihnen viel mehr nützen, als die gleiche Zeit für ein großes Stück zu verbringen. Insbesondere wenn Sie Schwierigkeiten haben, etwas zu erledigen, müssen Sie sicherstellen, dass Sie Ihre kompositorischen Ziele so erreichbar wie möglich setzen und sich selbst STRENGE RICHTLINIEN und Grenzen für Ihren kompositorischen Prozess setzen.
Einer meiner Lehrer hat mir einmal gesagt, dass Kreativität nicht aus völliger Freiheit kommt, sondern aus Grenzen . Ich habe lange gebraucht, um zu erkennen, dass sie Recht hatte, aber der Punkt ist, WENN Sie sich selbst einige künstliche Regeln geben, denen Sie folgen müssen, zum Beispiel:
...oder auch...
... dann werden Sie Wege finden, innerhalb dieser Einschränkungen kreativ zu sein, und dieselben Einschränkungen werden es einfacher machen, Stücke tatsächlich fertigzustellen. Die obigen Einschränkungen habe ich mir spontan ausgedacht, aber ich werde unten einige spezifische Kompositionsübungen auflisten, die meine Lehrer zugewiesen haben und die nützlich sein könnten:
Das Obige wird also nicht für jeden funktionieren, aber hoffentlich liefert es einige Denkanstöße zu einigen der von Ihnen erwähnten Themen. Lassen Sie sich im Wesentlichen nicht entmutigen, indem Sie sich selbst als mangelnde Technik wahrnehmen, sondern motivieren Sie sich, diese Technik zu entwickeln, damit Sie sie anwenden können! Und wie Steve Vai bekanntermaßen gelegentlich sagt :
„Wenn du etwas spielen willst, was du nicht kannst, musst du dich selbst dabei sehen und hören, wie du es tust. Es wird passieren.“
Um es anders auszudrücken: Wenn Sie sich vorstellen können, so zu spielen/improvisieren/komponieren, wie Sie es möchten und mit der gewünschten Leichtigkeit, haben Sie bereits den ersten Schritt zum Erreichen dieses Ziels getan.
Für das eigentliche Komponieren möchten Sie vielleicht die DAW zugunsten eines kleinen Notizbuchs mit Mitarbeiterseiten aufgeben. Wenn Sie ein nettes Riff oder melodisches Fragment improvisieren, schreiben Sie es auf, bevor Sie zu viel darauf improvisieren.
Die meisten meiner Seiten haben nur wenige (2, 4, 8) Takte Melodie und Rhythmus. Aber das Tolle ist, wenn Sie eine melodische oder rhythmische Idee brauchen , können Sie sich diese von Ihrem früheren Selbst borgen. Wenn Sie einen lebhaften synkopierten Rhythmus für die linke Hand benötigen, können Sie nur die Balken nach einem Takt mit vielen Linien scannen. Wenn Sie eine süße Melodie mit einem frühen Sprung brauchen und dies seit einigen Monaten fleißig tun, haben Sie wahrscheinlich eine.
Während der Computer ein großartiges Werkzeug bei der Realisierung Ihrer Arbeit ist; Zur Aufbewahrung musikalischer Ideen sind Stift und Papier nach wie vor das A und O.
Dies kann auch helfen, Ihre Improvisationssitzungen zu fokussieren. Manchmal möchte man sich einen ganzen Song einfallen lassen; manchmal braucht man nur etwas, an das man sich erinnern sollte (um es später zu entwickeln).
Ich denke, dass Sie vielleicht durch Ihren Fokus auf Improvisation zurückgehalten werden: Eines der wunderbaren Dinge am Komponieren ist die Fähigkeit, zurück zu gehen und bereits geschriebenes Material zu überarbeiten. Erwägen Sie, traditionelle Notation auszuprobieren, oder stellen Sie sich Ihre Aufnahmen als grobe Entwürfe vor, die Sie dann langsam in einem Sequenzer bearbeiten – es ist unvernünftig zu erwarten, dass Ihnen ein großartiges Musikwerk ohne Überarbeitung aus den Fingern springt.
So wie ein Bildhauer den Ton zuerst in eine allgemeine Form bringt, ihn dann verfeinert und dann letzte Details hinzufügt, müssen Sie lernen, dass der wichtigste Teil der Musikkomposition nicht darin besteht, dass das, was Sie haben, erstaunlich ist ... das Wichtigste ist dass Ihr Stück mit jeder Bearbeitung erstaunlicher wird. Diese richtige „Trajektorie“ zu haben, wird letztendlich zu einer besseren Arbeit führen als ein außergewöhnlicher erster Entwurf.
In diesem neuen Kontext werden Ihre hohen Standards eher zu einem Vorteil als zu einem Ärgernis – sie helfen Ihnen zu wissen, was Sie bearbeiten müssen, und helfen Ihnen, weiter zu bearbeiten, bis Sie etwas haben, das Sie lieben.
Amerikanischer Lukas
Kristina Lopez
Doktor Chaos