Wie man ein Streichquartett schreibt

Ein Streichquartett zu schreiben ist auch ein Ziel von mir. Vor dem Hintergrund fertiger Quartette kann ich keine Ratschläge geben, aber ich kann mitteilen, was ich versucht habe, dorthin zu gelangen.

Aber zuerst denke ich, versuchen Sie nicht ständig, Choräle anzupassen. Natürlich kann man mit einem Streichquartett Choräle spielen, und es klingt schön, aber die Struktur ist anders als bei einem typischen Streichquartett. Zum Beispiel haben Sie in Quartetten viele Begleitmuster mit gebrochenen Akkorden, gebrochenen Terzen und wiederholten Noten, die in einem Choral nie vorkommen.

Ein weiterer großer Unterschied ist die Form. Ein Choral besteht normalerweise aus ein paar Phrasen, die schnell in verwandte Tonarten modulieren. Es gibt normalerweise nicht viele wiederholte und abwechslungsreiche Phrasenstrukturen, die Sie in einem Quartett finden werden. In einem Quartett haben Sie normalerweise Sonaten-, Menuett-da-capo- und Rondo-Formen. Periodische Phrasen und Reprisen werden wichtige strukturelle Mittel sein.

Das habe ich versucht:

• schreibe zuerst Menuette (16 Takte), arbeite dich dann mit Da-Capo-Wiederholung zum Trio vor. Strukturell ist dies der kleinste Teil des Quartetts. Wenn es nicht gehandhabt werden kann, werden die anderen Formen wahrscheinlich zu viel sein. Versuchen Sie, "Skizzen" zu schreiben, anstatt die endgültigen vier Teile vollständig auszuarbeiten, um den Fokus auf die formale Struktur zu lenken, die das eigentliche Anliegen der Komposition ist.
• kurze Phrasen vollständiger vierstimmiger Vertonungen schreiben und dabei auf die Verteilung der melodischen Elemente auf die vier Instrumente achten. Ich habe Mozart für meine Übung verwendet. Was ich häufig gesehen habe, ist, dass das melodische Hauptinteresse oft bei einer oder zwei Stimmen liegt, während die anderen sehr einfache Begleitungen spielen. Melodisches Zeug kann oft zweistimmig in Terzen oder Oktaven verdoppelt werden.
• Quartettpartituren in ein Notationsprogramm kopieren. Dies mag wie Zeitverschwendung erscheinen, da Sie keine kompositorischen Entscheidungen treffen. Aber wenn Sie Note für Note aus der Partitur kopieren - was sehr mühsam ist! - Sie zwingen sich, sich des Inhalts der Komposition viel bewusster zu sein. Ich habe das mit der Eröffnung von Ravels Streichquartett gemacht und Dinge gesehen, auf die ich vorher nicht wirklich geachtet hatte, als ich nur die Partitur gelesen/gehört hatte. Dann versuchte ich, eine eigene Quartett-Eröffnung zu schreiben, nach dem Vorbild der Merkmale, die ich in Ravels gesehen hatte.
• Analysieren Sie Quartette und schreiben Sie harmonische Reduktionen . Sie sollten feststellen, dass die harmonische Phrasierung und der harmonische Rhythmus in einem klassischen Quartett einfacher sind als in einem Choral. Ganz allgemein gesagt haben vier Takte eines Chorals viel harmonische Bewegung, während vier Takte eines Streichquartetts manchmal nicht mehr als Tonika/Dominanz-Harmonie sind. Von der Struktur her ist ein Choral kontrapunktischer, ein Quartett homophoner.

Ich denke hauptsächlich an Haydn und Mozart für die Quartettmodelle und den Vergleich mit Chorälen. Ein Komponist der Romantik wie Brahms könnte bessere Modelle liefern, um eine Choralstruktur zu einem Quartett zu erweitern.

Ich hatte noch einen anderen Gedanken. Wenn Sie, wie ich, kein Streicher sind, versuchen Sie, sich mit den Streichinstrumenten vertraut zu machen. Holen Sie sich eine billige Geige, wenn Sie können, oder eine Mandoline, die die gleiche Saitenstimmung und Halsskala hat. Wenn Sie wissen, wie sich der Bogen anfühlt, Fingersätze usw., kommen Sie besser damit klar, wie man für Streicher schreibt. Verbinden Sie sich mit jedem, der Saiten spielt, um Rat oder einfach nur zum genauen Zuhören. Ich hatte einen Freund im College, der Cello spielte. Ich würde ihn drängen, die Cello-Suiten von Bach zu spielen. Ich könnte direkt neben ihm sitzen und die Partitur zusammen mit seinem Spiel lesen. Ich habe versucht, kleine Dinge in die gleiche Richtung zu schreiben, und er hat sie gespielt ... so wie sie waren.

Ich möchte etwas hervorheben, das die meisten anderen Antworten vorschlagen, zum Nutzen des Originalposters, falls sie noch folgen, oder anderer. Beim Erlernen des Komponierens ist es wie bei jeder kreativen Tätigkeit wichtig, „Übungen“ oder „Studien“ durchzuführen – Dinge, die Sie eigentlich nicht als fertige Produkte herausbringen möchten, sondern einfach aus der Erfahrung lernen möchten.

Wenn Sie ein großartiger Schriftsteller werden wollen, ist es ein schrecklicher Ratschlag, sich einfach an die Schreibmaschine zu setzen und Ihren großen amerikanischen Roman mit „Kapitel 1. Es war einmal …“ zu beginnen und zu erwarten, Ihr Meisterwerk auf einmal zu produzieren. Der Rat ist, jeden Tag ein bisschen zu schreiben, Wegwerfnotizen, und dass die schiere Menge an Output Ihr Handwerk verfeinern wird. Es gibt ein Buch namens Exercises in Stylein dem der Autor eine einfache Geschichte dessen erzählt, was er im Bus gesehen hat, aber in 99 verschiedenen Stilen oder Techniken, einfach um sein Spektrum zu erweitern. Bildende Künstler füllen Notizbücher mit Skizzen; Sie kopieren Hunderte von bestehenden Gemälden und probieren kleine Ideen und Ansätze aus. Die meisten der großen Musikkomponisten führten „Skizzenbücher“, in denen sie Ideen niederschrieben, und sie durchliefen eine Ausbildung, die oft das Schreiben im Stil früherer Komponisten oder das Schreiben von Stücken nach strengen Regeln beinhaltete.

Wie bei den meisten musikalischen Beschäftigungen ist der beste Rat, sich „einen Lehrer zu suchen“, der solche Übungen zweifellos zuweisen wird. Die meisten „großen“ Komponisten der westlichen klassischen Tradition (und vieler anderer Traditionen) hatten eine formelle Ausbildung. Wenn Sie es sich jedoch selbst beibringen müssen, weisen Sie sich Übungen zu, um mit verschiedenen Texturen, Stilen und Effekten zu experimentieren. Schreiben Sie Kontrapunkt in allen Arten. Fugen schreiben. Schreiben Sie „Teilungen auf Grund“. Schreiben Sie in vier Teilen, aber lassen Sie nicht mehr als drei gleichzeitig spielen. Geben Sie der Bratsche die Melodie ("Sie werden einen Freund fürs Leben gewinnen!"). Kopieren Sie die Quartette von Haydn bis George Crumb. Mischen Sie sie zusammen (machen Sie Mozarts Thema in Debussys Stil).

Unterwegs werden Sie nicht nur Ihre eigene musikalische "Stimme" finden, sondern wahrscheinlich viele Ideen und Fragmente, sogar ganz neue, erwerben, nur weil Sie durch diese Einschränkungen angeregt werden.

Es könnte eine gute Idee sein, vor dem Komponieren zu arrangieren. Zu erfahren, wie eine Melodie über das Ensemble verteilt werden kann und wie die Teile zusammenwirken, ist spannend.

Sie könnten mit etwas Einfachem wie Pachelbels Kanon beginnen. Dies ist ein guter Song, um mit einer Basslinie zu beginnen und langsam mehr Komplexität hinzuzufügen.

Eine kompliziertere Kanone ist Bachs kleine Fuge in g-Moll , die von oben nach unten beginnt und eine Menge Harmonisierung aufweist. Obwohl es für Orgel geschrieben wurde, ist dies ein grundlegendes Lied im Blechbläserquintett-Repertoire von Canadian Brass und begleitet sie seit ihrer Gründung, so dass es offensichtlich gut für ein kleines Ensemble ist.

Alles Große wie Orgelmusik hat im Allgemeinen viele Teile zur Auswahl. Sinfonien funktionieren auch sehr gut. Diese werden voller Melodien sein, die zwischen Abschnitten springen, Gegenmelodien und unterstützende Grundlinien und Akkorde. Sie können wirklich viele kreative Entscheidungen darüber treffen, was Sie aufnehmen und was Sie überspringen möchten. Einige Sätze von Bilder einer Ausstellung kommen mir in den Sinn als etwas, das Spaß machen würde, es für Streichquartett zu adaptieren (es war ein so aufregender Klavierauszug, dass Ravel es für ein volles Orchester arrangierte).

In meinem Prozess beginne ich mit Originalnoten, die ich sorgfältig mit einer Tastatur in meine Musiksatzsoftware einfüge. Dies ist zwar äußerst mühsam, lässt meine Gedanken aber schweifen, sodass ich über jede Phrase nachdenke, die ich tippe, und darüber nachdenke, wie sie mit jedem Instrument klingen könnte und wie sie in ein kleines Ensemble passen könnte. Schließlich komme ich zu der lustigen Aufgabe, die Sätze aufzuteilen, einige Lücken hinzuzufügen und andere zu füllen. Zu entdecken, wie/warum bestimmte Gegenmelodien harmonieren, ist ebenfalls ein Heureka-Moment. Auch wenn es weniger als vier gleichzeitige Parts gibt, ist es auch in Ordnung, einen Spieler für einen Moment aussetzen zu lassen oder bei Parts zu verdoppeln. Vielleicht kann die Bratsche mit dem Cello spielen, um die Bässe zu betonen.

Das Streichquartett ist ein von Natur aus kontrapunktisches Medium, und vier relativ ähnlich klingende Instrumente zu haben, die es schwieriger machen, den Kontrapunkt herauszuhören, macht es tatsächlich notwendiger, einen Kontrapunkt zu haben, nicht weniger.

Wenn Sie daran denken, eine Melodie, einen Bass und Harmoniestimmen zu haben, dann denken Sie daran, für ein Quartett zu schreiben, das völlig falsch ist. Auch wenn es nicht ganz so kommen wird, sollten Sie sich das Schreiben für ein Quartett so vorstellen, als würden Sie vier separate Melodieteile schreiben, die zufällig verwandt sind und alle zusammengehören.

Ich habe eine Übertreibung geschrieben - Menschen sind nicht sehr gut darin, vier Melodielinien gleichzeitig zu folgen. Zu jeder Zeit wirst du wichtigere Zeilen und weniger wichtige Zeilen haben. Es wird Passagen geben, in denen ein Instrument für einige Takte die Melodie trägt. Ein effektives Quartett hat jedoch im Allgemeinen den Fokus, sich ziemlich regelmäßig von einem Instrument zum anderen zu bewegen.

Ich würde sagen, dass Sie bereit sein sollten, eine Fuge zu schreiben, wenn Sie Ihr erstes Quartett schreiben. Wenn Sie noch keine Fuge geschrieben haben - versuchen Sie das als Übung (und wenn Sie Ihre Fuge für Quartett schreiben möchten, ist das in Ordnung).