Aber es gibt Rhythmen, Harmonien und Melodien in der Natur.

Wenn du gehst, baust du einen schönen, soliden Beat auf. Zwei Schläge pro Bar, auf der einfachsten Ebene – aber indem Sie Ihre Gangart oder die Art und Weise, wie Sie zählen, anpassen, können Sie sich das als vier oder drei oder so viele Schläge vorstellen, wie Sie möchten. Das Springen bringt verschiedene Rhythmen mit sich.

Die musikalischen Intervalle, aus denen Melodien bestehen, basieren auf grundlegenden physikalischen Eigenschaften der Natur. Eine Oktave ist das, was Sie erhalten, wenn Sie die Länge einer Saite (oder einer anderen Quelle für Tonhöhenschwingungen) halbieren. Ein Fünftel ist das, was Sie aus einem Drittel der Längen bekommen. Diese Obertöne sind in den Tonhöhen der Natur vorhanden.

Wenn der Wind durch die Felsen und Bäume weht, können Sie Töne und ihre Obertöne hören, die in den Fokus kommen und aus dem Fokus geraten. Diese Tonhöhen "fallen" auch aus Instrumenten heraus - wenn Sie zum ersten Mal eine Saite über einen Resonanzkörper spannen und anfangen, sie zu zupfen, werden Sie sie finden.

Natürlich gibt es auch kulturelle Inputs. Sprache speist Musik ein und beeinflusst sowohl Melodie als auch Rhythmus. Es ist ziemlich einfach zu sehen, wie Konversationssprache zu Gesang führt und Poesie, was zu Gesang führt, was zu Melodie führt.

Fügen Sie dann Jahrtausende kulturelles Feedback und Technologie hinzu. Alle möglichen Dinge gehen in die Mischung ein, vom Tropfen von Wasser in einer Höhle über den Rhythmus eines von Pferden gezogenen Webstuhls, das Klappern von Eisenbahnrädern gegen Gleise bis hin zu den Geräuschen, die entstehen, wenn ein Transistor-basierter Oszillator durch ein gespeist wird Lautsprecher.

Auf die Frage, wie „Meisterwerke“ entstehen, antwortete Nadia Boulanger , eine französische Kompositionspädagogin des 20. Jahrhunderts:

„Ich kann sagen, ob ein Stück gut gemacht ist oder nicht, und ich glaube, dass es Bedingungen gibt, ohne die Meisterwerke nicht erreicht werden können, aber ich glaube auch, dass das, was ein Meisterwerk ausmacht, nicht festgelegt werden kann. Ich werde das nicht als Kriterium bezeichnen denn ein Meisterwerk existiert nicht, aber ich weiß nicht, was es ist.“

Natürlich ist die ursprüngliche Frage spezifisch für wunderbare Melodien, aber eigentlich unterscheiden sich Melodien vom Kompositionsprozess nicht mehr als alles andere, und so wie der Kompositionsprozess von Komponist zu Komponist sehr unterschiedlich ist, so wird auch das wankelmütige Geschöpf der Inspiration feierlich gerungen und für einen Moment gedämpft.

Für Komponisten wie Mozart, Mendelssohn und Schubert war das Schreiben sehr einfach und intuitiv. Andere Komponisten wie Beethoven, Brahms und Joan Tower arbeiten unermüdlich und zerreißen sich im Streben nach ihrer Kunst.

Brahms schrieb einmal, dass er alles dafür gegeben hätte, die Melodie für den Walzer an der blauen Donau zu schreiben , aber er schrieb die „Wiegenlied“-Melodie, die wir alle als Kinder singen.

Skrjabin beschrieb das Schreiben so, als würde er hinter einem mystischen Vorhang in ein Land unergründlicher Möglichkeiten blicken. Picasso beschrieb das Malen wie Erbrechen und Verdauungsstörungen. Es hat nichts mit Musik zu tun, aber ich finde seine Beschreibung urkomisch.

Wie andere Antworten bereits betont haben, fühlen sich Musiker von Geräuschen um sie herum angezogen - ob natürlich vorkommend oder synthetisch. Wir verbringen unser Leben damit, uns mit Sound zu beschäftigen. Also, die japanisch sprechende Dame neben uns, die Sie ausschalten? Ja, ich bin abgelenkt. Fälle wie der, den ich gerade erwähnt habe, können der Theorie multipler Intelligenzen zugeschrieben werden, für die ich ein entschiedener Befürworter bin.

So wie Sie sich täglich mit visuellen Dingen beschäftigen und von Natur aus Balance verstehen, aber ähnlich verwirrt von Musikkomposition sind, könnte ein Musiker so leicht in der Lage sein, so akut auf Ihren Beruf in Form von Sachleistungen zu reagieren. Es ist genau das, was wir tun.

Wenn die Leute ein Stück von mir für ein großes Ensemble gehört haben, sagen wir ein Orchester, fragen sie mich vielleicht hinterher: „Wie sind dir all diese Klänge eingefallen? Wie hast du all diese Klänge gehört?“

Ähnlich wie beim Zeichnen, Architektur, Malen oder anderen Medien beginnst du mit breiten Strichen, groben Skizzen und fügst im Laufe der Dinge nach und nach mehr Details hinzu. Es passiert in Schichten und nicht von links nach rechts – ähnlich wie man ein Stück Fels nicht bis ins kleinste Detail von oben nach unten modelliert.

In meinem Kommentar spielte ich auf das Warten auf Inspiration und Audition an, worauf ich im nächsten Seitenumbruch näher eingehen werde.

Obwohl Sie in Ihrer Frage von Melodien sprechen, geht es bei Ihrer Frage eigentlich um Inspiration. Ich werde den Umfang meiner Antwort auf Melodien beschränken, obwohl meine Kommentare auch auf andere Elemente extrapoliert werden können.

Inspiration für Melodien kann in mehreren Formen offensichtlich sein:

• Externer Stimulus (Aufzug, Sirene, Handy)
• Interner Stimulus (Selbsthören -> auch bekannt als "Audiation")
• Vorhanden aus dem Schrottkatalog eines Komponisten
• Vorbestehend aus dem früheren Gesamtwerk eines Komponisten
• Vorbestehend aus dem früheren Gesamtwerk eines anderen Komponisten
• Aleatorik (Zufallsoperationen)
• Serialismus (Ordnung und Kontrolle)
• Reine Kompositionsübung (mit theoretischem Wissen)

Diese Liste ist nicht vollständig, sollte aber eine gute Grundlage bieten. Ich glaube, die meisten der oben genannten Punkte sind selbsterklärend, aber ich werde Aleatorik und Serialismus kurz weiter beschreiben.

Aleatorismus ist ein Prozess, durch den sich Komponisten der Kontrolle entziehen und dem Universum erlauben, für sie zu „wählen“. Im Grunde ist es dasselbe wie das Werfen einer Münze. Dieser Stil wurde Mitte des 20. Jahrhunderts mit John Cage in der New York School weitgehend populär , aber wissenschaftliche Forschungen belegen, dass sogar Mozart Würfelspiele spielte, nicht nur um Melodien zu schreiben, sondern auch um zu entscheiden, wie Abschnitte in seinen Stücken angeordnet werden sollten.

Serialismus dagegen, das komplette Gegenteil. In diesem Stil kann der Komponist die vollständige Kontrolle über Tonhöhe, Rhythmus, Dynamik, Artikulationen usw. übernehmen. Musik in diesem Sinne kann im Wesentlichen hergestellt werden, und mehrere Komponisten wurden dafür sehr, sehr berühmt - wenn auch aus unterschiedlichen Gründen.

Nachdem das erledigt ist, möchte ich hier hinzufügen, dass Komponisten auch häufig Entscheidungen treffen, während sie an Stücken arbeiten. Ein Komponist plant vielleicht, dass ein Stück einen bestimmten Weg gehen soll, aber in Wirklichkeit kann sein Ohr ihn bei der Wiedergabe seines Werks am Klavier oder auf einem Computer in eine andere Richtung führen. Diese Art der Filterung greift zwar in die ursprüngliche Keimidee ein, ist aber notwendig und gut und bewahrt Komponisten davor, viel schlechte Musik zu schreiben, und das Publikum davor, viel schlechte Musik zu hören.

Hier ist das Endergebnis, und es wird Ihnen wahrscheinlich nicht gefallen:

Eine Melodie zu komponieren bedeutet, Kunst zu schaffen, und niemand, ich wiederhole, niemand versteht noch vollständig, wie Menschen unsere Musik schreiben - von der Keimidee bis zum fertigen Produkt. Der Prozess für jeden Einzelnen ist einzigartig, abhängig von seiner persönlichen und künstlerischen Ästhetik, seiner Kultur und seiner Erziehung. Dabei ist jedes Stück einzigartig und speziell für jeden Komponisten, wie ein kleines Kind.

Wir schätzen die Kunst, weil wir sie nicht verstehen und sie uns fremd ist. Gäbe es einen Laden, um hergestellte Melodien zu kaufen, würde die Kunst abgewertet, da die Tiefe ihrer Bedeutung in greifbare, weltliche Güter übersetzt wurde und daher wenig von Zeit, Leidenschaft und Hingabe spricht. Aus dem gleichen Grund schmeckt hausgemachtes Essen besser und handgemachte Geschenke sentimentaler.

Leider kann ich Ihnen nicht genau sagen, wie "großartige" Melodien geschrieben werden, denn ohne Ihr eigenes Verschulden ist die Tragweite der Frage philosophisch und zu weit gefasst, um sie einfach zu beantworten. Ich habe jedoch einige der Wege und Techniken beschrieben, mit denen Komponisten arbeiten, was zu einem klareren Verständnis der Frage sowie Ihrer eigenen Bestrebungen führen sollte.

Nebenbei habe ich ziemlich ausführlich zu diesem Thema geschrieben und würde gerne im Chat ausführlicher darüber diskutieren.

Viel Glück.

Was ich denke

Musik ist nicht irgendeine mystische, halbzufällige Sache, die alles Verständnis übersteigt; sie hat ihre Regeln und Vorschriften – und in mancher Hinsicht mehr strukturelle Beschränkungen als andere Kunstformen. Es kann und sollte normalerweise etwas vorhersehbar sein, und es gibt wirklich nur wenige Kombinationen von Rhythmen da draußen – es geht nur darum, wie Sie sie zusammenstellen und welche Noten Sie darauf schlagen.

Nun, das ist eine extrem grobe Art, es auszudrücken, aber trotz der Tatsache, dass Ihre Frage im Laufe der Zeit unzählige Male gestellt wurde, ist es immer noch extrem schwierig, sie zu beantworten (sogar auf StackExchange! :) ), weil gut , ist der eigentliche Entstehungsprozess bei jedem anders.

Aus diesem Grund kann ich nicht für alle Komponisten usw. da draußen sprechen ... aber ich kann für mich sprechen, indem ich meine eigenen persönlichen Erfahrungen schildere. Ich sage nicht, dass ich ein guter Komponist oder ein Paradebeispiel für irgendetwas bin. Ich sage nur ... das ist wirklich alles, was ich weiß.

Was ich mache

Hier einige Beispiele aus meiner persönlichen Erfahrung:

• Ich schreibe viele Songs, indem ich einfach am Klavier rumspiele. Viele dieser Songs stammen davon, dass ich mit meiner neuesten Akkordbesessenheit herumgespielt habe oder einfach eine Akkordfolge in meiner Lieblingstonart erfunden habe (die sich hin und wieder ändert; im Moment ist es entweder E oder B, aber früher war es D, und davor war es F und Bb). Wenn ich dann auf etwas stoße, das cool oder hübsch oder so klingt, entwickle ich entweder die Melodie weiter oder bewege die Handform des Musters um verschiedene Umkehrungen verschiedener Akkorde herum, während ich das Stück ständig überarbeite.

• Ich habe auch Songs auf der Gitarre geschrieben. Das passiert nicht oft, höchstwahrscheinlich, weil ich nicht so gut Gitarre spielen kann (und ich spiele auch nicht oft, also hilft das wahrscheinlich nicht), aber bei seltenen Gelegenheiten wie dieser komme ich hoch mit etwas, mit dem ich arbeiten und das ich in etwas Schmackhaftes (Hörbares?) verwandeln könnte. Ich weiß nicht, wie das passiert ... alles, was ich weiß, ist, dass ich eines Tages spielen werde, und plötzlich kommt aus der Dummheit die Unlust, und ich versuche zu sehen, ob ich die Melodie machen kann, die ich irgendwie hören kann wenige Takte voraus kommen aus dem Instrument. Buchstäblich. Das ist wirklich alles, was ich tue. (Was könnte erklären, warum es ziemlich mittelmäßig ist?)

• Manchmal versuche ich, einen Song zu einem bereits existierenden Werk zu machen. Für die achte Klasse habe ich ein Projekt für Shakespeares Der Sturm gemacht. Es war ein mehrsätziges Stück, das für jeden Charakter ein anderes Blasorchesterinstrument verwendete (Flöte für Miranda, Klarinette für Prospero, Saxophon für Ferdinand, Trompete für Gonzalo, Horn für Caliban, gedämpfte Trompete für Trinculo, Vibes für Ariel usw.) und für jede Szene spielten die beteiligten Instrumente ein Thema, das meiner Meinung nach zu den Ereignissen passte, die während dieser Szene des Stücks stattfanden. (Zum Beispiel in der Szene, in der Gonzalo aufgeregt ist, am Strand oder so etwas zu landen, und Sebastian und seine Freunde ihn hinter seinem Rücken verspotten, wechselt es zwischen der Trompete, die eine fanfarenähnliche Phrase spielt, und der Oboe und dem Bariton, die sie verzerrt wiederholen , Ornament- und Pitch-Bend-gefüllte Art.)
  Für einen anderen Song, den ich für das Projekt eines Freundes zu einem Buch mit dem Titel Clockwork Angel geschrieben habe(wobei es um ein Mädchen, Dämonen und einen riesigen Uhrturm geht), entschied ich, dass das Intro nur mit Röhrenglocken beginnen sollte, die Achtelnoten mit einem synkopierten Akzentmuster über einer wechselnden Taktart spielen, mit gelegentlichen Schlagakkorden bei besonders wichtigen Akzenten. Mein Gedanke dahinter war, dass es so wäre: "Hey, Uhrturm! .... Aber hier stimmt etwas nicht." Ich habe dieses Gefühl noch verstärkt, als die Instrumente aus der viktorianischen Zeit (der Schauplatz des Buches) und die unheimlichen Pad-Synthesizer nach den dröhnenden, supertiefen Klavierschlägen hinzukamen … es ist eigentlich ziemlich gut geworden. Das war also meine Überlegung dahinter.

• Bei diesem Song (es fehlt ein ganzer Gitarrenpart; ich habe ihn aufgenommen, aber beim Kombinieren vergessen, ihn einzufügen) kam mir eines Tages das Hauptmotiv, auf dem der ganze Song basiert (der Anfangspart), zufällig in den Sinn (es ist eine lange Geschichte). Aber den ganzen Weg nach Hause habe ich es vor mich hin gesummt, damit ich es nicht vergesse. Dann habe ich damit auf der Gitarre herumgespielt und dann noch etwas mehr in Finale, habe es während der Frühlingsferien im ersten Jahr aufgenommen und ... hier ist es!

• Für das coole Piano-Zwischenspiel in diesem Arrangement [Anmerkung: noch nicht fertig] habe ich im Grunde nur versucht, den Song am Laufen zu halten, aber langsam in das ganze „Carol of the Bells“-Akzentmuster usw. überzugehen (es ist ein Klavier- und Waldhorn- Duett , falls Sie sich fragen ... keine Begleitung hier!)

• Ich habe diesen Song vor so langer Zeit geschrieben [würde zurückgehen und den Ausschnitt korrigieren, aber ich bin einfach zu faul], dass ich immer noch nicht glauben kann, wie leicht mir das Ganze eingefallen ist. Es ist nicht so gut, also gibt es hier überhaupt nichts, worauf man wirklich stolz sein könnte, aber ich selbst habe immer noch keine Ahnung, wie ich gleichzeitig auf die Worte und die Melodie gekommen bin, da ich den Song in meinem gerade durchdacht habe Kopf.

• Um mit der ganzen Sache mit den Texten fortzufahren, manchmal denke ich mir zuerst die Texte aus und schreibe dann die Musik dazu. Ich habe mehrere Beispiele dafür, aber keines davon ist es wert, gehört zu werden.

Was ich sonst noch denke

(Beschweren Sie sich nicht über den Titel des letzten Abschnitts.)

Bevor ich viele negative Stimmen bekomme, weil „das ist eine Musikund es gehört definitiv Geschick dazu, diese Dinge einzusetzen, um Schönheit und pure Großartigkeit selbst in den einfachsten Dingen einzufangen. Ich denke, dass es nicht wirklich darauf ankommt, womit man anfängt, sondern was man daraus macht.

Genau wie in der bildenden Kunst kommt diese Fähigkeit mit der Entwicklung der Vorstellungskraft. Imagination kann mit allen Sinnen arbeiten. Parfümeure stellen sich Düfte vor. Köche stellen sich Geschmäcker, Texturen und Aromen vor. Musiker stellen sich Musik vor.

Das Zeitelement ist der einzige wirkliche Unterschied zwischen der hörbaren Imagination (oder Audiation ) und diesen anderen, eher statischen Bildern. Man kann eine Melodie im Kopf spielen , zurückspulen, beschleunigen. Heraustreten der Solfage zwischen aufeinanderfolgenden Noten.

Es ist im Grunde das Gleiche, was dir passieren kann, wenn dir ein Lied im Kopf hängen bleibt . Durch Aufmerksamkeit und Übung kann man eine gewisse Kontrolle über diese Fähigkeit entwickeln. Nachdem Sie die Wörter und die Melodie gelernt haben, beginnen Sie vielleicht auch, auf die Trommeln zu achten. Indem man das Lied immer wieder durchgeht, entwickelt man die Fähigkeit, auch die Trommeln zu hören und wie die Rhythmen mit den Gesangsrhythmen interagieren. Einige Zeit später wird der Mischung ein weiterer Teil hinzugefügt. Und ein anderer. Wenn Sie also nur lange genug von Ihrem Lieblingssong besessen sind, können Sie einen Mehrspur-Synthesizer/Sequenzer in Ihrem eigenen FPGA (Neocortex) anbauen.

Ich bin Computerprogrammierer und Künstler für elektronische Musik, also habe ich eine andere Sicht auf Musik, als alle hier beschrieben haben. Einen Song zu schreiben ist für mich wie ein Programm zu schreiben.

Wenn ich ein Computerprogramm schreibe, weiß ich zunächst, was das Programm tun soll, und muss dann entscheiden, wie ich es dazu bringen möchte. Der beste Weg, dies zu tun, besteht darin, das Programm in verschiedenen Komponenten zu betrachten - kleine Codestücke, die ich leicht verwalten kann. Wenn ich zum Beispiel ein Videospiel mache, schreibe ich einen Code, der mit dem Betriebssystem interagiert, einen, der beschreibt, wie sich die verschiedenen Charaktere verhalten, und einen, der beschreibt, wie alles auf den Bildschirm gezeichnet wird. Jedes Stück Code ist klein genug, dass ich es vollständig aus dem Programm nehmen und in ein anderes einfügen könnte, und es würde immer noch funktionieren. Das hat einen wirklich großen Vorteil: Wenn ich an einem Stück Code arbeite, kann ich mich voll und ganz darauf konzentrieren, was es tut, ohne mich daran erinnern zu müssen, was alles andere ist.

Ich schreibe Musik auf die gleiche Weise. Ich beginne damit, zu wissen, welche Art von Emotion ich darstellen möchte. Dann entscheide ich, welche musikalischen „Bausteine“ ich schreiben möchte. Ich könnte eine Harmonie auswählen, die einen bestimmten Geschmack hat, einen Rhythmus, der ruhig oder hektisch ist, und eine Melodie, die meiner Absicht entspricht. Wenn ich dann mehr an dem Song schreibe, kann ich leicht verschiedene „Komponenten“ des Songs optimieren oder sogar durch andere ersetzen, um verschiedene Nuancen der Emotion zu erkunden, die ich darzustellen versuche.

Um Ihre Frage konkret zu beantworten, denke ich beim Erstellen einer Melodie an Folgendes:

• Es gibt mehrere Merkmale einer Melodie, die ihre Emotion bestimmen. Indem ich diese Musikstücke sorgfältig manipuliere, kontrolliere ich die Emotionen, die sie darstellen, von selbst.
  • Was ist sein Rhythmus?
  • Ist es schnell oder langsam?
  • Sind die Noten dicht beieinander oder gespreizt?
  • „Klappern“ die Noten in der Melodie miteinander?
• Außerdem mache ich mir Gedanken darüber, wie die Melodie mit den anderen „Komponenten“ des Songs zusammenspielt. Dies steuert die genaue Nuance der Emotion, die die Melodie darstellt, sowie wie die Melodie die Gesamtemotion im Song beeinflusst.
  • „Klappern“ die Noten in der Melodie mit den Noten in der Harmonie?
  • Stimmt der Rhythmus der Melodie mit dem Rhythmus des Schlagzeugs überein, ergänzt oder widerspricht er ihm?
  • Manchmal spiele ich mehrere Melodien gleichzeitig. Dann kann ich sie einige melodische Eigenschaften teilen lassen, aber bei anderen anderer Meinung sein, was dazu führt, dass sie sich auf interessante Weise gegenseitig ausspielen. Eines meiner Lieblingsstücke, das ich geschrieben habe, hat eine entschlossene Basslinie, eine traurige Melodie und eine verspielte Nebenmelodie, die alle gleichzeitig gespielt werden.

Die meisten anderen Antworten hier sprechen darüber, wie Komponisten ihre Ideen für Klänge aus der Natur bekommen und wie der Prozess des Musikschreibens wirklich undurchsichtig und unmöglich festzumachen ist. Ich stimme ihnen nicht zu. Ich denke, Musik kann sehr intellektuell und bewusst angegangen werden, und ein kluger Komponist wird verstehen, wie sich verschiedene Musiktechniken auf seine Musik auswirken.

BEARBEITEN:

Wenn Sie mehr über die Arten von Mustern erfahren möchten, die Musiker beim Schreiben von Musik verwenden, sollten Sie in Musiktheorie nachschlagen. Dies ist eine gute Ressource für Anfänger: http://www.musictheory.net/lessons

Wenn Sie wissen wollen, warum Musik wissenschaftlich „funktioniert“, ist dies ein wirklich gutes Buch zu diesem Thema: http://www.amazon.com/This-Your-Brain-Music-Obsession/dp/0452288525/ . Als Komponist denke ich aber nicht direkt darüber nach, um was es geht, wenn ich einen Song schreibe. Auch hier denke ich hauptsächlich in Begriffen der Musiktheorie.

Wie gesagt, Musik entstand wahrscheinlich aus der Nachahmung von Laufrhythmen, Atemrhythmen, Sprechmelodien, Vogelgesang usw. Heutzutage ist viel Musik ziemlich weit davon entfernt. Es wurde abstrahiert und bestimmte Gesetze der Musik gefunden. Zum Beispiel klingen nahe beieinander liegende Noten (in irgendeiner Weise, wie Frequenz, Zeit, Klangfarbe ...) so, als würden sie zusammengehören, während weit voneinander entfernte Noten unterschiedlich klingen; Tempo hat einen großen Einfluss darauf, wie viel Energie die Musik hat usw. Sie verwenden diese Gesetze, um die Musik interessant und kohärent zu machen.

Musik machen ist für mich in gewisser Weise vergleichbar mit abstrakter bildender Kunst. (Nun, ich habe keine Erfahrung damit, aber ich kann es mir vorstellen...) Abstrakte Kunst repräsentiert nicht unbedingt etwas Konkretes. Sie verwenden einfach die Gesetze der Formen und Farben und der Psychologie, um ein Stück zu schaffen, das einfach irgendwie zu "funktionieren" scheint. Verschiedene Menschen werden es unterschiedlich interpretieren oder gar nicht bewusst interpretieren, sondern es einfach sein Ding machen lassen.

Sie können aus so ziemlich allem Musik machen, zum Beispiel aus einer beliebigen Melodie oder einem Akkord. Sie analysieren Ihre Ideen, um zu sehen, in was sie umgewandelt werden können. Meiner Meinung nach ist „Inspiration“ das Gefühl, wenn man diese Ideen analysiert und damit experimentiert hat, bis man sieht, was für ein Ganzes daraus werden könnte. Der Rest ist viel harte Arbeit.

Es wird angenommen, dass Beethoven einen Satz oder eine Phrase erdachte, Noten schrieb, die zu Rhythmus und Tonfall passten, und dies als Motiv für ein Stück verwendete. Er hat niemandem gesagt, was der Satz war, mit zwei Ausnahmen, wo er ihn in den veröffentlichten Noten abdruckte: "Le - be - wohl" in der Sonate für Klavier opus 81a und "Muss es sein? Es muss sein!" im Streichquartett.

Ich habe einmal versucht, ein beliebiges Stück Prosa zu nehmen, es laut vorzulesen und eine Melodie zu schreiben, die zu Rhythmus und Tonfall passt. Es funktioniert, und wenn es lang ist, bekommt man eher so etwas wie ein erstes Thema von Schubert als ein Beethoven-Motiv.

Ich spiele Mandoline. Keltische Melodien. Die Finger fallen in Muskel-Gedächtnis-Muster. Ich nudele mit bekannten Mustern. Manchmal mache ich einen Fehler und sage diese beiden Worte, die Physiker berühmt sind: "Das ist lustig." Und dann frage ich mich, ob ich das absichtlich getan habe, was kommt als nächstes?

Nudel, Nudel, Nudel.

In den Tagen des Brill-Gebäudes gab es einen Ausdruck "seitwärts schreiben". Das war, mit einem bestehenden Lied / einer Melodie / einem Thema zu beginnen und es Stück für Stück zu ändern, bis es etwas Neues war. Manchmal, wenn ich feststecke, gehe ich in eine Zeit, die nichts mit dem zu tun hat, was ich zu schreiben versuche – für moderne Popmusik höre ich Debussy / Ravel. Für "formellere" Kunstmusik höre ich Philly Soul oder die Beach Boys (ich muss ich sein) - und warte, bis mir eine Phrase ins Ohr springt. Dann bin ich weg und laufe.

Auch das Improvisieren über eine Harmonie mit genügend Disziplin, um regelmäßig mit dem Spielen aufzuhören und mit dem Schreiben zu beginnen. Graham Nash sagte, ein Titel einer verbalen Phrase würde einen Rhythmus implizieren.

Dieses Zitat wird mindestens einem halben Dutzend Personen zugeschrieben und ich glaube wirklich, dass es Ihre Frage in 90 % der Fälle beantwortet.

"Gute Künstler leihen, große Künstler stehlen."

Im Fall der Musik bedeutet das für mich, dass Musiker ihre Ideen bekommen, indem sie mit etwas beginnen, das sie von anderen Musikern gehört haben. In der Musik trifft das definitiv zu, weil man dieselben Phrasen, Kombinationen von Noten immer und immer wieder in vielen verschiedenen Liedern hört. Sicher gibt es Variationen mit Verzierungen, modifizierten Akkorden oder rhythmischen Änderungen, aber die Ähnlichkeiten und Akkordfolgen sind erkennbar.

Obwohl ich kein Songwriter bin, habe ich sicherlich Hunderte von coolen (für mich) und originell klingenden Riffs erstellt, indem ich herumgespielt habe, während ich einen neuen Song von jemand anderem gelernt habe. Manchmal bin ich über die Riffs gestolpert, weil ich versucht habe, die Noten zu variieren, manchmal aus Versehen. Und das war ich, fast kein Talent und wenig Zeit, um mich im Songwriting-Bereich zu qualifizieren. Ich konnte mir nur vorstellen, was jemand, der wirklich talentiert und kreativ war, die Regeln kennt und weiß, wann er sie brechen muss, aus dem gleichen Herumspielen mit einem Satz hätte kommen können, das ich tun würde. Ich bin mir sicher, dass sie allein mit dieser Methode eine Grundlage für einige gute Symphonien schaffen könnten.

Sprache besteht aus zwei Teilen: Wörtern, die den logischen Inhalt enthalten, und Melodie, die den emotionalen Inhalt enthält. Betrachten Sie jeden gesprochenen Satz; durch Änderung der Melodie, der Zufügung und der Betonung ändert sich die Bedeutung, ebenso wie sie durch Änderung der Wörter geändert werden kann. Daher ist Musik für uns in unserer Sprache relevant, und wir sind dieser Musik jeden Tag ausgesetzt.