Ich versuche, mehr darüber zu verstehen, wie man Musik komponiert und vor allem mehrere Instrumente gleichzeitig kombiniert.
Ich bin durchaus in der Lage, eine Basslinie, eine Akkordfolge oder eine Hauptmelodie zu komponieren, aber es scheint mir schwieriger, die Elemente gleichzeitig zusammenzubringen.
Gibt es ein gutes Buch über Theorie, das bei diesem Problem helfen wird?
Ich habe die Modi schon früher ausführlich studiert, Akkordfolgen weniger, aber ich verstehe sie als Bewegung zwischen verschiedenen Punkten des Modus.
Während ich sicherlich in der Lage bin, einen überzeugenden Drum-Track, eine Grundlinie und andere kleine Elemente zusammenzustellen, scheint es mir schwierig, ein weiteres Hauptelement einzubringen.
Ich hoffe, dies gibt Ihnen genügend Informationen für das, womit ich Hilfe suche. Ich habe kleine Mengen Klavier, Schlagzeug und Bassgitarre gespielt. Manchmal kann ich das erreichen, wonach ich suche, indem ich einige der Elemente stark vereinfache, aber ich glaube, das ist nicht wirklich das, wonach ich suche.
Könnte es sein, dass Sie den Fortschritt jedes Elements benötigen, um sich im Takt miteinander zu entwickeln?
Jede Hilfe sehr geschätzt.
Ein traditioneller Kompositionsansatz besteht darin, alle Stimmen für das Klavier zu spielen/zu schreiben und die sogenannte Klavierauszugspartitur zu erstellen. Daraus extrahieren und ordnen Sie Teile für das Ensemble zu. Eine Analogie zur Malerei: Skizzieren Sie die Grundform auf der Leinwand und bearbeiten Sie dann jeden Teil (normalerweise vom Hintergrund zum Vordergrund) mit Farbe, Schatten, Glanzlichtern usw.
In Ihrem Fall komponieren Sie für "Piano, Drums and Bass Guitar". Ich würde vorschlagen, zuerst Melodie, Harmonie und Rhythmus auf dem Klavier zu erarbeiten. Sobald Sie Ihre Patterns in Beats, Noten und Takte übersetzt haben, starten Sie Ihre Aufnahme von Anfang an. Das wäre zuerst Schlagzeug, dann Bass, dann Klavier. Wenn Sie es vorziehen, es anders zu machen, stellen Sie sich zumindest einen "Klick"-Track als Beat-Referenz zur Verfügung, damit Sie den Takt behalten können, während Sie die verbleibenden Tracks einlegen. Wenn Sie mit der Aufnahme aller Teile fertig sind, entfernen oder schalten Sie einfach die „Klick“-Spur stumm, bevor Sie den Master-Mix erstellen.
Wenn ich komponiere, versuche ich mir das Ganze so vorzustellen, wie es klingen würde, wenn es fertig ist, oder ich habe dieses Bild vielleicht schon im Kopf und zerlege es, um zu sehen, wie es aufgebaut werden kann. Ein anderer Ansatz besteht darin, mit einer einfachen Melodie zu beginnen und darauf aufzubauen, um die Harmonie (Akkorde oder zusätzliche Stimmen) und die Entwicklung als Variationen oder Strophen, Chorus- oder Bridge-Elemente zu erstellen, alles abhängig vom Stil usw. Ein gutes Beispiel für die additive Methode wäre seien die Fugen, Kanons oder Präludien von JS Bach.
Da Ihr Ziel Pop/Jazz ist, vergessen Sie nicht, dass im traditionellen Jazz jeder im Ensemble ein Solo machen kann. Ich denke, das hängt davon ab, wie viele Spieler in der Gruppe sind und wie gut sie solo spielen und improvisieren können. Ich würde nicht jedem empfehlen, ein Solo in einer 12-köpfigen Band zu spielen. Das Solo kann jedes Mal anders sein, oder der Komponist kann Anweisungen hinterlassen, um dem Solo einige musikalische Grenzen zu setzen, oder es sogar tatsächlich buchstabieren. Eine andere Sache, die daran cool ist, ist, dass Sie dies zu einem variablen Teil des Stücks machen können, zum Beispiel können Sie 2 zusätzliche Minuten totschlagen, um Ihr Set zu vervollständigen, also warum erweitern Sie das Stück nicht mit ein paar mehr Improvisationen und Soli?
Da das Klavier historisch gesehen ein sehr nützliches Kompositionswerkzeug war, da es sowohl den Tonumfang des Orchesters als auch die Dynamik ("leise" bis "laut, alias Pianoforte) abdecken kann, so ist es auch der moderne Synthesizer mit einem Mehrspuraufnahmegerät /software kann eine Erweiterung davon sein. Ein guter Synthesizer hat heute Tasten, die wie ein Klavier gewichtet sind und eine kompatible Aktion mit dem Hinzufügen erweiterter Stimmen (1000er) bieten. Verbunden mit einem Mehrspur-Aufnahmegerät oder einem Computer, auf dem Aufnahmesoftware läuft, kann der Komponist dies tun jetzt modellieren und seine Idee klarer mischen als mit einem Klavierauszug.
Ein anderer Ansatz besteht darin, automatisierte Notationssoftware mit Beispielklängen wie Sybelius oder Finale zu verwenden, die das Notieren und Hören ermöglicht und den gesamten Prozess des Kopierens von Stimmen für jeden Interpreten so viel schneller und einfacher macht, als einen Kopisten einzustellen.
Oft geht es beim Kompositionsprozess mehr um den Prozess des Komponisten und darum, wie der Komponist den optimalen Arbeitsablauf entwickelt hat, um seine oder ihre Vision zu verwirklichen. Daher steht jeder Künstler vor dem Erlernen einer Methodik, die seine Reise umfasst. Wir alle beginnen damit, den gleichen Prozess zu lernen, ändern ihn aber am Ende, um ihn an unsere persönliche Vorgehensweise anzupassen.
Könnte es sein, dass Sie den Fortschritt jedes Elements benötigen, um sich im Takt miteinander zu entwickeln?
Nun, normalerweise würden Sie nicht einmal von verschiedenen Akkordfolgen sprechen; es ist einfach DIE Akkordfolge, über die alle Instrumente spielen. Die Modi sind normalerweise global. Ein typischer Arbeitsablauf, wenn Sie sich mit einem ersten Part mit nur einem Instrument begnügen, besteht also darin, die Modi aus diesem ersten Part zu extrahieren und sie zur Grundlage der anderen Parts zu machen. Tatsächlich werden Sie dies mit ein wenig Übung schnell ganz automatisch tun. Sie können auch einfach auf dem geloopten ersten Track improvisieren, beginnend damit, den vorherigen Teil (oder was davon auf dem nächsten Instrument spielbar ist) unisono zu spielen und ihn zu etwas anderem zu entwickeln.
Es hängt auch davon ab, welche Art von Song Sie schreiben möchten. Wenn Ihr Musikstil eher Groove-basiert ist (dh mehr Soul, Funk, Hip-Hop, Dance, Soul-Jazz oder sogar etwas Hardbop), dann beginnen Sie im Allgemeinen mit dem Kernelement dieses Grooves. Zum Beispiel schrieb Cantaloupe Island von Herbie Hancock on Empyrean Isles (1964) dieses Lied wahrscheinlich um den Klavierpart herum. Die Musik zu Another One Bites the Dustvon Queen begann wahrscheinlich mit dieser berühmten Basslinie. Sobald Sie dieses Kernelement des Grooves haben, bauen Sie einfach die anderen Instrumentalparts darauf auf, basierend darauf, was den Groove unterstützt, aber nicht im Weg steht. Um den Song zu entwickeln, schichten Sie entweder andere Instrumente ein, die in den Groove passen, entfernen Instrumente, ändern die Lautstärke, fügen dem Groove mehr/weniger Noten hinzu, um ihn zu entwickeln, oder fügen einfach andere Abschnitte hinzu, zu denen Sie gehen, und kehren dann zum Groove zurück . Wenn es ein guter Groove ist, muss das Fundament nicht viel ändern.
Wenn Sie einen Bop-, Cool-Jazz- oder 60er-Blue-Note-Stil schreiben, beginnen diese Songs im Allgemeinen entweder mit einem 12-, 16-, 24- oder 32-Takt-Satz von Akkordwechseln und schreiben dann die Melodie oder den umgekehrten Vers.
Viele Rock-/Country-Musik basiert auf ein paar wiederholten Akkorden für die Strophe, ein paar anderen wiederholten Akkorden für den Refrain und dann noch etwas anderem für die Bridge.
Schließlich basiert viel Musik auf eingängigen Hooks und alles andere ist sehr einfach. Niemand bemerkt die Einfachheit, weil der Haken so gut ist.
Eine einfache und unterhaltsame Methode, dies zu lernen, besteht darin, einen Song mit einer Struktur zu nehmen, die Ihnen gefällt, und damit zu beginnen, ihn zu modifizieren. Ändern Sie einen Rhythmus, ändern Sie Akkorde, fügen Sie Noten hinzu, fügen Sie Teile hinzu, fügen Sie Instrumente hinzu, was immer Sie wollen, bis niemand mehr sagen kann, dass es das Originallied war. Auch wenn Sie das nie für irgendetwas verwenden, haben Sie dennoch eine gute Lektion in der Entwicklung eines Songs erhalten. Sobald Sie dies ein paar Mal getan haben, können Sie mit Ihren ursprünglichen Komponenten beginnen und von dort aus modifizieren / erstellen.
Chris Barry