Wie erzeuge ich harmonische Dissonanzen/Spannungen?

Ich werde Ihnen die Antwort auf die Frage geben, die Sie stellen, aber ich bezweifle stark, dass es das ist, wonach Sie suchen. Fast jedes harmonische Thema in der tonalen Musik beruht auf dem Konzept der Konsonanz-Dissonanz, und die meisten Konzepte in der Musik enthalten zumindest eine gewisse Dissonanz. Ob es erreicht, was Sie wollen oder nicht, ist völlig unterschiedlich.

V7->I ist eine Dissonanz (Tritonus), die sich in eine Konsonanz auflöst. Jede überzeugende Modulation hat eine Dissonanzauflösung zum Grundton der neuen Tonart (sogar plötzliche Modulationen erfüllen dies). Kleine Intervalle im Bass werden fast immer als dissonant empfunden (sogar Intervalle, die wir normalerweise für konsonant wie Terzen halten). Sekundäre Dominanten, erweiterte Sexten, modale Anleihen, neapolitanische Akkorde waren Möglichkeiten, Chromatismus zu verwenden, um Dissonanzen zu verbreiten. Blues neigt dazu, zusätzliche Dissonanz hinzuzufügen, indem er alle Akkorde zu einer dominanten Septime macht. Jazz fügt zusätzliche Dissonanz mit Konzepten wie Tritone-Ersetzungen und der Verwendung erweiterter Akkorde hinzu.

Dieses Muster setzt sich für viele verschiedene Klangstile und Geschmäcker fort, und es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, dies zu erreichen. Der obige Absatz kratzt kaum an der Oberfläche und offensichtlich führt jede obige Idee zu einem ganz anderen Ergebnis. Ein anderes Ereignis in der Musikgeschichte, das ich erwähnen möchte, ist Schönbergs Emanzipation der Dissonanz , die die Grundlage für das Ziel der atonalen Musik bildet.

Es klingt so, als ob Sie eine bestimmte Emotion hervorrufen möchten, aber nicht wissen, wie Sie das anstellen sollen. Wie Sie Emotionen provozieren, ist schwierig, da welche Geräuschspannung / Angst / Unsicherheit von jedem anders wahrgenommen wird. Was ich in diesem Fall empfehle, ist, Musik zu finden, bei der Sie sich so fühlen und was daran für Sie so klingt. Ein Beispiel, das ich Ihnen nenne, das zumindest bei mir diesen Effekt hervorruft, ist Jaws Main Theme Show unten. Während Harmonie dazu beiträgt, Spannung in diesem Song aufzubauen, würde ich argumentieren, dass die Instrumentierung, Form, das Tempo, der Raum, die Textur, der Tonumfang und der Rhythmus genauso viel, wenn nicht sogar mehr bewirken. Es enthält jedoch eine der oben diskutierten Dissonanzen mit kleinen Intervallen im Bassregister.

Dissonanz als Konzept hat zwei Grundgedanken, von denen einer etwas kontroverser ist. Die erste, die am häufigsten verwendet wird, ist, dass Dissonanz und Konsonanz im Grunde relativ sind und in einem Spektrum existieren. Die konsonantesten Intervalle und Harmonien sind diejenigen, deren sich überlappende Schallwellenzyklen am häufigsten aneinanderreihen. Eine Oktave ist das am wenigsten dissonante Intervall, wobei jeder der höherfrequenten Tonzyklen mit den niedrigerfrequenten Tonzyklen 2:1 übereinstimmt, dh jeder Tonzyklus der niedrigeren Frequenz tritt einmal in der gleichen Zeit auf, die für die höhere benötigt wird Frequenz zweimal auftreten, wie unten abgebildet. Dissonantere Intervalle brauchen mehr Zyklen, bis sich ihre Schallwellen ausrichten. Dies erklärt, warum dieselben Intervalle in niedrigeren Frequenzbereichen tendenziell dissonanter klingen (wenn Sie nicht vertraut sind,

Der andere Denkprozess für Dissonanz ist der Wunsch nach Auflösung. Dies trifft im Allgemeinen gut auf das erste Konzept zu, da die gängigsten Herangehensweisen an Musik typischerweise Dissonanz als Mittel zum Aufbau einer Auflösung verwenden, z. B. wird der V-Akkord verwendet, um eine Spannung zu erzeugen, die sich zum I-Akkord auflösen möchte. Wirklich kontrovers wird das erst, wenn es auf die Spitze getrieben wird. Atonale Musik ist im Grunde so aufgebaut, dass keine Note wichtiger als andere ist, also gibt es keinen Sinn für Tonika. Aus diesem Grund kann es keinen Wunsch geben, sich zu einem bestimmten Ort aufzulösen, da kein bestimmter Ort ruhender ist als ein anderer. In diesem Sinne ist atonale Musik die konsonanteste Musik, der fast jeder Mensch, der sie jemals gehört hat, völlig widersprechen würde.

Dissonanz, wie sie am häufigsten konzeptualisiert wird, existiert in einem Spektrum und ist relativ. Das bedeutet, dass wir uns an Dissonanzen anpassen können und anfangen, sie als konsonanter wahrzunehmen. Dies ist ziemlich offensichtlich in der Welt des Jazz. Erweiterte Akkorde können sehr dissonant klingen, wenn sie zufällig in einem Musikstück platziert werden, aber wenn das gesamte Stück aus erweiterten Akkorden besteht, klingen sie sehr konsonant, insbesondere im Vergleich zu den alterierten Akkorden, die oft verwendet werden, um sie aufzubauen.

Vor diesem Hintergrund ist es wichtig, den Kontext zu berücksichtigen, wenn Sie versuchen, Dissonanzen einzusetzen, um Spannungen zu erzeugen. Etwas, das in einem Pop-Song ziemlich dissonant klingen würde, kann in einem Jazz-Song sehr wohl völlig konsonant klingen. Darüber hinaus können einige Intervalle für sich genommen dissonant klingen, aber wenn sie im Kontext eines Akkords gespielt werden, klingen sie viel konsonanter. Eine kleine Sekunde klingt für sich genommen ziemlich dissonant, aber wenn sie bestimmten Akkorden hinzugefügt wird, klingt sie sehr schön. Wenn Sie beispielsweise einen Moll-7-Akkord mit einigen Erweiterungen konstruieren, können Sie die kleine Terz und die Neun direkt nebeneinander platzieren, wodurch eine kleine Sekunde dazwischen entsteht, und Sie können eine sehr schöne Textur erhalten, die signifikant klingt weniger dissonant als das Intervall selbst.

Eines der schwierigeren Intervalle, um einen konsonanten Klang zu erzeugen, ist die Moll-9. Wenn Sie lernen, Jazz-Akkorde zu singen, ist eine der "Regeln", dass Sie sicherstellen sollten, dass Sie kleine 9-tel auf jedem nicht-dominant funktionierenden Akkord vermeiden, da die Dissonanz die Funktion der nicht-dominant funktionierenden Akkorde untergräbt. Dies wird ziemlich gut durch das Erstellen eines 7-Dur-Akkords veranschaulicht. Wenn Sie den Grundton mehr als eine Oktave über der 7 aussprechen, erhalten Sie eine kleine Neunte, die weniger klingt als im Ruhezustand, und innerhalb einer Dur-Tonart sollte Imaj7 im Ruhezustand ziemlich klingen. Drehen Sie diese Noten in Ihrem Voicing um und plötzlich klingt es sehr schön und ruhig (in diesem Kontext). Aus diesem Grund ist der letzte Akkord bei Songs, die mit der melodischen Note enden, die die Tonika spielt, normalerweise kein Maj7-Akkord,

Ich denke also, wonach Sie suchen, wäre eine Mischung aus der Verwendung bestimmter Arten von Intervallen / Akkorden, die unabhängig vom Kontext allgemein als dissonant angesehen werden (z. B. b9s, verminderte Akkorde, Toncluster), und der Einrichtung Ihrer Dissonanzen in einem bestimmten Kontext ( wie die Verwendung streng triadischer Harmonien und das Einfügen komplexerer Akkorde). Die Verwendung von Noten außerhalb der Tonart, in der Sie sich befinden, kann ebenfalls zu Dissonanzen führen, aber wenn Sie genug Jazz hören, werden Sie feststellen, dass das Spielen außerhalb nicht immer von Natur aus dissonant ist.

Darüber hinaus gibt es auch eine Art Spannung, die sich aus dem Arrangement ableiten lässt. Das Erlernen der erweiterten Techniken bestimmter Instrumente kann es Ihnen ermöglichen, sie zu nutzen, um mehr Spannung aus demselben melodischen/harmonischen Material zu erzeugen. Zum Beispiel erzeugt das Spielen in der Nähe des Stegs auf Streichinstrumenten, Sul Ponticello genannt (ich höre dies normalerweise nur als Ponticello bezeichnet), einen sehr kratzigen Ton. Diese Technik erzeugt letztendlich mehr Dissonanzen, da sie alle natürlichen Obertöne betont, und da mehr Obertöne hörbar sind, gibt es mehr Noten, was mehr Dissonanz bedeutet, da dann alle Schallwellen gleichzeitig gehört werden (mehr Schallwellen müssen hörbar sein). ausrichten).

Man kann also grundsätzlich alle möglichen Arten von Spannungen und Dissonanzen durch unterschiedliche Herangehensweisen erzeugen. Es gibt nicht den einen Weg, es zu tun, und es gibt nicht unbedingt irgendwelche Regeln. Es ist wahrscheinlicher, dass Sie Spannung bekommen, wenn Sie die "Regeln" brechen, wie bei meinem Jazz-Beispiel, bei dem die Akkorde richtig zum Ausdruck gebracht werden, um kleine Neuntel zu vermeiden. Wie ich es oft tue, möchte ich klarstellen, dass Theorie kein Regelwerk ist, sondern eine Sprache zur Beschreibung von Musik und eine Erklärung dafür, warum sie gut klingt. Die einzige Zeit, in der es "Regeln" gibt, ist, wenn Sie versuchen, etwas Bestimmtes zu emulieren, wenn Sie beispielsweise versuchen, wie Bach zu klingen, müssen Sie die richtigen Regeln für die klassische Stimmführung befolgen.

Bei allem Respekt, einige der Fragen, die Sie stellen, stammen aus der Frage: "Welcher Teil der Theorie muss sich daran gewöhnen, dass dies geschieht?" Dieser ist in ähnlicher Weise.

Es ist eine etwas ungesunde Herangehensweise an die Musik im Allgemeinen und das Komponieren im Besonderen.

In der Musik tendieren die Dinge dazu, umgekehrt zu funktionieren. Finden Sie etwas, das effektiv ist, verwenden Sie es und versuchen Sie dann, es mit Begriffen zu erklären, die es irgendwie plausibel machen.

Es gibt viele „Tricks“, aber die besten kommen durch Experimentieren. Ich glaube nicht, dass jeder Komponist denkt: „Richtig, jetzt will ich etwas Gruseliges, also muss ich xyz verwenden“. Wenn sie es täten, gäbe es für jedes gruselige Stück Musik eine gewisse Gleichheit. Aber warte, ja, wahrscheinlich gibt es das!

Und einer der Tricks, genau wie beim Geschichtenerzählen, besteht darin, dem Zuhörer das zu geben, was er nicht erwartet.

Warten auf eine perfekte Trittfrequenz? Geben Sie ihnen eine unterbrochene. Warten Sie auf einen schönen, weich klingenden Dur-Akkord? Geben Sie ihnen alles andere als. Es gibt wahrscheinlich eine Liste, aber wenn Sie der Komponist sind, experimentieren Sie und kommen Sie auf Ihre eigenen Ideen, sonst wird es etwas klischeehaft klingen ...

Ein paar verschiedene Ideen, um Spannung/Dissonanz zu erzeugen:

• Mathematische Dissonanz – obwohl sie etwas subjektiv ist, sind Wissenschaftler im Laufe der Jahre zu dem Schluss gekommen, dass Dissonanz etwas ist, das gemessen werden kann . Sie könnten sich also dieser „messbaren“ Perspektive bewusst sein, wenn Sie komponieren. Wie Dom betont hat, müssen Sie dazu nicht immer eine Tonleiter verlassen - die führende Note ist teilweise in der Dur-Tonleiter vorhanden, weil Sie damit eine interessante Dissonanz erzeugen können.

• Erwartungen trotzen - dafür kann dir niemand eine Formel geben, denn wenn es eine Formel gibt, kommt sie nicht mehr unerwartet! Aber eine Akkordfolge, die in eine unerwartete Richtung geht, erzeugt Unsicherheit.

• Den Erwartungen folgen – Wenn es ein musikalisches Mittel gibt, das bereits kulturell mit dem Gefühl verbunden ist, das Sie erzeugen möchten, können Sie es einfach (so nah wie möglich, ohne in Urheberrechtsprobleme zu geraten!) im Sinne eines „allgemein verstandenen Vokabulars“ verwenden. Beispiel - der neue Instagram -Superzoom ...

Ich weiß auch, dass sich Ihre Frage darauf bezieht, wie man harmonische Spannung erzeugt, aber es lohnt sich immer daran zu denken, dass Sie Spannung erzeugen können, indem Sie andere Aspekte der Musik als Harmonie verwenden. Manchmal reicht eine Note, wie am Anfang von For a some dollar more oder Flash Gordon – letzterer beginnt eigentlich ohne Noten – sorgt der Drumbeat selbst für Spannung. Die ungestimmten, verzerrten Gitarren-„Schläge“ in Creep vermitteln ebenfalls ein Gefühl der Vorfreude, und doch hat das, was dort gespielt wird, keine erkennbare harmonische Qualität – es ist nur ein aggressives Geräusch.

Dissonanz in der Harmonie ist bis zu einem gewissen Grad auf einen Konflikt in den Obertönen zwischen den zwei (oder mehr) gespielten Noten zurückzuführen. Es gibt dissonante Intervalle direkt in der diatonischen Tonleiter, zum Beispiel die große Sekunde und die große Septime. Dissonanzen werden auch durch Stimmen erzeugt. Anstatt neue Noten zu finden, die Sie in ein Musikstück einfügen können, spielen Sie mit der Reihenfolge der Noten, die Sie haben. Zum Beispiel wird das Intervall einer kleinen Sekunde im Allgemeinen als sehr dissonant angesehen, im Dur-Septakkord können Sie Noten stapeln, um die 7.-8. Spannung zu hören. Bewegen Sie die Septime in das Bassregister.

Ich habe durch das Schreiben von Kontrapunktübungen viel über Dissonanz gelernt. Eine Note einführen, die konsonant ist, sie halten und ihre harmonische Umgebung ändern – wodurch sie dissonant wird – und sie dann auflösen, wodurch sie konsonant wird.

Ich habe Arnold Schönbergs „Vorübungen zum Kontrapunkt“ verwendet, die ich wärmstens empfehlen kann.